THE HISTORICAL CONTEXT
OF
The Avant-Garde and Kitsch, 1939
by Clement Greenberg
What is life? Se alguém parafraseia o pintor, Ad Reinhardt, “a vida é tudo o que não é arte ou arte é tudo o que não é vida…” o que significa que muito foi excluído de art…an exclusão, o que agradaria ao crítico de Nova Iorque, Clement Greenberg. Em 1939, contra o pano de fundo do fascismo Europeu, o crítico de arte americano escreveu o Avant-Garde e Kitsch. O estilo de arte dominante e popular, o regionalismo americano, estava diminuindo quando Greenberg partiu para fazer a distinção entre uma verdadeira cultura genuína e arte popular. Desde o início do ensaio, Greenberg estava muito claro que ele iria lidar com uma questão de “estética”, ou como a arte é definida, e que ele iria fazer isso examinando as experiências de um “específico” individual e o “social e contextos históricos em que a experiência ocorre.”
Greenberg estava escrevendo em um momento muito único de fato. Era raro a arte contemporânea estar sob o tipo de ataques que estavam em curso há anos na Europa. Na União Soviética, a vanguarda foi completamente suprimida. Em alemão, a arte avant-garde foi definida como “degenerada”.”The Avant-Garde and Kitsch was published in the new intellectual journal, Partisan Review, a good place for an up-and-coming literary critic to further his career. Durante anos Greenberg, um major inglês na faculdade, escreveu principalmente como crítico literário, e seu primeiro artigo publicado foi sobre Berthold Brecht, um produtor de Teatro de Berlim. Brecht, um comunista dedicado, pensou no entretenimento popular como um meio de elevar a consciência do público. Usando a estratégia “distanciamento”, Brecht quebrou a” quarta parede”, dirigindo-se ao público diretamente do palco e, assim, quebrar a ilusão de “realidade”.”
como seu interesse no uso de Brecht do teatro popular sugere, Greenberg não era necessariamente oposto à cultura popular per se e é importante entender o contexto em que este ensaio foi desenvolvido. O mundo inteiro estava à beira de outra guerra mundial e estava a assistir ao horrível espectáculo de uma máquina de guerra fascista a rolar sobre a Europa. Durante este período fascista na Europa ,a “cultura” tinha sido apropriada pelos poderes totalitários na União Soviética, Alemanha e Itália e transformado em espetáculo para as massas, resultando em entretenimento hipnotizante e manipulação psíquica.A capacidade de Hitler e Mussolini para fazer guerra com pouca oposição de seu próprio povo que apoiava a agressão foi o resultado de uma campanha de propaganda de anos de duração, cuidadosamente orquestrada. Brecht entendia muito bem como a” cultura ” popular e impopular poderia ser mobilizada para hipnotizar as massas, o que foi exatamente o que aconteceu na Alemanha. Qualquer forma de cultura que pudesse protestar contra a filosofia dos nazistas havia sido fechada há muito tempo e artistas dissidentes foram brutalmente silenciados. Artistas alemães fugiram para a América ou se retiraram para um “exílio interior” de arte não-confrontacional. Na verdade, o próprio Greenberg viria a aprender muito sobre arte com um artista imigrante, Hans Hofmann.Greenberg foi repelido pela tomada totalitária da “cultura” na Europa. Mas o crítico é um americano que vive em Nova Iorque. Se os exemplos do desaparecimento da vanguarda na Europa fossem extremos, o uso Governamental de artistas americanos para o seu próprio fim também era perturbador para um intelectual. Embora muitos artistas possuíssem suas carreiras para o patrocínio do governo durante os anos trinta, houve um custo para a realização deste tipo de trabalho. O papel da arte no New Deal era comunicar mensagens muito específicas a um público, que era em grande parte analfabeto sobre a arte e a liberdade do artista era muitas vezes limitada pelos parâmetros do projeto. Dito isto, na América, havia liberdade artística, e Greenberg igualou a liberdade de fazer arte com a liberdade de fazer arte abstrata de vanguarda. Mas havia também uma pequena arena para artistas de vanguarda na América e os artistas não tinham o campo aberto das Galerias de arte que existiam na França.Escrevendo no final da vanguarda na Europa, Greenberg explicou o significado da tradição de vanguarda. Ele definiu a vanguarda como uma” consciência superior ” que coincidiu com o surgimento do pensamento científico moderno. Como força para a crítica cultural, a arte avant-garde separou-se da burguesia. Esta separação incluiu a separação dos artistas da matéria e do conteúdo e a adesão à arte pela arte. Greenberg fez referência para os artistas de vanguarda,
“Picasso, Braque, Mondrian, Miró, Kandinsky, Brancusi, mesmo Klee, Matisse e Cézanne derivam sua principal inspiração do meio que trabalho”, e acrescenta, numa frase que poderia ser ainda mais desenvolvido, mais tarde, ensaios, “…para a exclusão de tudo o que não é necessariamente implicado nestes fatores.”
mas, como marxista, Greenberg viu problemas dentro da vanguarda, na medida em que esta “…cultura contém dentro de si alguns do próprio Alexandrianismo que procura superar. Greenberg temia pelo artista vanguardista, pois este artista dependia do capitalismo e dos ricos patronos. O artista estava necessariamente ligado à riqueza burguesa pelo que Greenberg chamou de “um cordão umbilical de ouro”. Ele apontou para o paradoxo da liberdade artística ser dependente de uma clientela de elite, que está encolhendo ao invés de crescer. Greenberg escreveu:,
“… a vanguarda em si, já sentindo o perigo, está se tornando cada vez mais tímida a cada dia que passa. O academicismo e o mercantilismo estão a aparecer nos lugares mais estranhos. Isto só pode significar uma coisa: que a vanguarda está a ficar insegura em relação ao público de que depende-os ricos e os cultivados.”
Greenberg olhou em outro lugar e escreveu que o avant-garde foi ameaçada pela retaguarda, o que, para Greenberg, foi o temido fenômeno kitsch, que ele definiu como,
“…popular, arte comercial e literatura com suas chromeotypes, capas de revistas, ilustrações, anúncios, liso e pulp fiction, quadrinhos, Tin Pan Alley música, sapateado, filmes de Hollywood, etc., etc….”
mais tarde, Greenberg repudiaria sua definição de kitsch, e, na verdade, sua discussão posterior sobre kitsch indica que ele está menos preocupado com a cultura popular do que com o que seria melhor chamado de “arte acadêmica”.”Seria correto assumir que Greenberg desesperou de uma nação que pensava estar recebendo “arte” Todas as semanas com a capa Norman Rockwell do Saturday Evening Post, mas também é importante lembrar que o que foi considerado arte na década de 1930 foi “Acadêmico”.”
como a seguinte citação de Greenberg sugere, um exemplo de “kitsch” seria o nascimento de Vênus de Alexandre Cabanal, em oposição ao trabalho avant-garde do Le Dejeunner sur l’herbe de Édouard Manet. De acordo com o crítico,
a condição prévia para kitsch, uma condição sem a qual kitsch seria impossível, é a disponibilidade próxima à mão de uma tradição cultural totalmente amadurecida, cujas descobertas, aquisições e kitsch de auto-consciência aperfeiçoada pode tirar proveito para seus próprios fins. Ele toma emprestado de si dispositivos, truques, estratagemas, regras de polegar, temas, converte-os em um sistema, e rejeita o resto. Retira a sua força vital, por assim dizer, deste reservatório de experiência acumulada.Por outras palavras, kitsch, utilizando para matérias-primas os simulacros degradados e academicizados da cultura genuína, acolhe e cultiva esta insensibilidade. É a fonte dos seus lucros. Kitsch é mecânico e opera por fórmulas. Kitsch é experiência vicária e sensações falsas. Kitsch muda de acordo com o estilo, mas permanece sempre o mesmo. Kitsch é o epítome de tudo o que é espúrio na vida de nossos tempos. Kitsch finge não exigir nada de seus clientes, exceto seu dinheiro — nem mesmo seu tempo. E falando de dinheiro, Greenberg observou que a vanguarda nem sempre “resistiu” à “tentação” de transformar sua arte em kitsch.Kitsch é uma forma popular ou comercial de alta arte, um produto da revolução industrial, fabricado para um público de classe média que tinha alfabetização suficiente para querer “arte”, mas não Cultura suficiente para entender o artigo genuíno. Ao proletariado urbanizado foi dada uma cultura ersatz-Arte Falsa, kitsch, que usou um simulacro rebaixado e academicizado da cultura genuína. Kitsch operou, de acordo com Greenberg, como experiência vicária, como sensações falsas, aproveitando uma tradição cultural totalmente amadurecida para seus próprios fins. Kitsch saqueia a arte real, empresta o que ela precisa, converte invenções em fórmulas, dilui experimentos e acaba por revelar imagens como arte familiar mecanicamente.
muitas vezes negligenciado nas numerosas análises deste ensaio é a longa e perspicaz discussão de Greenberg sobre a relação entre kitsch e os regimes na Alemanha, Itália e Rússia. Estes regimes totalitários rejeitam a vanguarda por duas razões. Em primeiro lugar, o governo ditatorial deve aproximar-se do povo para poder governá-lo e nenhum governo que pretenda dispersar propaganda usaria arte de vanguarda para o fazer. O público simplesmente não entenderia a língua. De facto, foi precisamente isso que aconteceu à vanguarda Soviética, que foi considerada inarticulada. Segundo, Greenberg considerou a vanguarda ser inerentemente crítica e inadequada para a manipulação governamental. “É por esta razão que a vanguarda é proibida, e não tanto porque uma cultura superior é inerentemente uma cultura mais crítica”, afirmou.Greenberg foi certamente profético ao reconhecer que kitsch se tornaria uma língua internacional, assumindo as culturas folclóricas indígenas; mas ele estava errado ao assumir que artistas de vanguarda iriam sucumbir a realmente fazer kitsch. É uma das ironias da história da arte que as comissões governamentais produtoras de kitsch permitiram que artistas financeiramente marginais se tornassem artistas profissionais que mais tarde se tornariam o centro da vanguarda. O que Greenberg não podia prever era que, após a Segunda Guerra Mundial, uma sociedade de consumo seria chutada em alta velocidade, produzindo uma geração de artistas que cresceram com kitsch ou cultura popular.Greenberg pode ter repudiado sua definição simplista de “kitsch”, mas sua atitude de que o público não poderia dizer a diferença entre Tin Pan Alley e T. S. Eliot permaneceu. Convencido da séria missão que a arte de vanguarda tinha que se afastar da sociedade para criticá-la, o crítico não podia olhar para a arte Pop como “arte”. Esta geração, chamada de artistas Pop (cultura popular) usou kitsch como matéria-prima para sua arte e converteu imagens de fontes de kitsch em ícones artísticos. Preso por um vocabulário auto-imposto de forma e formalismo, ele simplesmente não tinha os conceitos que lhe teriam permitido maravilhar—se—embora cinicamente-de como kitsch se tornou elevado a “alta arte”.”Mas o ensaio de Greenberg permanece viável e perspicaz em sua análise do abismo entre a elite e o público em geral. As seguintes palavras poderiam ter sido escritas hoje:
na maioria das vezes este ressentimento para com a cultura é encontrado onde a insatisfação com a sociedade é uma insatisfação reacionária que se expressa no revivalismo e puritanismo, e mais recentemente, no fascismo. Aqui revólveres e tochas começam a ser mencionados no mesmo sopro da cultura. Em nome da Piedade ou da saúde do sangue, em nome de formas simples e virtudes sólidas, começa o esmagamento da estátua.Se achou este material útil, por favor dê crédito à Dra. Jeanne S. M. Willette e à história da arte não algemada. Obrigado.