Caitlin Doyle es una poeta cuyos honores recientes incluyen el Premio Amy en Poesía a través de Poetas & Revista de Escritores, una Beca Tennessee Williams en poesía a través de la Conferencia de Escritores de Sewanee, la Beca ALSCW de 2012 (Asociación de Eruditos, Críticos y Escritores Literarios) al Centro de Estudios de Vermont y una Beca en Poesía a través de la Fundación Elizabeth George. Su poesía ha aparecido o se publicará en varias publicaciones, incluyendo The Atlantic, The Threepenny Review, Boston Review, Black Warrior Review, Measure, Best New Poets 2009 y The Warwick Review. También tiene una formación profesional en cine y escritura de guiones, habiendo escrito y dirigido cortometrajes mostrados en varios festivales. La Sra. Doyle está trabajando actualmente en la finalización de su primer manuscrito de poesía de longitud de libro.
Su poesía, tal vez en contraste con la prevalencia del verso libre en la poesía contemporánea, ha sido reconocida por su hábil uso de elementos formales como la rima y la métrica. Además de la calidad musical derivada de la rima y la métrica, ¿hay otras razones por las que te sientes atraído por el formalismo? ¿Qué dirías a las afirmaciones de que uno de esos enfoques, verso libre o poesía formal, es estéticamente superior al otro?
Sí, hay razones más allá de la musicalidad que me atraen hacia los elementos técnicos tradicionales de la poesía. Después de todo, la rima y la métrica no tienen un derecho inherentemente mayor sobre el poder de producir lenguaje sonoro que cualquiera de las otras herramientas disponibles para un poeta. Los poetas que escriben «poesía formal «y» verso libre » tienen muchas maneras más allá del patrón métrico y el emparejamiento de palabras de rima para hacer cantar un poema. Los ejemplos incluyen la aliteración, la asonancia, la interacción rítmica de sintaxis y longitud de línea, y la mezcla resonante de registros de dicción variados. Pongo las frases «poesía formal» y «verso libre» entre comillas porque, aunque sirven como terminología para hacer una distinción general entre dos tipos de enfoques estéticos, comparto la creencia de muchos poetas de que los términos carecen de matices suficientes. El mejor «verso libre» posee limitaciones formales y principios rectores, al igual que la «poesía formal» más cautivadora contiene libertad e innovación.
Afirmar que un enfoque estético en la poesía es inherentemente superior a otro es como argumentar que un instrumento en una orquesta produce mejor música que todos los demás instrumentos. Argumentar que, objetivamente hablando, un violín crea un sonido mayor que una viola o un violonchelo es dejar de lado una consideración clave: la realidad subjetiva de quién está tocando el instrumento y cómo lo está haciendo. Al igual que cualquier característica estructural del lenguaje escrito, como la sintaxis o el medidor, un instrumento es una herramienta inanimada, que no posee un grado intrínseco de valor hasta que alguien se involucra con él. Lo que determina la calidad de la música no es el instrumento, sino la forma en que se puso en las manos de un individuo específico.
Hay una cita del poeta Donald Hall que me parece que proporciona un marco iluminador para esta discusión: «La forma del verso libre es tan vinculante y liberadora como la forma de un rondeau.»Un rondeau es una forma poética recibida con estrictos requisitos estructurales que dictan la división de estrofas, el número de sílabas por línea y la disposición de las rimas, entre otras cosas. Lo que admiro de esta cita es que Hall no dice simplemente «la forma de verso libre es tan vinculante como la forma de un rondeau.»En otras palabras, él no solo señala que el verso libre posee principios formales. También se atreve a decir que el verso libre es «tan liberador como la forma de un rondeau», lo que podría parecer una declaración sorprendente cuando se considera que una forma tan estricta como el rondeau no parece, en la superficie, calificarse como «liberadora».»Con esta afirmación, reconoce el sentido de licencia sin restricciones que puede provenir de escribir dentro de límites firmemente establecidos, la libertad que se puede encontrar cuando se permite que la forma dirija el contenido de un poema en direcciones inesperadas. Esencialmente, la cita de Hall destaca la forma en que toda buena poesía, ya sea verso libre o poesía que utiliza elementos formales tradicionales, se basa en la tensión entre la limitación y la liberación.
Su verso libre es tan hábil como su trabajo formal. Estoy pensando en particular en su memorable » Autorretrato con monos «(The Threepenny Review) y en su poema juguetón e inquietante» If Siegfried And Roy Had Never Met » (Black Warrior Review). ¿Encuentra que su proceso y sus tendencias temáticas difieren en relación con si está escribiendo verso libre o poesía formal? Como segunda parte de esta pregunta, ¿puede hablar de cómo llegó a desarrollar su atracción por el verso formal en el contexto del mundo de la poesía contemporánea dominante en el verso libre de hoy?
Ya sea que esté componiendo un poema en verso libre o una pieza que contenga elementos formales tradicionales, mi proceso es muy similar. Mi objetivo es encontrar un equilibrio entre el control artístico y la apertura a lo desconocido, guiando el lenguaje hacia mis efectos deseados y permitiendo que la pieza adquiera su propia agencia. Me encanta la forma en que la estructura y el contenido pueden contraponerse con una tensión que termina tomando ambos en direcciones inesperadas, una experiencia que es central para mis métodos de trabajo. Me siento más exitoso como poeta cuando mi producto final es algo que no podría haber previsto, pero aún contiene un sentido del impulso emocional central que puso en movimiento mi pluma por primera vez.
Cuando se trata de tendencias temáticas tanto en mi verso libre como en mi trabajo que posee propiedades formales, a menudo me guío por el tema que rodea los espacios dejados en la vida humana por una herida, una falta, una pérdida o una sensación de incompletitud. Escribir sobre estos espacios en mi propia experiencia y en las vidas de otros, con frecuencia en las vidas de figuras públicas conocidas, galvaniza mi pluma. Estoy interesado en explorar el papel de los impulsos líricos y narrativos para llegar a llenar esos espacios.
Para responder a la segunda parte de su pregunta, nunca sentí que hubiera un momento en el que conscientemente optara por poseer un interés en los rasgos formales tradicionales de la poesía. Como escritor, estás formado por lo que lees, y como ser humano, en su mayoría eliges leer lo que te atrae, un proceso de selección que no siempre es explicable o definible. He descubierto que las inclinaciones estéticas de un escritor a menudo son tan inexplicables como cualquier otra inclinación en la vida de un individuo, que surgen tanto de la disposición natural como de otros factores motivadores. ¿Por qué alguien elige la bicicleta roja en la tienda en lugar de la amarilla? ¿Por qué alguien escucha un determinado canal de radio en lugar de diferentes opciones?
Me han atraído los elementos formales tradicionales de la poesía desde la primera infancia, habiendo comenzado mi vida de lectura con poetas ricos en rimas como Christina Rossetti, A. E. Housman, Edwin Arlington Robinson y Edgar Allan Poe. Me sentí hipnotizada por la forma en que estos escritores usaban elementos formales tradicionales para combinar regularidad y sorpresa, para crear una interacción dinámica de repetición y variación, preparando mi oído para expectativas que a veces se cumplían y otras veces se enfrentaban a subversiones impredecibles. Por supuesto, en ese entonces, no podría haber articulado tales efectos con absoluta claridad, pero sentí su gran poder.
Su experiencia creativa incluye el trabajo en el cine, con sus cortometrajes mostrados en una variedad de festivales. Me interesa el hecho de que ha impartido clases de poesía que incorporan aspectos del cine en el plan de estudios; más recientemente, como Escritor Emergente Residente en la Universidad Estatal de Pensilvania, impartió un curso que incorporó escritura de guiones y poesía. ¿Puedes hablar de la experiencia de enseñar los dos géneros juntos? ¿Hay alguna pieza de cine en particular que le resulte útil cuando se trata de enseñar a los estudiantes sobre el papel de las imágenes en la poesía?
Disfruté de la oportunidad de diseñar e impartir un curso centrado específicamente en poesía y escritura de guiones en Penn State porque siempre he sentido que los dos géneros se iluminan entre sí de una manera vívida. Dado que los estudiantes tienden a tener mucha más experiencia viendo películas que leyendo poemas, he descubierto que usar el cine como puerta de entrada a la poesía les permite a los estudiantes entrar en los rigores del lenguaje finamente afinado de una manera que les resulta estimulante. El cine proporciona un recurso particularmente fuerte cuando se trata de enseñar a los estudiantes sobre la centralidad de las imágenes en la poesía, destacando la forma en que los poetas a menudo usan las imágenes como su método principal para transmitir significado y evocar respuestas en la mente y el corazón de los lectores. La noción de Ezra Pound de la imagen como «aquello que presenta un complejo intelectual y emocional en una instancia de tiempo» realmente cobra vida para los estudiantes cuando ven un segmento de película que crea sus efectos narrativos, emocionales y tonales principalmente a través de la acumulación y yuxtaposición de imágenes cuidadosamente elegidas.
Cuando se trata de identificar una pieza de cine que es particularmente útil como lente a través de la cual discutir el papel de las imágenes en la poesía, encuentro que una breve secuencia silenciosa de tres imágenes en la película M de Fritz Lang de 1931 es muy efectiva. Antes del segmento, Lang pasa las escenas iniciales de la película creando tensión en torno al hecho de que una niña pequeña llamada Elsie no ha vuelto a casa a la hora regular después de la escuela. La madre del niño se pone cada vez más nerviosa a medida que pasan las horas. Vemos como Elsie, que ha estado caminando por la calle rebotando una pelota, conoce a un hombre extraño que complementa su pelota y le compra un globo. Luego comienza la secuencia silenciosa, con las siguientes tres imágenes en sucesión: una toma de un plato vacío en la mesa colocada por la madre de Elsie, una toma de la bola de Elsie saliendo de los arbustos y deteniéndose, y una toma del globo de Elsie, que ha flotado fuera de sus manos, quedando atrapado en una línea eléctrica.
Enfatizo para los estudiantes de poesía la forma en que Lang no elige mostrar directamente al extraño secuestrando al niño, sino que evoca ese hecho a través de una serie de imágenes siniestras y cargadas que hacen que el secuestro sea aún más conmovedor para los espectadores. Determinamos a través de unas pocas imágenes inquietantes tanto la realidad narrativa de lo que ha sucedido como el tenor emocional del evento. He descubierto que los estudiantes entienden mejor la forma en que las imágenes funcionan en la poesía después de ver este extracto de M.
Aunque tiendo a ver el siempre común dictum de Escritura Creativa de «mostrar-no-contar «como excesivamente limitante porque muchos de los mejores poemas cuentan así como muestran, creo que la idea básica de» mostrar «en lugar de» contar » es importante para que los poetas principiantes la asimilen. Con ese fin, la película proporciona un vehículo maravilloso para ayudar a un estudiante a comprender cómo representar ideas, emociones y experiencias en lugar de explicarlas.
Hay muchos debates sobre cómo enseñar prosodia correctamente, que es el estudio de la versificación (particularmente de la estructura métrica). De hecho, es común hoy en día que la mayoría de los estudiantes de Inglés y Escritura Creativa pasen por toda su educación sin aprender prosodia. ¿Puede hablar un poco sobre su propia educación en prosodia y dar algunas ideas sobre cómo cree que podría enseñarse de la manera más efectiva?
Ninguno de mis maestros más memorables de Inglés o Escritura Creativa enseñó prosodia con un manual lleno de reglas y términos métricos. Los mejores maestros rara vez había dicho las palabras «trochee»,» dactyl»,» catalexis «o » amphribach».»Más bien, enfatizaron el poder de la rima, la métrica y las formas recibidas mediante el acto directo de exponernos a poemas superlativos que involucran elementos formales tradicionales. Averigüé mucho más sobre el hábil uso de la rima y la métrica al tener que leer, memorizar y recitar poemas de Thomas Hardy para la clase de Derek Walcott en la escuela de posgrado que si hubiera tomado un curso que se enfocara en terminología de versificación y ejercicios de escaneo.
Por supuesto, no estoy sugiriendo que los poetas jóvenes no deban aprender a escanear poemas y a reconocer y usar los términos métricos adecuados. Ciertamente, deberían encargarse de hacerlo, ya sea buscando una clase o un mentor que pueda ofrecer ese tipo de capacitación técnica o aprendiendo el material de manera autodidacta con la ayuda de algunas buenas guías de prosodia (El latido del poema de Alfred Corn es un texto particularmente útil en ese sentido). Pero creo que, cuando se trata de asimilar los principios de la prosodia, en última instancia, es más útil para los estudiantes centrarse en poemas reales que en otras formas de instrucción. El enfoque de mis mejores maestros de literatura y escritura en la escuela secundaria, la universidad y más allá parecía confirmar lo que mis primeras experiencias de lectura habían sugerido: la forma más efectiva y agradable de obtener una educación en los componentes artesanales de la poesía es absorberlos directamente a través de la inmersión en las obras de poetas poderosos.
En otras palabras, si desea desarrollar la capacidad de involucrar la herencia formal tradicional de la poesía con habilidad, creo que su mejor opción es aprender de adentro hacia afuera, habitando las palabras de aquellos con verdadero dominio formal, dejando que los ritmos de su lenguaje entren en su mente, corazón y cuerpo, en lugar de tratar de aprender de afuera hacia adentro a través de materiales instructivos. Lo importante no es que se pueda leer la obra de Yeats entre los escolares y decir: «está escribiendo estrofas de ottava rima, combinando pentámetros yámbicos estrictos con instancias de variación métrica significativa, y empleando una mezcla de enjambres y líneas de terminación.»Lo que importa es que puedas sentir los efectos de sus decisiones técnicas resonando en tu núcleo. Lo que importa es que puedas registrar de manera visceral cómo los rasgos formales del poema encarnan la tensión entre la unidad y la desunión en la vida humana, y que puedas absorber de él un sentido de cómo puedes usar las propiedades formales tradicionales del lenguaje poético para dar forma a la experiencia sensorial de un poema de tus lectores.
En American Creative Writers on Class, su poema «Paris», que considera maravillosamente el nombre codificado europeo de Paris Hilton junto con la mercantilización de su apellido, parece sugerir que todos examinemos más de cerca el tema de la herencia y el privilegio. En referencia a la clase y la poesía, ¿qué te interesa o te molesta en el mundo de la escritura y la enseñanza de la poesía?
Cuando se trata de temas de clase en el mundo de la poesía, lo que más me ocupa en estos días es la situación financiera que rodea a la cátedra adjunta. Un gran número de poetas emergentes pagan las cuentas ocupando cargos adjuntos, generalmente enseñando clases de Composición en inglés o Cursos de Escritura Creativa. La mayoría de las veces, este tipo de puestos implican un horario demasiado apretado, salarios abismales, cero beneficios de salud y la ausencia de una voz en los asuntos universitarios. No es raro que los adjuntos enseñen más que una carga de tiempo completo, se dispersen en varios campus y aún así apenas ganan un salario digno. Teniendo en cuenta que los adjuntos en todos los campos constituyen la mayoría de los profesores universitarios en este país, la falta de respeto institucional que se les ofrece, financiero y de otro tipo, es una realidad perturbadora. Con el fin de ser competitivos para las oportunidades de carrera, los poetas emergentes que trabajan como adjuntos deben reunir publicaciones notables en revistas y producir libros, sin embargo, su carga de enseñanza y calificación a menudo es tan grande que no pueden encontrar el tiempo y la energía para la producción creativa.
Me angustia pensar en cuántos escritores talentosos en las etapas emergentes se encuentran continuamente atrofiados por este sistema. Su condición de miembros de una clase académica supertrabajada y mal remunerada resulta en un empobrecimiento de la educación superior y también potencialmente de la literatura nacional. No quiero dramatizar la situación. La cátedra adjunta es solo una de las muchas circunstancias financieras difíciles que afectan a los jóvenes que eligen dedicar sus vidas a la escritura y solo se refiere a aquellos que persiguen una carrera académica. Por supuesto, ha sido difícil para la mayoría de los escritores a lo largo de la historia equilibrar el trabajo creativo con el pago de las cuentas, y cuando se trata de la búsqueda de la expresión artística, muchas personas han vivido en condiciones mucho más limitadas que las que enfrenta el típico escritor emergente, profesor adjunto y profesor. Sin embargo, dado el gran número de jóvenes escritores brillantes que actualmente ocupan cargos adjuntos, ya sea con la esperanza de tener perspectivas de permanencia a largo plazo o simplemente por una necesidad inmediata de cubrir los gastos de subsistencia, es difícil no sentir que las circunstancias de la cátedra adjunta comprenden un punto importante de preocupación en el mundo de la poesía.
Pensando en la famosa broma de T. S. Eliot, «La ansiedad es la sierva de la creatividad», ¿qué aspectos de escribir tu primer libro de poemas te hacen sentir más ansioso?
Mi respuesta a esta pregunta está relacionada con su consulta sobre temas de clase en el mundo de la poesía. Lo que más me inquieta al dar forma a mi primer libro es el hecho de que, en cuanto a las perspectivas de trabajo en el ámbito literario, hay una cantidad considerable de incentivos para que un poeta emergente publique una colección completa tan pronto como pueda manejarla. Tener un libro publicado es particularmente importante cuando se trata de encontrar un puesto de profesor universitario que ofrezca seguridad financiera y la oportunidad de avanzar en la carrera de titularidad. Como resultado, los poetas jóvenes a veces terminan sacando sus primeros libros con el fin de lograr una sensación de estabilidad profesional, lamentando más tarde cantidades significativas de la obra que incluyeron en sus colecciones de debut. Puede ser muy autolimitado someter la maduración artística a una cronología artificial.
Me preocupan las formas en que la estructura actual del mercado profesional en el mundo de la poesía puede obstaculizar el desarrollo gradual y laborioso de un conjunto particular de dones de un poeta. ¿Qué habría pasado si Robert Frost o Wallace Stevens, que publicaron sus primeros libros a los treinta y nueve y cuarenta y tres sucesivamente, no hubieran permitido que su trabajo progresara a su propio ritmo?
Es importante para mí que me resista a las tentaciones profesionales y financieras a menudo muy convincentes de publicar su primer libro rápidamente. Creo que es esencial que produzca la colección de acuerdo con mi propia línea de tiempo interna, respetando el hecho de que no soy un escritor particularmente rápido. Los poemas toman forma lentamente para mí. Lo que me importa no es que el libro salga dentro de un año en lugar de tres años más adelante. Lo crucial es que me siento seguro de que el manuscrito ha alcanzado su máximo fruto antes de buscar su publicación. Por supuesto, puede ser igual de dañino posponer la publicación de una colección debido a presionar el trabajo de uno contra expectativas poco realistas, esperando hasta que cada poema cumpla con algún estándar de perfección inalcanzable. No hay tal cosa como un libro de poesía absolutamente impecable. Por lo tanto, para mí, el objetivo es encontrar el equilibrio entre llevar el manuscrito a una realización lo más completa posible y al mismo tiempo saber cuándo decir «es hora de dejar ir y liberar esto al mundo.»
