In den letzten zwei Jahren bestand die Strategie von Coachella darin, scheinbar auf das ältere Geld in einer unterdrückten Wirtschaft zu setzen – zu den Headlinern gehörten Paul McCartney, The Cure, Roger Waters, Dark Side of the Moon, Prince. Jack Johnson. Natürlich würde kein Festival bei legendären Acts wie diesen die Nase rümpfen (nur wenige bei Johnson), aber vielleicht hatte sich Coachella infolgedessen zunehmend wie ein Festival angefühlt, das hinter Bonnaroo und Lollapalooza zurückblieb, die mit ihren Aufstellungen mehr Chancen eingingen.
Nun, dieses Jahr haben sie einige der größten Namen der aktuellen Poplandschaft gebucht – Jay-Z, Muse, Gorillaz – und das Ergebnis war ein entschieden lebendigeres und energischeres Wochenende, als Indio es seit Jahren erlebt hatte. Natürlich war es nicht ohne seine Nachteile: Ausverkaufte Massen bedeuteten, dass es ein Versuch war, einen anständigen Aussichtspunkt in einem der Zelte zu bekommen, völlig unvorbereitete Lebensmittelhändler ließen Kunden durch 45-minütige Wartezeiten leiden, und es gab fast keine existierende 3G-Abdeckung nach 7 p.m. Es gab auch Stornierungen: Mew und Grace Jones, und dann der isländische Vulkanausbruch versenkt Reisepläne für Frightened Rabbit, die Krippen, und Bad Lieutenant. Aber wie immer nimmt man das Gute mit dem Schlechten – sagen Sie zum Beispiel, was Sie über Coheed & Cambria wollen, aber ihre Lichtshow trat in den Arsch und sie hatten eine Blaskapelle auf der Bühne. Hier ist eine Zusammenfassung dessen, was wir an diesem Wochenende gesehen haben.
Freitag, April 16
Wale
Foto von Chris Tuite
Unabhängig davon, was es als Karriere-Milemarker bedeutet, wenn ich Rapper wäre, würde ich alles tun, um Coachella zu spielen – ich kann mir kein verzeihenderes Publikum vorstellen. Hat sich jemand dort darum gekümmert, dass Attention: Deficit ein Rasheed Wallace-Level-Ziegel war? Oder wie lange es her ist, seit „Chillin“ die Leute gefragt hat: „Warum zum Teufel würde Wale Lady Gaga auf einem Track haben wollen?“ Hölle nein! War es wichtig, dass wir alle im 90-Grad-Wetter warteten und der PA-Pfeife in Sufjan Stevens und Belle und Sebastian lauschten, bevor Wale schließlich eine halbe Stunde zu spät die Bühne betrat? Irgendwie! Die Dinge schienen nicht viel besser zu laufen, als DJ Omega die Bühne betrat und Jay-Zs „U Don’t Know“ und „P.S.A.“ stieß, so dass sich die Zuhörer fragen konnten, ob das Set bereits seinen Höhepunkt erreicht hatte. Aber am Ende machte Wale das Beste aus seinen 15 Minuten und lief durch „Lookin ‚at Me“, „Nike Boots“ und aus Gründen, die ihm hauptsächlich bekannt waren, einen Singalong zu Kings of Leons „Use Somebody“. Wie the Knux letztes Jahr mit „Daddy’s Little Girl“ rettete Wale seinen Cali Girl-Track („90210“) für das Ende seines Sets, wobei er sich ziemlich bewusst war, dass sich niemand im Publikum darum kümmerte, angeklagt zu werden, solange sie den Haken singen können.
Schlittenglocken
Foto von Chris Tuite
An dieser Stelle muss ich Ihnen nicht sagen, dass Schlittenglocken sehr bald eine ziemlich große Sache sein werden. Ihr Sound ist ganz ihnen und unglaublich eingängig und besteht fast ausschließlich aus Wow-Faktoren – Bleacher-stampfenden Beats, Derek Millers Gibson SG Metal-Riffs, Schulhofgesängen und einer überzeugenden Live-Präsenz in Sänger Alexis Krauss.
Am Ende des Wochenendes waren gefährlich vollgepackte Menschenmengen in Zelten im Freien an der Tagesordnung, aber in den frühen Stadien des Freitags war es bemerkenswert, dass eine Band wie Sleigh Bells, deren Debüt auf dem Boutique-Label von M.I.A. ist und noch nicht einmal durchgesickert ist, Superstar-Kapazität spielen konnte. Zuvor verfügbare Singles wie „A / B Machines“ wurden vorhersehbar getötet, und Krauss konnte es mit dem E-gespickten Festivalbesucher wegen manischer Intensität aufnehmen (der mit Kapuzenpullovern bekleidete Miller war eine Figur relativer Ruhe), aber nach der 20-Minuten-Marke begann die Energie zu schwinden – so aufregend wie Schlittenglocken sein können, es ist nicht der vielseitigste Sound der Welt. Glücklicherweise wickelten sie es dort ein, beendeten mit „Crown on the Ground“ und traten nur etwas mehr als die Hälfte ihrer zugewiesenen Zeit auf. Sie sind nichts, wenn nicht schlau – sie erkannten, dass es am besten war, sie mehr wollen zu lassen.
Yeasayer
Foto von Natalie Kardos
Diese Jungs ärgern mich wie nur wenige andere – zum großen Teil, weil sie so nah dran sind, etwas Großartiges zu sein, dass es sich noch mehr wie eine Verschwendung anfühlt, wenn sie das Ziel verfehlen. (Nach der Schärfe des Mojave-Zeltes zu urteilen, nahmen sich viele die Startzeit von 4:20 von Yeasayer zu Herzen und wurden vorhersehbar abgehört, als Keating während „The Children“, einem Hauptkandidaten für den schlechtesten Song eines großen Indie-Acts, sein Robo-Furz-Gesangssache machte 2010.) Aber wenn sie an sind, ist es ziemlich spektakulär zu sehen: „O.N.E“ zeichnet sich mit großem Abstand als herausragend von Odd Blood ab und hat die Menge noch mehr in Bewegung gebracht als „Hits“ wie „Ambling Alp“ und „Tightrope“. Eine stärkere Betonung von Rhythmus und Textur trieb ältere Tracks wie „Wait for the Summer“ und „Sunrise“ an, als sie einst angenehm wehten. Ich musste noch davon überzeugt sein, dass Yeasayer so großartig wie ein Live-Act war, wie ich hörte (für die Aufzeichnung, eine Show von 2007, die sie mit MGMT in LA gemacht haben, steht als eine der schlimmsten, für die ich jemals Geld bezahlt habe), aber für ein paar Minuten war es völlig glaubwürdig.
Sie & Er
Foto von Chris Tuite
Die Hollywood-Typen in der Menge machen immer noch Bacon Brothers- und Dogstar-Witze, aber Fakten sind Fakten: Sie & Hims zwei Alben trumpfen den leichten „Schauspieler, der zum Sänger wurde“, lacht. Heute, She & Him – hands-down-Gewinner für „cutest Merch“ – hatte Begeisterung zu ersparen, Zooey Deschanel hüpfte auf und ab; M. Ward genoss die gelegentliche Chance, Dinge reißen zu lassen; deutlich ältere Session-Spieler-Typen, die dankbar aussahen, bei Coachella zu sein, anstatt, sagen wir, Tracks auf einem Pat Green Album zu legen.
Das ist alles schön und gut, aber inmitten der oft unversöhnlichen Akustik der Freiluftbühne klang sie & Him meistens nur wie eine Band, die noch nicht so lange zusammen gespielt hat. Gitarren gingen ein und aus, die Snare Drum klang wie jemand, der einen 2×4 in einen Schlackenblock schlug und ein herzlicher C & W Indie-Song blutete in einen anderen. Am bemerkenswertesten war, wie She & Him begrüßt und höflich behandelt wurden, aber nichts schien eine große Reaktion aus der Menge zu bekommen, bis sie anfingen, Cover zu spielen („Roll Over Beethoven“, „I Put a Spell on You“). Überraschender war ihr völliger Mangel an Bühnenpräsenz, obwohl man das Gefühl hat, dass es ein absichtliches Ergebnis einer Band ist, die sich von Anfang an ihrer Legitimität bewusst sein musste. M. Ward kann sein eigenes Ticket allein auf Gitarrenfähigkeiten schreiben und ihr Leadsänger ist ein Filmstar, aber all die Ehrerbietung schien nur eine Verschwendung zu sein, wenn man bedenkt, wie viele Bands an diesem Wochenende mehr mit weniger gemacht haben.
Passion Pit
Foto von Chris Tuite
Passion Pit hatte keine Bedenken, so extrovertiert wie möglich zu sein, aber auch das war nicht ohne seine Unbeholfenheit. Sänger Michael Angelakos hat während des Sets seiner Band viel geredet, und er hätte nicht dankbarer klingen können, weniger als ein Jahr nach der Veröffentlichung von Manners vor Tausenden von Festivalbesuchern bei Sundown zu spielen. Aber das führte letztendlich zu einer unglücklichen Bedürftigkeit, um ein solches Vermögen zu rechtfertigen – zwischen jedem Song und manchmal während ihnen nahm Angelakos die Temperatur, fragte, ob sie mit uns wildin ‚und gettin’rowdy mit uns und bat um die Teilnahme der Menge. Es gab viel Profanität. Ich kann es dem Kerl nicht verdenken, da er nicht mehr hinter einer Bank von Keyboards gefangen ist, aber ich glaube nicht, dass eine solche Menge Anweisungen braucht, dass sie den „höheren und höheren“ Teil von „Little Secrets“ tragen oder mitmachen sollen „Oh nein!“ während des „Taumelns“. Sicherlich gewöhnt sich Passion Pit immer noch daran, so groß zu sein, aber nach der Rezeption der Reise zu urteilen – die an „Moth’s Wings“ und „Sleepyhead“ erinnert – planen sie eine Zukunft, in der dies die Norm ist.
__ Grizzlybär
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Foto von Natalie Kardos
Der Status von Veckatimest als moderner Online-Klassiker war fast eine ausgemachte Sache. Gut, Coachella erinnert uns manchmal daran, wie diese Dinge in der realen Welt funktionieren: Während „Knife“ Anerkennung auslöste, Alles von Veckatimest, ob es ein ehrlicher Publikumsmagnet wie „Two Weeks“ oder „I Live With You“ war, wurde von merklich lauterem Applaus empfangen als Material, das ihm vorausging.
Aber ist das Stehen im Freien in der Wüstenhitze der beste Weg, Grizzly Bear als Live-Act zu erleben? Wahrscheinlich nicht: Ihre Musik strebt eher danach, Kathedralen als Zelte zu füllen, und inmitten der weitläufigen Menge könnte Grizz unnötig verzerrt und klobig klingen. Die Musik von Grizzly Bear mag eher vertikal als horizontal reichen, aber es ist immer noch ermutigend zu glauben, dass sich Hunderte von Menschen versammeln werden, um zu sehen, wie eine Band Chamber-Folk-Pop auf Autoharps spielt.
__ Vampire Weekend
Foto von Chris Tuite__
So sollte es funktionieren: Band veröffentlicht spaltendes, aber äußerst beliebtes Debüt; veröffentlicht ein seltsameres, wilderes, besseres und möglicherweise spaltenderes Album; wird noch beliebter. Aber während ihre beiden Alben zu diesem Zeitpunkt so ziemlich in das Gewissen des Musikpublikums eingebettet sind, sind Open Space und Reverb nicht immer freundlich zu Vampire Weekend. Sänger Ezra Koenig versuchte auf „One (Blake’s Got a New Face)“ ein Hin und Her zu meist verwirrter Stille zu führen („A-Punk“ und „Horchata“ erging es viel besser), während die Drums und Keyboard-Plinks nur irgendwie im Wind segelten. Man konnte Chris Baio tanzen sehen, als wäre er drei Drinks in seiner lokalen Ska-Nacht, aber man konnte seinen Bass nicht wirklich hören. Aber aerodynamisch komponierte Songs wie „Run“ und „Walcott“, ansonsten geringere Nummern auf ihren jeweiligen Alben, zeigten, dass Rock nicht vollständig von Vampire Weekend zu trennen ist – es ist einfach nicht das, was sie großartig macht.
__ LCD Soundsystem
Foto von Natalie Kardos__
Ich weiß nicht, wie viel von der Menge die Gelegenheit genutzt hat, This Is Happening in der Woche vor Coachella kostenlos zu streamen, aber es scheint mir, wie seine Vorgänger, ein laufender Kommentar darüber zu sein, was es bedeutet, LCD Soundsystem zu sein – und als angeblich letztes LCD-Album ist es auch dasjenige, das am weitesten geht, um seine Anhänger und Kritiker zu ködern („You Wanted a Hit“, “ Pow Pow“). James Murphy kann dies gesehen haben 9 p.m. set als sein König-Making, „prove me wrong“ Event – er rousted in einem ganz weißen Blazer-Set, aber sein „nie so müde wie ich aufwache“ Gesicht ließ es immer noch schmuddelig aussehen. Er tuckerte aus einer Flasche Veuve Clicquot. Dankbar stellte er seine Band unter höflichem Applaus des Publikums vor. Er sorgte dafür, dass die Menge Gil-Scott Heron (der früher an diesem Tag auftrat) während „Losing My Edge“ anerkennt. Zwei This Is Happening-Songs hintereinander zu spielen, nannte er einen „Fauxpas“ im Rahmen eines Festivals. Kurz gesagt, sie hatten das Aussehen und die Einstellung einer Band, die wusste, dass sie 99% der Acts, die an diesem Wochenende auftreten würden, zur Schule gehen würde.
Hölle, wenn du 20 Minuten eines Sets für Musik absperren kannst, die so unwahrscheinlich gut ist wie „Losing My Edge“, „All My Friends“ und „I Can Change“, bist du berechtigt, dich zuversichtlich zu fühlen. Leider waren wir in einem Wettlauf gegen die Zeit, und wenn Sie kein Headliner sind, ist ein Festival nicht nett zu Bands, deren Tracks durchschnittlich etwa sieben Minuten dauern. „Wir haben noch drei weitere Songs auf unserer Setlist, aber wir haben nur Zeit für einen“, sagte ein resignierter Murphy, als die Band mit „Yeah“ abschloss (es gab kein „Daft Punk Is Playing At My House“, „North American Scum“ oder „Tribulations“). Auf der Ebene, auf der LCD Soundsystem arbeiten, wirkt sogar ihr Selbstbewusstsein irgendwie publikumswirksam.
Jay-Z
Foto von Natalie Kardos
In dem Moment, in dem das Coachella-Lineup veröffentlicht wird, verstärken die Ticketinhaber sofort die Spekulationen darüber, ob es späte Ergänzungen oder Überraschungsgäste gibt – traurig, wie es ist, sich daran zu erinnern, das große Gerücht von 2009 war Michael Jackson. Als erster Rapper, der jemals einen Headliner-Spot ergatterte, schien Jay in der bestmöglichen Position zu sein, um das Unerwartete zu tun – die Möglichkeiten der Zusammenarbeit sind endlos. Ich habe gehört, LCD Soundsystem könnte ihn unterstützen. Hey, er mag Grizzlybären… sie sind auch im Haus! Rihanna? Nas? Kanye? Beyoncé?
Beyoncé und die kalifornische First Lady Maria Shriver sehen sich Jay-Zs Set an; Foto von Chris Tuite
Nachdem Jay-Z also mitten auf der Bühne stand, um „Run This Town“ zu starten, stellte seine Band Minuten später das Sample von The Doors „Five to One“ vor, das als Grundlage für „Takeover“ dient. An diesem Punkt kündigt Jay seinen besonderen Gast an… Memphis Bleek! Er muss wirklich irgendwo in Jays Testament sein, da sie später Memphis’Version von „Is That Yo Bitch?“ Und während „Empire State of Mind“ vorhersehbar getötet wurde, gab es einen beträchtlichen Entleerungseffekt, als eine Frau herauskam, um den Haken zu singen und eindeutig nicht Alicia Keys war. (Beyoncé kam schließlich heraus, um Jay auf „Forever Young“ zu begleiten, wahrscheinlich der schlechteste Song, den er jemals auf Band aufgenommen hat.)
Nichtsdestotrotz konnte kein lebender Rapper Jay’s Showmanship oder, was noch wichtiger ist, Katalogtiefe entgegensetzen. Für den beträchtlichen Teil der Menge, der nur die Hits kannte, „99 Probleme“, „Big Pimpin“, „Kann ich A bekommen… „und „Hard Knock Life“ waren anwesend. Wenn Sie nach tieferen Schnitten Ausschau hielten, hatte Jay „Where I’m From“ und „Beware of the Boys“. Wenn Sie Live-Band-Überraschungen wollten, gab es „Jigga What, Jigga Who“ und „Ain’t No Love“ über „Sunday Bloody Sunday“. Und wenn Sie nicht dachten, dass Blueprint 3 eine totale Pantsload war, genießen Sie bitte die Aufführungen von „On to the Next One“ und „Already Home“ in voller Länge. Punkt ist, dass Jays größter Beitrag zum Hip-Hop Rapper nicht dazu inspiriert hat, ihre Texte nicht aufzuschreiben oder ihre Hemden „Button-Ups“ zu nennen, Sondern einen Kurs einzuschlagen, auf dem Künstler altern und irgendwie noch vitaler erscheinen können, noch mehr in unser kulturelles Gefüge geschrieben.
Samstag, April 17
Mädchen
Foto von Chris Tuite
Mädchen waren ein ganz anderer Akt, als ich sie für Los Campesinos eröffnen sah! während der Post-Leak / Pre-Release-Periode des Albums: ihr Schlagzeuger sah aus wie ein Typ aus John Mellencamps Band, der Gitarrist, den jemand vom Parkplatz gezogen hatte. Jetzt konkretisiert zu einem festeren Quintett, Die Band schien ein neues Selbstvertrauen zu haben, auf ihrer bisher größten Bühne blind zu fliegen. Es war ziemlich mutig von ihnen, so viel neues / obskures Material in ihr Set zu packen, obwohl ihr Cover von the Everly Brothers „All I Have to Do Is Dream“ eine gute Menge an Kontext zu den Einflüssen gab, aus denen sie schöpfen. Natürlich wartete der größte Teil der Menge auf „Lust For Life“ und „Hellhole Ratrace“, die mit dem lautesten Feedback des Wochenendes endeten, bevor sie sich in „Morning Light“ und „Big Bad Mean Motherfucker“ verwandelten. Es war ein befriedigendes und kraftvolles Finale für eines der heißesten Sets des Wochenendes, und eines, das mühelos die Ohnmacht von jedem von den Everly Brothers bis zu Swervedriver beinhalten konnte.
__ Beach House
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Foto von Chris Tuite
Coachella sah keinen Mangel an Bands in der unpassenden Position, intimen, kammermusikalischen Pop für viel größere Menschenmengen zu haben, als sie beabsichtigt waren. Überraschenderweise war es Beach House, mit ihrem Ersatz-Set-up und der Abhängigkeit von Laptops und Playbacks, das klang in einer so aufgeblasenen Umgebung am angenehmsten. Gewährt, Teen Dream maximiert viele Dinge über die Band, aber am wichtigsten, dies ist nicht mehr Victoria Legrand und Alex Scally perfekt sitzen, Durchführung Fieber-Traum Soundscapes, die langsam in die Luft zerstreuen. Legrands Stimme bleibt heiser, aber ätherisch und scheint in der Lage zu sein, jeden Raum zu füllen, in den sie eintritt. Sie ist auch als transfixierende Figur zur Geltung gekommen, die Ihre Aufmerksamkeit besitzen kann. Aber so beatific wie Beach House manchmal scheinen kann, sind sie nicht über sich selbst lachen – eine Minute lang „work in progress“ wurde in die Mitte ihres Satzes stecken, weit mehr Doom-beladen und melodisch begrenzt als alles, was sie bisher getan haben. Es stellte sich heraus, dass sie ein Cover von Gucci Manes „Lemonade“ ausprobierten.
__ Dirty Projectors
*Foto von Natalie Kardos
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Es muss wirklich verdammt schwierig sein, in dieser Band zu sein. Für diejenigen, die mit Dave Longstreths 12-stündigen Übungssitzungen nicht vertraut sind, bildeten die ersten 10 Minuten ihres Sets wirklich einen Mikrokosmos für die Dirty Projectors-Erfahrung – eine rhythmisch aus dem Lot geratene Einführung, gefolgt von ständigen Gestikulierungen aller Mitglieder, die auf die kratzenden Unvollkommenheiten hinweisen, die der Soundman irgendwie durchschlüpfen ließ (dieser arme Kerl). Kurz darauf, und sobald jedes der sechs immens talentierten Mitglieder ihre Scheiße in Ordnung gebracht hatte, war alles vergeben.
„No Intention“ und „Knotty Pine“ folgten. Sie waren großartig. Dann verdammt… Amber Coffman lässt „Stillness Is the Move“ im Vergleich dazu zurückhaltend klingen, da Longstreth Coffmans Akustik auf den Kopf stellt. Während die Samstags-Headliner Muse und Coheed & Cambria technische Fähigkeiten einsetzten, um den Prog-Rock der Vergangenheit zu ehren, waren Dirty Projectors unruhig und unzufrieden – so klingt der tatsächliche Fortschritt im Rock heute.
__ Hot Chip
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Foto von Chris Tuite
One Life Stand wurde als Hot Chips „Adult“ -Beziehungsrekord herausgestellt, aber zum Glück erkannte die Band, dass die Outdoor-Bühne nicht der richtige Ort war, um „Slush“ oder „Alley Cats“ auszuprobieren. Hölle, sogar „Boy From School“ wurde zugunsten eines Sets voller Knaller übergangen. Hot Chip hat immer noch eine liebenswert unbeholfene Bühnenpräsenz – Alexis Taylor hat den Urkel-Einsatz in seiner Kleiderordnung wirklich erhöht und Joe Goddard nickte unbeabsichtigt der Tradition südlicher Bruderschaften mit einem Blazer- und Shorts-Look zu. Aber mit minimalem Geplänkel musste Hot Chip nicht demonstrativ sein, um die Menge in Bewegung zu bringen, selbst wenn „Hold On“, „Over and Over“ und „Ready for the Floor“ spürbar überarbeitet wurden. Und, ja, das war eine echte Stahltrommel auf „I Feel Better“. Bei allem Respekt, Passion Pit konnte viel von diesen Jungs lernen.
__ The xx
rmal;“>Foto von Natalie Kardos__
Einige Bands scheinen einfach alles über bestimmte Festivals zu verkörpern – My Morning Jacket für Bonnaroo, Jane’s Addiction für Lollapalooza, Limp Bizkit für Woodstock 99. Und dann gibt es die xx…my lieblingsband, die ich an diesem Wochenende gesehen habe. Sie sind wahrscheinlich die am wenigsten Coachella-Band, die es gibt: Stellen Sie sich ihr spartanisches und ruhiges Debüt vor, intensiv private Gespräche zwischen den Sängern Romy Madley-Croft und Oliver Sim, perfekt still und genau so aufgeführt, wie es auf Platte klingt, für ein meist betrunkenes und sonnengebräuntes Publikum von Zehntausenden geteilt werden. Sie bekamen nicht einmal den Umhang eines nächtlichen Sets.
Und doch, aus all den Gründen, die eine eher extrovertierte und traditionell populäre Band wie Vampire Weekend auf der Freilichtbühne fehl am Platz klingen lassen, profitieren die xx tatsächlich: Der negative Raum, den man auf der Platte hört, kann nicht mit der kalifornischen Wüste konkurrieren, so dass „Crystalised“ und „Shelter“ tatsächlich klingen, als könnten sie sich unendlich ausdehnen. Nein, sie bewegen sich nicht oder sagen viel und vielleicht hat „Intro“ extra hart geklopft, weil die Menge es von einem Autowerbespot erkannt hat, aber es stellt sich heraus, dass die xx am besten in Kopfhörern oder auf größtmöglichem Raum enthalten sind.
Sonntag, April 18
Owen Pallett
Foto von Chris Tuite
Unter dem Namen Final Fantasy hatte sich Owen Pallett einen Ruf als überzeugender und einzigartiger Live-Solo-Act erarbeitet, dessen Platten etwas zu trocken waren, um sie wirklich zu lieben. Drei Dinge waren diesmal merklich anders: Er tritt jetzt unter seinem Geburtsnamen auf, es wird ein zusätzlicher Musiker auf die Bühne gebracht, der Schlagzeug und Gitarre spielt (wenn auch nur geringfügig), und Heartland ist sein erster Slam-Dunk einer LP. Pallett begann mit der frühen Single „Montreal Will Eat Its Young“, aber von da an nahm er Hinweise von Heartland, einer Platte, die – wie dieses Set – zunächst primitiv erscheint, aber tatsächlich fantastisch, liebenswert und ziemlich lustig ist. Zwischen Amadeus-Stil lacht, Pallett fragt: „haben Sie jemals cornholing versuchen?“ an Partner Thomas Gill und beschreibt die Freiluftbühne als das „schwule Ghetto“ für sich selbst, Bradford Cox und Jonsi.
Was sich nicht geändert hat, ist die erstaunliche Bandbreite an Klängen, die Pallett aus seiner Violine und seinen Looping-Pedalen erzeugen kann – die „Drums“ aus „Lewis Takes Off His Shirt“, die „Flight of the Bumblebee“ -Speed-Riffs von „Midnight Night“, der verzerrte Strudel von „Mount Alpentine“. Es gibt auch ein zusätzliches Element der Gefahr, das man mit traditionelleren Setups nicht bekommt: Wenn er mitten im Song merkt, dass er die Schleife nicht ganz geschafft hat, gibt es kein Zurück. Hölle, leichte Fehler vermenschlichen die ansonsten erstaunliche Handwerkskunst, die in „Midnight Night“ oder „Keep the Dog Quiet“ geht – das hilft, die Dinge live zu lockern. Es kommt alles wunderbar zusammen – das war vielleicht meine Lieblingsaufführung des Wochenendes.
__ Deerhunter
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Foto von Chris Tuite
Bradford Cox scheint sich mit seinem Erfolg abgefunden zu haben; Wenn Sie jemals ein Interview mit ihm gelesen haben, erkennen Sie, wie spontan er ist – er ist bestrebt, alles zu teilen, was ihm in den Sinn kommt. Selbst als seine Band während einer Gerätefehlfunktion kämpfte, tötete Cox die Zeit mit einem improvisierten Jam, der den Teilnehmern von Coachella gewidmet war (Beispieltext: „Wie viele Kondome sind letzte Nacht im Hotel kaputt gegangen?“) oder wenn sie zum Abschluss der Show eine Synopse von „Karlheinz Stockhausens gesamter Diskographie“ versprechen. Früher kannten die Leute in L.A. Deerhunter als „diese beschissene Band, die für Nine Inch Nails eröffnet wurde.“ Jetzt haben wir Teenager-Mädchen in Bikinis, die im Kreis zu „Nothing Ever Happened“ tanzen. Es gibt Coachella für Sie. Oder, vielleicht ist es nur ein weiterer Beweis dafür, dass Bradford Cox ‚misanthropische Mätzchen die meiste Aufmerksamkeit erregten, die Deerhunters Aufstieg auslöste, Sie sind eine Band, die jetzt wirklich ihre Scheiße zusammen hat.
__ Sunny Day Real Estate
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Foto von Natalie Kardos
Die Menge wurde dünner wie Jeremy Kirks Haaransatz, nachdem Deerhunter die Bühne verlassen hatte, aber ich wette, es gab an diesem Wochenende kein eingeschlosseneres Publikum als für die ursprüngliche Besetzung von Sunny Day Real Estate. Wenn du nicht einer der eingefleischten wärst, könntest du vielleicht schätzen, dass ein rostfreier SDRE nicht nur für Emo, sondern für verdammt viel populären Alternative Rock den Ton angab (ein bisschen Geschichte zeigte sich, als einer ihrer Road Cases Klebeband über einem Foo Fighters-Logo hatte). Aber die Band selbst erkannte, dass die meisten von uns über ein Jahrzehnt darauf warteten, „Seven“, „In Circles“ und „48“ zu singen, als sie beschlossen, etwas von The Rising Tide („The Ocean“) zu spielen, und wahrscheinlich jemanden informieren, dem es egal war, dass Opener „8“ auf dem Batman Forever Soundtrack war. Gitarrist Dan Hoerner bedankte sich nach fast jedem Song bei der Menge und Enigk würdigte den Humor, „einen so schönen Tag für traurige Songs zu feiern.“
__ Spoon
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Foto von Chris Tuite
So ziemlich jeder, der Spoon im Laufe seiner Karriere folgt, hat geschrien, wie er es verdient, auf einer Bühne dieser Größenordnung zu stehen – doch während viel aus ihren akribischen Studioexperimenten gemacht wird, wird die Verrücktheit mit der Lautstärke verstärkt. Sicher, „The Way We Get By“ und „Don’t You Evah“ sind Crowd-Pleasing-Ringer, und „Small Stakes“ ist feldfüllend riesig statt desorientierend spärlich. Aber es sind Berührungen wie das abrupte Ende von „Is Love Forever“, der gruselige Puls von „Who Makes Your Money“, die wild geflanschten Gitarren von „Got Nuffin'“ und das wahnsinnig eindringliche Gedränge von „Don’t Make Me a Target“, das bestätigt, wie Spoon die vielen Löcher in ihren Kompositionen mit außerirdischen Übertragungen und gedämpfter Kommunikation füllt – einige der subversivsten und einschmeichelndsten Musik, die eine derzeit beliebte Band zu bieten hat.
__ Phoenix
__
Foto von Chris Tuite
Diese Jungs sind Superstars oder so nah wie möglich an 2010. Wenn Sie mir nicht glauben, Ich wünschte, Sie hätten den Massenexodus von Spoons Set sehen können 20 Minuten bevor Phoenix die Außenbühne betreten sollte. Mit „Lisztomania“ zu beginnen, war ein bisschen waghalsiger Mut (es war ein seltenes Ereignis für eine Band, ihr Set mit einer ihrer bekannteren Singles an diesem Wochenende zu beginnen). Und Phoenix sah aus wie Stars – Thomas Mars kontrollierte die Bühne mit mühelosem Charisma, und die Gruppe sah aus wie die coolsten Jungs auf dieser Seite der Striche.
Aber gerade als es so aussah, als würde Phoenix ‚jahrzehntelanger zweifelhafter Live-Ruf dauerhaft ruhen, nahmen die Winde zu. Jeder, der mehr als 30 Meter von der Bühne entfernt war, musste sich damit auseinandersetzen, dass „Fences“ und „If I Ever Feel Better“ von dem Moment an, in dem sie die Lautsprecher verließen, absolut ramponiert wurden und in und aus der Hörbarkeit drifteten. Während letzterer fragte Mars wiederholt, ob sie Flutlicht bekommen könnten, damit die Band die Menge sehen könne. An diesem Punkt bemerkte ich, dass sie wirklich keine Lichtshow hatten, von der man überhaupt sprechen konnte. Natürlich war „1901“ eine der am meisten erwarteten Aufführungen des Wochenendes und es half, die Verbrennung dessen, was sich aus Gründen, die Phoenix größtenteils nicht kontrollieren konnte, als Mist herausstellte, zu lindern. „Love Like a Sunset“ in seiner Gesamtheit zu spielen, war ihre Schuld.
__ Pavement
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Foto von Natalie Kardos
„Das waren die 90er auf den Punkt gebracht. So sprach Steve Malkmus nach „Unfair“, und das war kurz bevor Pavement ihr Set mit „Cut Your Hair“ abschlossen. Im Kontext des Wochenendes schien Pavement entweder für einen Triumph bestimmter musikalischer Werte oder für eine Negation derer zu stehen, die danach kamen – wenn es darauf ankommt, begeisterten die größeren und jüngeren Indie-Bands dieses Wochenendes mit Orchesterarrangements und der elektronischen Komposition verpflichtet. Sie schienen wenig, wenn überhaupt, mit Pflaster gemeinsam zu haben.
Sie sind immer noch nicht viel auf der Bühne zu sehen, und selbst das Geplänkel hatte ein seltsames, eingemottetes Gefühl – „Unfair“ wurde eingeführt „1, 2, 9, 12!“; Malkmus sagte Sprial, er solle eine Verletzung abschütteln „wie Israel diese Scuds abschüttelte.“ Und zum großen Teil aufgrund von Malkmus ’schüchternem Profil in GQ gab es den schleichenden Verdacht, dass nicht jeder gleichermaßen aufgeregt war, „Summer Babe“ oder „Gold Soundz“ für Leute abzustauben, die interessanter daran waren, ihr nächstes Bier zu kaufen, als sich zu fragen, ob Wowee Zowee würde in der Setlist seinen gebührenden Platz bekommen. Aber als das Set weiterging, Die Band schien nicht nur sich selbst, sondern auch die Gesellschaft voneinander zu genießen. Es ist nicht so, dass Pavement’s Einfluss im Jahr 2010 nicht immer ganz vorherrscht, aber manchmal war es erfrischend, wie fünf Jungs, die mit den Notwendigkeiten großartiger Songs und einem scharfen Sinn für Humor bewaffnet sind, immer noch wie alles klingen können, was Sie jemals wollten von Left-of-the-Dial-Rock.
__ Thom Yorke
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Foto von Natalie Kardos
Zum Zeitpunkt seiner Veröffentlichung fühlte sich der Radiergummi entweder wie eine Fußnote oder ein Platzhalter für ein neues Radiohead-Album an, aber Thom Yorke hat wirklich eine Menge Kilometer daraus gemacht, nicht wahr? Trotz In Rainbows, In Rainbows 2, der Wiederveröffentlichung aller Radiohead-Capitol-Alben aus den 2000er Jahren, kann Yorke immer noch eine 9 p.m. eingestellte Zeit, um das Album in seiner Gesamtheit in seiner genauen Reihenfolge zu spielen. Und dieses Album kam vor fast vier Jahren heraus!
Aber die kürzlich gegründeten Atoms For Peace haben der Platte ein neues Leben eingehaucht, und mit Nigel Godrich, Flea und Joey Waronker im Schlepptau wurde ein zuvor hermetisches Album ausgepackt und explodiert. „Harrowdown Hill“ integrierte nahtlos Flea’s Slap Bass; Die komplexen Mixed-Meter-Rhythmen von „Analyse“ wurden vollständig offenbart; und „Skip Divided“ hätte als Vorschau auf Gorillaz (oder zumindest The Good the Bad and the Queen mit seiner allgegenwärtigen Melodica) gelten können.
Aufgrund der Verzögerungszeit zwischen „Cymbal Rush“ und Gorillaz’10:30-Startzeit gelang Yorke eine bisher beispiellose Zugabe, in der er eine atemberaubende, spärliche Wiedergabe von „Airbag“ und „Everything In Its Right Place“ sowie „Feeling Pulled Apart By Horses“ debütierte. Vielleicht war es nur der unglückliche Umstand, gegen Sly Stone zu spielen, drei Stunden zu spät und ziemlich peinlich, aber Yorke erwies sich als der seltene Kontrollfreak, dessen Crowd Control und Freakiness (das Tanzen wird sich nicht ändern) zu seinem Vorteil gearbeitet.
__ Gorillaz
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Foto von Chris Tuite
Während Hot Chips Set in der vergangenen Nacht stand ich vor einem älteren Paar, das nicht besonders beeindruckt war. „Was zum Teufel?“ , lautete die rhetorische Klage. „Es ist nur elektronische Disco“, murmelten sie, anscheinend entsetzt über all die zuvor verfügbare akustische Disco. „Schlimmer noch, jetzt spielen am Sonntagabend ein paar verdammte Cartoons.“ Aber an einem Wochenende, an dem versucht wurde, alles für alle zu sein, ist es ziemlich erstaunlich, dass Gorillaz es geschafft haben, mühelos eine Summe des interkulturellen Pop-Austauschs des letzten Jahrzehnts zu sein. Sicher, das Avatar-Gesicht von Gorillaz mag einige Puristen abschrecken, aber ich kann mir nicht allzu viele laufende Acts vorstellen, die ehrgeizigeren und weltlicheren Pop in die aktuelle Landschaft geschmuggelt haben als diese Jungs.
Und wenn das Übergewicht der Plastikstrand-T-Shirts nicht genug Indiz war, gibt es Tausende von engagierten Zuhörern, die wollen, was Gorillaz zu bieten haben: Wen kümmert es, wenn Snoop Doggs Vers in Dosen war – sie haben es geschafft, Paul Simonon und Mick Jones von The Clash, De La Soul und Bobby Womack auf die Bühne zu bringen. Selbst mit Jay-Zs Stadion-Rap und Muse, die sich als weitaus reifere Nachfolger von Pink Floyds Bong-visioniertem Rock als Radiohead erwiesen, war Theatralik bei Coachella mangelware. In einer ironischen Wendung, Die visuell vorderste Band des Wochenendes ließ Sie sich am meisten auf die Musik konzentrieren. Welches war Asse zum größten Teil: Während ihre drei LPs ihren Anteil an Füllstoff haben, Gorillaz haben genug visuellen Spielraum, um Platz für Damon Albarns Liebe zur Popmusik zu schaffen, Hiphop, Dancehall, und was auch immer unter dem Deckmantel des frivolen Pop. Ich liebe Gorillaz nicht, und wirklich, sie sind wirklich nicht im Geschäft, emotionale Fesseln zu schmieden, aber ich liebe, was sie tun.