DER HISTORISCHE KONTEXT
VON
Die Avantgarde und Kitsch, 1939
von Clement Greenberg
Was ist Leben? Wenn man den Maler Ad Reinhardt umschreibt: „Das Leben ist alles, was keine Kunst ist, oder die Kunst ist alles, was kein Leben ist …“, was bedeutet, dass vieles von art…an ausschluss, der dem New Yorker Kritiker Clement Greenberg gefallen würde. Vor dem Hintergrund des europäischen Faschismus schrieb der amerikanische Kunstkritiker 1939 Avantgarde und Kitsch. Der vorherrschende und populäre Kunststil, der amerikanische Regionalismus, schwand, als Greenberg sich daran machte, zwischen einer echten echten Kultur und populärer Kunst zu unterscheiden. Von Anfang an war Greenberg sehr klar, dass er sich mit einer Frage der „Ästhetik“ oder der Definition von Kunst befassen würde, und dass er dies tun würde, indem er die Erfahrungen eines „spezifischen“ Individuums und die „sozialen und historischen Kontexte“ untersuchte, in denen diese Erfahrung stattfindet.“
Greenberg schrieb in der Tat zu einer sehr einzigartigen Zeit. Es war selten, dass zeitgenössische Kunst unter solchen Angriffen stand, die in Europa seit Jahren im Gange waren. In der Sowjetunion wurde die Avantgarde vollständig unterdrückt. Im Deutschen wurde Avantgarde-Kunst als „entartet“ definiert.“ Die Avantgarde und der Kitsch wurde in der neuen intellektuellen Zeitschrift Partisan Review veröffentlicht, ein guter Ort für einen aufstrebenden Literaturkritiker, um seine Karriere voranzutreiben. Greenberg, ein englischer Major am College, schrieb jahrelang hauptsächlich als Literaturkritiker, und sein erster veröffentlichter Artikel war über Berthold Brecht, ein Berliner Theaterproduzent. Brecht, ein hingebungsvoller Kommunist, dachte an populäre Unterhaltung als Mittel, um das Bewusstsein des Publikums zu schärfen. Mit der Strategie der „Entfremdung“ durchbrach Brecht die „vierte Wand“, indem er das Publikum direkt von der Bühne aus ansprach und damit auch die Illusion der „Realität“ durchbrach.“
Wie sein Interesse an Brechts Verwendung des Volkstheaters vermuten lässt, war Greenberg nicht unbedingt gegen die Populärkultur an sich, und es ist wichtig, den Kontext zu verstehen, in dem dieser Aufsatz entwickelt wurde. Die ganze Welt stand am Rande eines weiteren Weltkrieges und erlebte das schreckliche Schauspiel einer faschistischen Kriegsmaschine, die über Europa rollte. Während dieser faschistischen Periode in Europa war „Kultur“ von den totalitären Mächten in der Sowjetunion, Deutschland und Italien angeeignet und in Spektakel für die Massen verwandelt worden, was zu faszinierender Unterhaltung und psychischer Manipulation führte.
Die Fähigkeit Hitlers und Mussolinis, gegen wenig Widerstand ihres eigenen Volkes, das die Aggression unterstützte, Krieg zu führen, war das Ergebnis einer jahrelangen, sorgfältig orchestrierten Propagandakampagne. Brecht verstand nur zu gut, wie „Kultur“ sowohl populär als auch unpopulär mobilisiert werden konnte, um die Massen zu hypnotisieren, was genau in Deutschland geschah. Jede Form von Kultur, die gegen die Philosophie der Nazis protestieren konnte, war längst geschlossen und andersdenkende Künstler brutal zum Schweigen gebracht worden. Deutsche Künstler waren nach Amerika geflohen oder hatten sich in ein „inneres Exil“ der nichtkonfrontativen Kunst zurückgezogen. Tatsächlich lernte Greenberg selbst später viel über Kunst von einem Émigré-Künstler, Hans Hofmann.
Greenberg wurde von der totalitären Eroberung der „Kultur“ in Europa abgestoßen. Aber der Kritiker ist ein Amerikaner, der in New York lebt. Wenn die Beispiele für den Niedergang der Avantgarde in Europa extrem waren, war der staatliche Einsatz amerikanischer Künstler zu seinem eigenen Zweck auch für einen Intellektuellen beunruhigend. Obwohl viele Künstler ihre Karrieren in den dreißiger Jahren der staatlichen Schirmherrschaft unterstellten, war die Durchführung dieser Art von Arbeit mit Kosten verbunden. Die Rolle der Kunst im Rahmen des New Deal bestand darin, sehr spezifische Botschaften an eine Öffentlichkeit zu vermitteln, die weitgehend Analphabeten in Bezug auf Kunst war und deren Freiheit oft durch die Parameter des Projekts eingeschränkt war. Das heißt, in Amerika gab es künstlerische Freiheit, und Greenberg setzte die Freiheit, Kunst zu machen, mit der Freiheit gleich, avantgardistische abstrakte Kunst zu machen. Aber es gab auch eine kleine Arena für Avantgarde-Künstler in Amerika und den Künstlern fehlte das offene Spielfeld der Kunstgalerien, das es in Frankreich gab.
Greenberg schrieb am Ende der Avantgarde in Europa und erklärte die Bedeutung der Avantgarde-Tradition. Er definierte die Avantgarde als ein „überlegenes Bewusstsein“, das mit der Entstehung des modernen wissenschaftlichen Denkens zusammenfiel. Als Kraft der Kulturkritik trennte sich die avantgardistische Kunst von der Bourgeoisie. Diese Trennung beinhaltete die Trennung der Künstler von Gegenstand und Inhalt sowie die Einhaltung von art-for-art’s sake. Greenberg bezog sich auf die Avantgarde-Künstler,
“ Picasso, Braque, Mondrian, Miro, Kandinsky, Brancusi, sogar Klee, Matisse und Cézanne beziehen ihre Hauptinspiration aus dem Medium, in dem sie arbeiten „, und er fügt hinzu, in einem Satz, der in späteren Essays weiterentwickelt werden würde, „… unter Ausschluss dessen, was nicht unbedingt mit diesen Faktoren verbunden ist.“
Aber als Marxist sah Greenberg Probleme innerhalb der Avantgarde darin, dass diese „… Kultur in sich selbst etwas von dem Alexandrianismus enthält, den sie überwinden will.“ Greenberg fürchtete um den Avantgarde-Künstler, denn dieser Künstler war abhängig vom Kapitalismus und wohlhabenden Gönnern. Der Künstler war notwendigerweise mit dem bürgerlichen Reichtum verbunden, was Greenberg „eine Nabelschnur aus Gold“ nannte.“ Er wies auf das Paradoxon hin, dass die künstlerische Freiheit von einer elitären Klientel abhängig ist, die eher schrumpft als wächst. Greenberg schrieb,
„… die Avantgarde selbst, die bereits die Gefahr spürt, wird mit jedem Tag, der vergeht, immer schüchterner. Akademismus und Kommerz treten an den seltsamsten Orten auf. Das kann nur eines bedeuten: Die Avantgarde wird unsicher gegenüber dem Publikum, von dem sie abhängt – den Reichen und den Kultivierten.“
Greenberg schaute woanders hin und schrieb, dass die Avantgarde von der Nachhut bedroht sei, was für Greenberg das gefürchtete Phänomen war – Kitsch, was er definierte als,
„… populär, kommerzielle Kunst und Literatur mit ihren Chromeotypen, Titelseiten, Illustrationen, Anzeigen, Slick und Pulp Fiction, Comics, Tin Pan Alley Musik, Stepptanz, Hollywood-Filme, etc., usw…“
Später, Greenberg würde seine Definition von Kitsch ablehnen, und, tatsächlich, Seine spätere Diskussion über Kitsch zeigt, dass er sich weniger um die Populärkultur kümmert als um das, was besser als „akademische Kunst“ bezeichnet werden könnte.“ Es wäre richtig anzunehmen, dass Greenberg an einer Nation verzweifelte, die glaubte, jede Woche mit dem Norman Rockwell-Cover der Saturday Evening Post “ Kunst“ zu erhalten, aber es ist auch wichtig, sich daran zu erinnern, dass das, was in den 1930er Jahren als Kunst galt, „akademisch“war.“
Wie das folgende Zitat von Greenberg vermuten lässt, wäre ein Beispiel für „Kitsch“ Alexandre Cabanals Geburt der Venus im Gegensatz zu avantgardistischen Arbeiten von Édouard Manets Le Dejeaux sur l’herbe. Laut dem Kritiker,
Die Voraussetzung für den Kitsch, eine Bedingung, ohne die der Kitsch unmöglich wäre, ist die unmittelbare Verfügbarkeit einer ausgereiften kulturellen Tradition, deren Entdeckungen, Erwerbungen und vervollkommnetes Selbstbewusstsein der Kitsch für seine eigenen Zwecke nutzen kann. Es leiht sich Geräte, Tricks, Strategien, Faustregeln und Themen aus, konvertiert sie in ein System und verwirft den Rest. Es schöpft sozusagen sein Lebenselixier aus diesem Reservoir angesammelter Erfahrungen.
Mit anderen Worten, der Kitsch, der die erniedrigten und akademisierten Simulakren der echten Kultur als Rohmaterial verwendet, begrüßt und kultiviert diese Unempfindlichkeit. Es ist die Quelle seiner Gewinne. Kitsch ist mechanisch und arbeitet nach Formeln. Kitsch ist stellvertretende Erfahrung und gefälschte Empfindungen. Kitsch ändert sich je nach Stil, bleibt aber immer gleich. Kitsch ist der Inbegriff all dessen, was im Leben unserer Zeit falsch ist. Kitsch gibt vor, nichts von seinen Kunden zu verlangen, außer ihr Geld — nicht einmal ihre Zeit. Und apropos Geld, Greenberg stellte fest, dass die Avantgarde nicht immer „widerstanden“ die „Versuchung“, ihre Kunst in Kitsch zu verwandeln.
Kitsch ist eine populäre oder kommerzielle Form der hohen Kunst, ein Produkt der industriellen Revolution, hergestellt für ein Publikum der Mittelklasse, das genug Alphabetisierung hatte, um „Kunst“ zu wollen, aber nicht genug Kultur, um den echten Artikel zu verstehen. Das urbanisierte Proletariat erhielt eine Ersatzkultur – gefälschte Kunst, Kitsch, die eine erniedrigte und akademisierte Simulakra echter Kultur verwendete. Kitsch operierte laut Greenberg als stellvertretende Erfahrung, als gefälschte Empfindungen, die eine ausgereifte kulturelle Tradition für ihre eigenen Zwecke ausnutzten. Kitsch plündert echte Kunst, leiht sich aus, was sie braucht, wandelt Erfindungen in Formeln um, verwässert Experimente und entpuppt sich mechanisch als vertraute kunstähnliche Bilder.
Oft übersehen wird in den zahlreichen Analysen dieses Essays Grebergs langwierige und einfühlsame Auseinandersetzung mit dem Verhältnis zwischen Kitsch und den Regimen in Deutschland, Italien und Russland. Diese totalitären Regime lehnen die Avantgarde aus zwei Gründen ab. Erstens muss die diktatorische Regierung den Menschen nahe kommen, um sie zu regieren, und keine Regierung, die Propaganda zerstreuen möchte, würde dazu avantgardistische Kunst einsetzen. Die Öffentlichkeit würde die Sprache einfach nicht verstehen. In der Tat geschah genau das mit der sowjetischen Avantgarde, die als unartikuliert galt. Zweitens betrachtete Greenberg die Avantgarde als von Natur aus kritisch und für staatliche Manipulationen ungeeignet. „Aus diesem Grund ist die Avantgarde verboten, und nicht so sehr, weil eine überlegene Kultur von Natur aus eine kritischere Kultur ist“, erklärte er.
Greenberg war sicherlich prophetisch in der Erkenntnis, dass Kitsch eine internationale Sprache werden würde, die indigene Volkskulturen übernehmen würde; aber er lag falsch in der Annahme, dass Avantgarde-Künstler tatsächlich Kitsch machen würden. Es ist eine der Ironien der Kunstgeschichte, dass die kitschproduzierenden Regierungsaufträge es finanziell marginalen Künstlern ermöglichten, professionelle Künstler zu werden, die später zum Zentrum der Avantgarde wurden. Was Greenberg nicht vorhersehen konnte, war, dass nach dem Zweiten Weltkrieg eine Konsumgesellschaft auf Hochtouren gehen und eine Generation von Künstlern hervorbringen würde, die mit Kitsch oder Populärkultur aufgewachsen sind.
Greenberg mag seine ziemlich simple Definition von „Kitsch“ zurückgewiesen haben, aber seine Haltung, dass die Öffentlichkeit den Unterschied zwischen Tin Pan Alley und T. S. Eliot blieb. Überzeugt von der ernsten Mission, dass avantgardistische Kunst sich von der Gesellschaft abheben musste, um sie zu kritisieren, konnte der Kritiker Pop Art nicht als „Kunst“ betrachten.“ Diese Generation, genannt Popkünstler (Populärkultur), nutzte Kitsch als Rohstoff für ihre Kunst und wandelte Bilder aus Kitschquellen in künstlerische Ikonen um. Gefangen in einem selbst auferlegten Vokabular von Form und Formalismus, Er hatte einfach nicht die Konzepte, die es ihm erlaubt hätten, – wie zynisch auch immer — darüber zu staunen, wie Kitsch zur „hohen Kunst“ erhoben wurde.“ Aber Greenberg Essay bleibt lebensfähig und scharfsinnig in seiner Analyse der Kluft zwischen der Elite und der Öffentlichkeit. Die folgenden Worte hätten heute geschrieben werden können:
Meistens ist dieser Groll gegen die Kultur dort zu finden, wo die Unzufriedenheit mit der Gesellschaft eine reaktionäre Unzufriedenheit ist, die sich im Revivalismus und Puritanismus und zuletzt im Faschismus ausdrückt. Hier werden Revolver und Fackeln in einem Atemzug mit Kultur erwähnt. Im Namen der Gottseligkeit oder der Gesundheit des Blutes, im Namen einfacher Wege und solider Tugenden beginnt das Zerschlagen von Statuen.
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Dr. Jeanne S. M. Willette und Kunstgeschichte Unstuffed. Danke.