Encuesta a la Mejor Película Canadiense de la Década

Como parte de nuestra celebración del Cine Canadiense antes del lanzamiento del Anuario de Cine Canadiense de 2019, pedimos a los críticos y cineastas canadienses que eligieran su película canadiense favorita de la década y nos dijeran por qué. Esta lista es un gran resumen de algunas de las mejores películas canadienses de la década.

No es una coincidencia que tantas de estas selecciones incluyan películas de 2019, un año histórico para el cine canadiense. Ponte al día con algunas de estas películas y más al aceptar el Canadian Cinema Challenge y prepárate para sumergirte en las mejores películas de 2019 (¡y de la década!) reservando su copia de nuestro próximo ebook, El Anuario de Cine Canadiense 2019.

Elegibilidad: Cualquier película que tuvo su estreno mundial entre 2010 y 2019 y fue hecha por ciudadanos canadienses y/o residentes permanentes (pero no necesariamente ambientada en Canadá).

Sonya Ballantyne (@Honey_Child), cineasta

Mi película canadiense favorita de los últimos diez años es Goon. Fue una elección difícil, ya que hubo muchas buenas opciones, como Encuentros Graves (The Vicious Brothers, 2011), Rebelle (Kim Nguyen, 2012), Angry Inuk (Alethea Arnaquq-Baril, 2016) y Nacimiento de una familia (Tasha Hubbard, 2017). ¡Pero elegí a Goon porque es grosero, sangriento y es tan divertido! Durante mucho tiempo, las películas canadienses, para mí, siempre han sido sinónimo de «aburrido».»Goon nos deja ser groseros y vulgares. Además, el hecho de que fue filmado en Winnipeg y tiene una escena de mi hermana gritando en la arena durante el partido del equipo principal contra un equipo de Quebec también ayuda.

Bill Chambers (@FlmFrkCentral), Editor, Film Freak Central

Mis dos películas canadienses favoritas de la década son Hassan Resucitado de Carlo Guillermo Proto y Blackbird de Jason Buxton; la primera es un documental, y la segunda se siente dolorosamente plausible. Resucitando a Hassan sigue a los Hartings, una familia de músicos callejeros del metro con sede en Montreal: el padre Dennis, la madre Peggy y la hija Lauviah. Los tres son ciegos. Hubo un segundo hijo, Hassan, que se ahogó a la edad de seis años (no era ciego). Proto documenta de forma sencilla sus vidas domésticas y laborales y los viajes intermedios, cómo se coordinan cuando se trata de realizar tareas mundanas, esencialmente convirtiéndose en una sola. Pero la pérdida de Hassan claramente ha dejado fisuras en su relación, con Peggy engañando a Dennis emocionalmente, si no físicamente (todavía), y Lauviah aparentemente aislada en escenas con su gato. Dennis y Peggy están buscando la Pata de un mono para volver a juntarlo todo y creen que lo han encontrado en las enseñanzas de Grigory Grabovoy, un curandero de fe ruso cuyas extravagantes teorías han convencido a los Hartings de que Hassan puede ser resucitado de entre los muertos. Las variables aquí son únicas, por decir lo menos, pero las emociones son universales. Resucitar a Hassan es una película inspirada y devastadora sobre un tema favorito del cine canadiense: el dolor, que resulta una carga insuperable incluso para los Hartings, que viven vidas de adaptación constante. No pasa una semana en la que no me pregunte cómo les va.

Poco sentimental pero profundamente conmovedor, Blackbird trata sobre un chico gótico tímido e inofensivo llamado Sean (Connor Jessup) que lamenta la cultura deportiva en torno a la cual giran tanto su escuela secundaria como su ciudad natal. (Incluso su padre conduce el Zamboni en la pista local. Sean desahoga su bazo en una fantasía de Columbine que publica en la web, en el calor del momento, y pronto se encuentra en un centro de detención juvenil junto a delincuentes violentos reales. Contada con una rara mezcla de humanidad y claridad de procedimiento que recuerda al fallecido y gran cineasta británico Alan Clarke (que asistió a una escuela de cine en Canadá), Blackbird se siente esencialmente canadiense al unirse — y elevarse por encima — a las filas de las películas filmadas en escuelas sin disparar una sola bala en la pantalla, así como en su sutil crítica de nuestra tendencia a premiar en exceso a los atletas y la destreza atlética, hasta el punto de que incluso un tribunal de una pequeña ciudad comienza a parecer un escenario donde aquellos con poder deben impresionar. Cuando a Sean se le entrega una orden de restricción con 47 nombres, son 47 personas que podrían robarle su libertad por capricho; ¿quién se supone que tenga miedo de quién, de nuevo?

Anne Émond (@LaAnneEmond), el Cineasta

elegí Les démohttps://séptima fila.com/2016/03/29/philippe-lesage-demonios/ns, la primera película de ficción por Philippe Lesage. Para mí, es una de las películas más brillantes sobre la infancia que se haya hecho. Es aterrador, divertido, profundo, peligroso, desgarrador. Es la vida, condensada.

Alex Heeney (@BWestCineaste), Editor en Jefe, Séptima Fila

La película de Sarah Polley es más creativa de no ficción que documental: una película sobre descubrir y desempacar la historia de su familia que está diseñada para llamar nuestra atención sobre el arte de contar historias en película. Las recreaciones que parecen videos caseros se pueden confundir con hechos, y las entrevistas con varias personas de la familia revelan perspectivas a menudo contradictorias. Polley nos permite verse a sí misma en el fotograma con una cámara o en diálogo directo con sus sujetos, como un recordatorio de que no solo está eligiendo las preguntas y dirigiendo las conversaciones, sino que también está curando las imágenes y cómo se presentan. Muchas personas cuentan sus historias en esta película; Polley tiene la última palabra en la sala de montaje.

Como adaptación del escenario a la pantalla, Mouthpiece ya es una maravilla: la forma en que la acción se desarrolla tan específicamente en lugares reconocibles de Toronto, los primeros planos esenciales que revelan la vulnerabilidad de los personajes y los flashbacks que se sienten tan reales que se olvida que las actrices que interpretan a Cassandra (Amy Nostbakken y Norah Sadava) rara vez estaban en la misma habitación que su madre (Maeve Beatty). Y sin embargo, esta película es mucho más: una declaración feminista sobre lo que significa ser una mujer moderna, los sacrificios hechos por la carrera y la familia, los sentimientos conflictivos de ser una mujer heterosexual que no quiere ser controlada por el patriarcado, la forma en que las mujeres, especialmente, vigilan y actúan por sí mismas, y la naturaleza paralizante del dolor. Pero creo que su mayor poder proviene de la presunción principal de la película: Cassandra es interpretada por dos actrices, una literalización física de su conflictiva auto-sincronización a veces, y activamente combativa en otras. He hablado de Mouthpiece dos veces en el podcast de la Séptima fila y entrevisté a la directora Patricia Rozema y a sus co-guionistas y estrellas Norah Sadava y Amy Nostbakken. Y estaré pensando y viendo de nuevo esta película en los próximos años.

Menciones de honor: La hilarante y brillante sátira política de Philippe Falardeau, posiblemente la primera en película de Canadá, Mi Pasantía en Canadá, me hizo reír más que casi cualquier otra película de esta década, al tiempo que me desafió a pensar tanto en la naturaleza de la democracia como en los detalles canadienses. Rhymes for Young Ghouls es una mirada entretenida, horripilante y visceral al sistema de escuelas residenciales, una película con imágenes que aún me persiguen años después, y que me ayudaron a entender esta atrocidad de una manera que las lecciones de historia nunca hicieron. Y Nuestros Seres Queridos de Anne Émond me cautivaron con su representación no solo de ciclos de dolor, sino de la forma en que el tacto mantiene unida a una familia y nos une a nuestra existencia física.

La boquilla aparece en nuestro próximo libro electrónico sobre Cine Canadiense, El Anuario de Cine Canadiense de 2019. Reserva tu copia ahora aquí.

Chris Knight (@ChrisKnightFilm), Crítico de Cine Jefe, National Post

Recuerdo que me sorprendí, me comprometí y finalmente me conmoví (¡hasta las lágrimas!) de Sarah Polley, un documental intensamente personal pero finalmente universal Que contamos. En pocas palabras, es la historia de la búsqueda de Polley de su padre biológico, después de enterarse de que el hombre que la crió no lo era. Pero hay mucho más aquí: cómo se elabora y elabora la mitología familiar a lo largo de generaciones, cómo una verdad engendra a otras e incluso cómo la edición (ya sea de nuestros recuerdos o de nuestras películas) ayuda a dar forma a las narrativas de nuestra existencia. Tratando de resumir esta gloriosa experiencia, escribí en mi reseña en ese momento: «En el océano de la verdad, siempre estamos pisando el agua, nadando para salvar nuestras vidas.»

Pero elegir una película canadiense «favorita» es una tarea difícil. Canadá produce grandes documentos tanto grandes (Antropoceno, Jennifer Baichwal, Edward Burtynsky, & Nicholas de Pencier, 2018) como pequeños (La mujer que Ama las Jirafas, Alison Reid, 2018), fabulosos dramas franco-canadienses como Tu Dors Nicole (Stéphane Lafleur, 2014) o Café de Flore (Jean-Marc Vallée, 2011), ciencia ficción contundente como el reciente Nivel 16 (Danishka Esterhazy, 2019), excelentes comedias (siempre un género poco apreciado) como The F Word (Michael Dowse, 2013) y Project Avalanche (Matt Johnson, 2016), y poderosas historias de las Primeras Naciones como Edge of the Knife (Helen Haig-Brown & Gwaai Edenshaw, 2018), filmado íntegramente en el idioma Haida. Por no hablar del trabajo de directores canadienses en el escenario mundial; mis películas favoritas de tres de los últimos cuatro años han incluido el trabajo de Denis Villeneuve — Sicario (2015), Arrival (2016) y Blade Runner 2049 (2017). Somos una nación bendecida con riquezas cinematográficas.

Las entrevistas con los cineastas detrás de Anthropocene y Edge of the Knife aparecen en nuestro próximo libro electrónico, El Anuario de Cine Canadiense de 2019.

Joe Lipsett (@BStoleMyRemote), Periodista de Cine, QueerHorrorMovies.com

Si hay un director que ejemplifica el nuevo cine canadiense, es Denis Villeneuve. El guionista y director quebequense ha irrumpido a lo grande en la escena internacional en los últimos años, pero sus películas siempre han sido emblemáticas de la tensión entre momentos íntimos impulsados por los personajes y secuencias de acción a gran escala y grandilocuentes.

Incendies es en última instancia una película de referencia tanto en la carrera de Villeneuve como en el cine canadiense. Es la última película» verdaderamente » canadiense que el director hizo antes de irse a Hollywood (yes, Enemy (2013) es a pequeña escala, pero sigue protagonizada por la mega estrella estadounidense Jake Gyllenhaal).

Incendies cuenta la historia de hermanos gemelos que viajan a Oriente medio para descubrir su propia historia; es descaradamente un precursor de la comida más convencional de Villeneuve, ya que presenta escenas de tortura, tensión y explosiones. Sin embargo, sigue siendo su núcleo, una película sobre la búsqueda de la identidad, una noción esencialmente canadiense que se cuece en la estructura de la caja de rompecabezas de la película, así como su estatus como coproducción con Francia y su enfoque multilingüe del diálogo (inglés, francés y árabe). Es una película extremadamente política que es impactante, gráfica y tierna en igual medida. Incendies demuestra que Polytechnique (2009) no fue una casualidad; la película finalmente sería la primera nominación canadiense en la categoría de Mejor Película Extranjera en los Oscar en casi media década.

Pat Mullen (@CinemaBlogrpher), Coeditora en línea de la Revista POV

No hay un mejor ejemplo de la necesidad de contar nuestras propias historias que el documental de Sarah Polley, Historias Que Contamos. La película, profundamente personal, cobró vida por el deseo de Polley de apoderarse de la narrativa cuando un secreto familiar corría el riesgo de exponerse, medita en lo correcto que una persona tiene para contar la historia de otra. A medida que Polley profundiza en su historia familiar, la película interroga las variaciones de la verdad que surgen cuando los recuerdos se fragmentan y refractan con el tiempo.

Polley empuja las barreras del documental al correr con la sugerencia de la productora Anita Lee de extender la historia de una familia al acto colectivo de contar historias. Este cambio de forma juega con la percepción y las nociones de verdad y ficción, y la supuesta verdad auténtica del documental, para comprender mejor a la familia que Polley creía conocer, ya que las perspectivas de las partes involucradas y los jugadores periféricos reconstruyen la historia de la madre de Sarah, Diane, y su padre biológico.

Encima de las capas de entrevistas y la jovial narración infundida por Margaret Atwood del padre de Polley, Michael, Stories We Tell crea un juego de memoria caleidoscópico con imágenes de archivo y recreaciones mezcladas a la perfección. El rompecabezas de Polley desafía nuestro deseo de narrativas limpias, así como la presunta autoridad y la factibilidad de los documentales. Más impresionante que la destreza formal de la película y su interacción entre la verdad y la ficción, sin embargo, es el vínculo puro y honesto de amor familiar que une a los narradores mientras Polley y su familia exploran una historia que podría haberlos dividido fácilmente. ¿Quién dice que todas las familias felices son iguales?

menciones de honor: Incendies, Mami (Xavier Dolan, 2014), La Disculpa (Tiffany Hsiung, 2016), Les affamés (Robin Aubert, 2017), La Habitación Prohibida (Guy Maddin y Evan Johnson, 2015)

Brett Pardy (@AntiqueiPod), Editor Asociado, Séptima Fila

La escritora métis Chelsea Vowell escribió: «Creo firmemente que todos los adultos que viven en Canadá deberían ver esta película (aunque hay más advertencias de gatillo para esta película de las que puedo contar, así que por favor, tenga cuidado)» porque fue «un vistazo a algo que ninguno de nosotros realmente quiere ver pero debe enfrentar.»En una época en la que el arte político es tan didáctico, Rhymes for Young Ghouls se destaca por su brillante uso del lenguaje cinematográfico de género, mezclando terror, venganza de grindhouse e imágenes postapocalípticas para expresar el horror real del colonialismo de Canadá. Lo que distingue a Rhymes de muchas películas de «fantasía de venganza» es que se mantiene consciente de cómo la violencia afecta a los personajes y produce y reproduce traumas que fluyen a través de generaciones.

C. J. Prince (@CJ_Prin), Crítico de cine

Probablemente sea una elección básica, pero mentiría si no escogiera La habitación Prohibida como mi película canadiense favorita de la década. El remake de Lost films de Guy Maddin y Evan Johnson se dobla, se tuerce y se distorsiona para convertir el cine en un organismo vivo, respirable y pulsante que existe a través del tiempo. Es hilarante, agotador y totalmente consciente de todo lo único de la película que la hace tan genial. Pero prefiero usar el resto de este espacio para promocionar otros títulos canadienses, todos ellos geniales y que deberían buscarse: Invention (Mark Lewis, 2015), Our Loved Ones (Anne Émond, 2015), Tu Dors Nicole y First Stripes (Jean-François Caissy, 2018).

Un ensayo sobre las primeras rayas y una entrevista con el director aparecen en nuestro próximo libro electrónico, El libro electrónico de Cine Canadiense 2019.

Sophy Romvari (@SophyRomvari), Cineasta

Innegablemente, se necesita un cierto nivel de coraje y una cantidad definida de riesgo para hacer una película que realmente se mira hacia adentro. Cuando se alcanza el equilibrio correcto entre la distancia formal y la autenticidad emocional, se evoca un tipo especial de empatía en el espectador. Personalmente, encuentro que este tipo de trabajo a menudo es la experiencia cinematográfica más gratificante. Dos ejemplos que me vienen a la mente cuando miro hacia atrás en los últimos diez años del cine canadiense son Dios endereza las piernas de Joële Walinga y Maníaco de Kalina Bertin.

En ambos casos, estas películas son largometrajes debutantes, lo que es aún más sorprendente. Ambas películas miran el trauma en el marco de la propia familia del cineasta y cuentan historias que son cautivadoras, compasivas e implacablemente honestas. Dios endereza las piernas es una historia sobre la madre del cineasta, que se resiste al tratamiento convencional del cáncer debido a sus creencias religiosas, pero nunca hay una pizca de juicio. La película está llena de amor, misterio y un maravilloso elemento de fantasía. Maníaco, por otro lado, es un descubrimiento épico de secretos familiares y una representación cruda de enfermedades mentales transgeneracionales, pero también es extremadamente tierno y paciente. La enfermedad mental es, por supuesto, a menudo sensacionalizada y puede llevar a una mayor estigmatización, pero Maníaco hace que el consentimiento y la colaboración sean parte del tejido mismo que se teje en su representación de estas experiencias difíciles, humanizándolas de una manera que rara vez se logra.

Me siento humilde y empoderada de tener a estas dos mujeres como modelos a seguir para admirar dentro de mi propio país.

Mary Angela Rowe (@LapsedVictorian), Editora en General, Séptima fila

Mi pasantía en Canadá no obtuvo suficiente crédito. Era demasiado canadiense para los espectadores internacionales, que cuestionaban su suave estilo de comedia, pero el público canadiense tampoco acudía a ella. Todo el mundo se lo perdió, porque esta película es un pájaro raro: una farsa política que ofrece mordida sin desdén, una despedida de una pequeña ciudad de Canadá que no es de mente estrecha, y una extraña comedia de pareja en la que nadie se queda atascado siendo el hombre heterosexual. También es divertidísimo y descaradamente canadiense.

El diputado de Quebec Steve Guibord (Patrick Huard) es un diputado de poca monta de un distrito rural de Quebec cuya rutina de sueño se ve destrozada por dos llegadas. En primer lugar, Souverain Pascal (Irdens Exantus), una veintena seria de Haití con la cabeza llena de teoría política, llega a la pequeña oficina de Guibord, maleta en mano, para una pasantía. Luego, Guibord termina con el voto decisivo en el Parlamento para determinar si Canadá irá a la guerra. Empujado abruptamente al centro de atención nacional, Guibord se desgarra mientras el voto divide a sus electores y a su familia. Guibord se encuentra apoyado en Souverain como guía mientras estos dos peces fuera del agua navegan por los absurdos de la política canadiense e intentan hacer lo correcto.

Falardeau comercia con caricaturas cariñosas en lugar de estereotipos bidimensionales, presentando representaciones comprensivas de puntos de vista opuestos a pesar de que está claro cómo la película quiere que nos sintamos. El único pecado en esta película es el cinismo: el desprecio está reservado para el extrañamente familiar Primer Ministro (Paul Doucet), que alterna la negociación política descarada con recitales de piano forzados. (Esta película se hizo en un momento en que aparentemente lo único que unía a los canadienses era no gustarles Stephen Harper. El optimismo de Souverain es contagioso, vigorizando tanto al hastiado Guibord como al público. Mi pasantía en Canadá es una delicia espumosa, divertida y generosa.

La boquilla de Patricia Rozema (2019) es algo bastante más intenso y poderoso, aunque en momentos, igual de divertido. Boquilla cubre tres días con una veintena de Cassandra torontoniana, cuya vida está trastornada por la muerte repentina de su madre. Mientras Cassandra viaja en bicicleta por Toronto para obtener suministros para el funeral (y evitar escribir el panegírico), poco a poco se da cuenta de cuánto de su propia vida se ha vivido en reacción a su madre, y cuánto las opciones de su madre se vieron limitadas por el patriarcado que las rodeaba.

Lo que catapulta a la boquilla de una comedia mordaz y agridulce a una obra de arte verdaderamente excepcional es su vanidad: en esta película, por lo demás realista, Cassandra es interpretada por dos actores (Amy Nostbakken y Norah Sadava), a menudo actuando lado a lado. Los actores se alternan, se hacen paralelos e interactúan, mostrándonos los contornos del conflicto interno de Cassandra. Cassandra es una persona, y por lo tanto muchas cosas a la vez. Pero solo puede lidiar con su dolor cuando llega a atribuir la misma complejidad interna a su madre.

Una entrevista extendida con Rozema, Sadava y Nostbakken aparece en nuestro próximo ebook The 2019 Canadian Cinema Yearbook.

Courtney Small (@SmallMind), Crítica de cine, Cinema Axis

En una década con tantas películas canadienses maravillosas, es fácil que una película como Petardos pase desapercibida. Sin embargo, el electrizante debut de Jasmin Mozaffari me tocó un nervio que aún no he sacudido. A través de los ojos de dos mujeres jóvenes, Mozaffari construye un examen abrasador de la masculinidad tóxica. Pintando un retrato de cómo la pobreza, el género y la raza influyen en las formas en que se fomenta y habilita el privilegio, Petardos es igualmente cautivador y poderoso. Si bien la película ha sido comparada con las obras de Andrea Arnold, Mozaffari demuestra ser una voz distinta y única en el cine que brillará en las próximas décadas.

Una entrevista con la directora Mozaffari y su actriz principal aparece en nuestro próximo libro electrónico, El Anuario de Cine Canadiense de 2019.

Justine Smith (@RedRoomRantings), Crítica de cine

Genèse es una película de ensueño y transgresora que busca redefinir el cine narrativo convencional.

1. Genèse (Philippe Lesage, 2018)
2. Tu Dors Nicole (Stéphane Lafleur, 2014)
3. Nuit #1 (Anne Émond, 2010)
4. Un método peligroso (David Cronenberg, 2011)
5. La part du diable (Luc Bourdon, 2017)

En nuestro próximo libro electrónico, El Anuario de Cine Canadiense de 2019, Justine entrevista a Lesage, describe a la estrella de la película, Théodore Pellerin, y entrevista al editor (la primera vez que aparece una entrevista con él en inglés). Reserva tu copia aquí.

Orla Smith (@OrlaMango), Editora Ejecutiva, Séptima Fila

(Canadiense Honorario, en virtud de trabajar en la Séptima Fila)

Estoy escogiendo un par de películas, La boquilla de Patricia Rozema (2018) y Take This Waltz de Sarah Polley (2011), ambas demasiado exquisitas para elegir entre ellas.

Boquilla es la mejor película que he visto este año. Hecho por un equipo casi femenino, tanto detrás como delante de la cámara, logra ser audaz e innovador dentro de los confines de un estudio íntimo de personajes. El personaje principal, Cassandra, es interpretado simultáneamente por dos actrices diferentes (Amy Nostbakken y Norah Sadava, quienes co-escribieron el guion). La película es una exploración conmovedora del viaje externo e interno de Cassandra mientras se prepara para el funeral de su madre.

Mientras que Stories We Tell de Sarah Polley es su largometraje más elogiado de esta década (y por una buena razón, es brillante), mi favorito de ella tiene que ser Take This Waltz. La película se ve hermosa, con una fotografía deslumbrante y brillante. A menudo es una película bastante cálida y divertida, pero también es bastante devastadora. Margot de Michelle Williams es una mujer atrapada entre dos hombres: uno, un amante potencial emocionante y misterioso, y el otro, su esposo durante varios años. En lugar de seguir el cliché de la comedia romántica de que el marido sea insensible y el amante una alternativa idílica, la película pisa un agua moral mucho más turbia. El marido de Margot es absolutamente encantador, y son muy felices juntos. La incómoda verdad es que cualquiera que sea el hombre que elija, será perseguida por el camino no tomado. Es una película que, en otras manos, podría haber sido aburrida y azucarada, pero Polley lleva la premisa a lugares que son psicológicamente fascinantes e intransigentes.

Una entrevista extendida con Rozema, Sadava y Nostbakken aparece en nuestro próximo ebook The 2019 Canadian Cinema Yearbook.

Alexandra West (@ScareAlex), Periodista de cine

Canadá ha sido conocida por su asombrosa capacidad para sobresalir en el género de terror. De Black Christmas (Bob Clark, 1974) a Prom Night (Paul Lynch, 1980), de The Fly (David Cronenberg, 1986) a Cube (Vincenzo Natali, 1997) a Pontypool (Bruce McDonald, 2008), los canadienses somos geniales para tocar con los miedos profundamente arraigados del público y transmitir escalofríos atmosféricos.

Tras su excelente debut en Backcountry (2014), la segunda película de Adam MacDonald, Pyewacket, combina de manera experta la paranoia inquietante de un joven Cronenberg y la energía siniestra de Sam Raimi para crear una historia de llegada a la mayoría de edad única y oscura. A medida que Leah (Nicole Muñoz) crece cada vez más en desacuerdo con su madre (Laurie Holden), como la mayoría de los adolescentes, convoca al demonio Pyewacket para lidiar con su monstruosa madre. Pronto empieza a salir muy mal, muy rápidamente.

MacDonald llena su pantalla de un misterioso vacío amaderado mientras conduce una narrativa simple pero intrincada, desafiando al público a mantener contacto visual con la pantalla a medida que el peligro se acerca. El control magistral de MacDonald y crew de la puesta en escena permite que Pyewacket funcione como una pieza impulsada por el personaje que se siente vital, familiar y emocionante mientras examina nuestro miedo a lo que se estrella en la noche y los lazos que nos atan. Pyewacket hará que te preocupes por sus personajes, luego te dará pesadillas que no olvidarás pronto.

Addison Wylie (@AddisonWylie), Crítico de cine, Wylie Escribe

El cineasta Jay Cheel cuenta una historia de sincronicidad en Cómo Construir una máquina del tiempo. Los dos sujetos del documental (el animador Rob Niosi y el físico teórico Ron Mallett) son dos personas muy diferentes, pero comparten una conexión a través de su obsesión con La Máquina del tiempo de H. G. Wells, vinculada directamente a cada uno de sus objetivos principales en la vida. Cómo construir una Máquina del Tiempo se trata del poder de los conceptos imaginativos y cómo pueden moldearnos para convertirnos en lo que somos hoy en día. Esta película perfecta expande, e incluso cambia, nuestras ideas de pasión y locura.