Caitlin Doyle ist eine Dichterin, zu deren jüngsten Auszeichnungen der Amy Award in Poetry through Poets & Writers Magazine, ein Tennessee Williams Stipendium in Poesie durch die Sewanee Writers Conference, das 2012 ALSCW Fellowship (Association of Literary Scholars, Critics, and Writers) an das Vermont Studio Center und ein Literaturstipendium in Poesie durch die Elizabeth George Foundation. Ihre Gedichte sind in mehreren Publikationen erschienen oder erscheinen in Kürze, darunter The Atlantic, The Threepenny Review, Boston Review, Black Warrior Review, Measure, Best New Poets 2009 und The Warwick Review. Sie hat auch einen professionellen Hintergrund in Film und Drehbuch und hat Kurzfilme geschrieben und inszeniert, die auf verschiedenen Festivals gezeigt wurden. Frau Doyle arbeitet derzeit an der Fertigstellung ihres ersten Gedichtmanuskripts in Buchlänge.
Ihre Poesie ist vielleicht im Gegensatz zur Vorherrschaft des freien Verses in der zeitgenössischen Poesie für ihre geschickte Verwendung formaler Elemente wie Reim und Meter bekannt. Gibt es neben der musikalischen Qualität, die sich aus Reim und Metrum ergibt, noch andere Gründe, warum Sie sich zum Formalismus hingezogen fühlen? Was würden Sie zu Behauptungen sagen, dass einer dieser Ansätze, freie Verse oder formale Poesie, dem anderen ästhetisch überlegen ist?
Ja, es gibt Gründe jenseits der Musikalität, die mich zu den traditionellen technischen Elementen der Poesie hinziehen. Schließlich haben Reim und Meter keinen inhärent größeren Anspruch auf die Fähigkeit, klangvolle Sprache zu erzeugen, als jedes andere Werkzeug, das einem Dichter zur Verfügung steht. Dichter, die sowohl „formale Poesie“ als auch „freie Verse“ schreiben, haben so viele Möglichkeiten, über metrische Muster und die Paarung von Reimwörtern hinaus, um ein Gedicht zum Singen zu bringen. Beispiele hierfür sind Alliteration, Assonanz, das rhythmische Zusammenspiel von Syntax und Zeilenlänge und die resonante Mischung verschiedener Diktionsregister. Ich setze die Ausdrücke „formale Poesie“ und „freier Vers“ in Anführungszeichen, weil, obwohl sie als Terminologie dienen, um eine allgemeine Unterscheidung zwischen zwei Arten von ästhetischen Ansätzen zu treffen, Ich teile die Überzeugung vieler Dichter, dass die Begriffe nicht ausreichend nuanciert sind. Der beste „freie Vers“ besitzt formale Grenzen und Leitprinzipien, so wie die packendste „formale Poesie“ Freiheit und Innovation enthält.
Die Behauptung, dass ein ästhetischer Ansatz in der Poesie einem anderen inhärent überlegen ist, ist wie die Behauptung, dass ein Instrument in einem Orchester bessere Musik produziert als alle anderen Instrumente. Zu argumentieren, dass eine Geige objektiv gesehen einen größeren Klang erzeugt als eine Bratsche oder ein Cello, bedeutet, eine Schlüsselüberlegung auszulassen: die subjektive Realität, wer das Instrument spielt und wie er oder sie es tut. Ähnlich wie jedes strukturelle Merkmal der geschriebenen Sprache, wie Syntax oder Meter, ist ein Instrument ein unbelebtes Werkzeug, das keinen intrinsischen Wert besitzt, bis sich jemand damit beschäftigt. Was die Qualität der Musik bestimmt, ist nicht das Instrument, sondern die Art und Weise, wie es in den Händen einer bestimmten Person verwendet wird.
Es gibt ein Zitat des Dichters Donald Hall, das mir einen erhellenden Rahmen für diese Diskussion bietet: „Die Form des freien Verses ist so verbindlich und befreiend wie die Form eines Rondeaus.“ Ein Rondeau ist eine erhaltene poetische Form mit strengen strukturellen Anforderungen, die unter anderem die Aufteilung der Strophen, die Anzahl der Silben pro Zeile und die Anordnung der Reime vorschreiben. Was ich an diesem Zitat bewundere, ist, dass Hall nicht einfach sagt: „Die Form des freien Verses ist so verbindlich wie die Form eines Rondeaus.“ Mit anderen Worten, er macht nicht nur den Punkt, dass freie Verse formale Prinzipien besitzen. Er wagt auch, dass freie Verse „so befreiend sind wie die Form eines Rondeaus,“Was wie eine überraschende Aussage erscheinen könnte, wenn man bedenkt, dass eine so strenge Form wie das Rondeau nicht erscheint, an der Oberfläche, sich als „befreiend“ zu qualifizieren.“ Mit dieser Behauptung erkennt er das Gefühl der uneingeschränkten Lizenz an, das durch das Schreiben innerhalb festgelegter Grenzen entstehen kann, die Freiheit, die gefunden werden kann, wenn man der Form erlaubt, den Inhalt eines Gedichts in unerwartete Richtungen zu führen. Im Wesentlichen hebt Halls Zitat die Art und Weise hervor, wie jede gute Poesie, ob freier Vers oder Poesie, die traditionelle formale Elemente verwendet, auf der Spannung zwischen Begrenzung und Befreiung beruht.
Ihr freier Vers ist genauso geschickt wie Ihre formale Arbeit. Ich denke vor allem an Ihr unvergessliches „Selbstporträt mit Affen“ (The Threepenny Review) und Ihr verspieltes und eindringliches Gedicht „If Siegfried And Roy Had Never Met“ (Black Warrior Review). Stellen Sie fest, dass sich Ihr Prozess und Ihre thematischen Tendenzen in Bezug darauf unterscheiden, ob Sie freie Verse oder formale Gedichte schreiben? Können Sie als zweiten Teil dieser Frage darüber sprechen, wie Sie dazu gekommen sind, Ihre Anziehungskraft auf formale Verse im Kontext der heutigen, von freien Versen dominierten zeitgenössischen Poesiewelt zu entwickeln?
Ob ich ein freies Versgedicht oder ein Stück mit traditionellen formalen Elementen komponiere, mein Prozess ist sehr ähnlich. Mein Ziel ist es, ein Gleichgewicht zwischen künstlerischer Kontrolle und Offenheit für das Unbekannte zu finden, die Sprache zu meinen gewünschten Effekten zu führen und gleichzeitig dem Stück seine eigene Wirkung zu verleihen. Ich liebe die Art und Weise, wie Struktur und Inhalt mit einer Spannung gegeneinander ziehen können, die beide in unerwartete Richtungen führt, eine Erfahrung, die für meine Arbeitsmethoden von zentraler Bedeutung ist. Ich fühle mich als Dichter am erfolgreichsten, wenn mein Endprodukt etwas ist, was ich nicht vorhersehen konnte, aber immer noch einen Sinn für den emotionalen Kernimpuls enthält, der meinen Stift zuerst in Bewegung gesetzt hat.
Wenn es um thematische Tendenzen sowohl in meinem freien Vers als auch in meiner Arbeit geht, die formale Eigenschaften besitzt, bin ich häufig von Themen getrieben, die die Räume umgeben, die im menschlichen Leben durch eine Verwundung, einen Mangel, einen Verlust oder ein Gefühl der Unvollständigkeit hinterlassen wurden. Das Schreiben über solche Räume in meiner eigenen Erfahrung und im Leben anderer, häufig im Leben bekannter Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens, erregt meine Feder. Ich bin daran interessiert, die Rolle sowohl lyrischer als auch narrativer Impulse zu untersuchen, um diese Räume zu füllen.
Um den zweiten Teil Ihrer Frage zu beantworten, habe ich nie das Gefühl gehabt, dass es einen Moment gab, in dem ich mich bewusst für die traditionellen formalen Merkmale der Poesie interessierte. Als Schriftsteller werden Sie von dem geprägt, was Sie lesen, und als Mensch entscheiden Sie sich meistens dafür, das zu lesen, was Sie anzieht, ein Auswahlprozess, der nicht immer erklärbar oder definierbar ist. Ich habe festgestellt, dass die ästhetischen Neigungen eines Schriftstellers oft genauso unerklärlich sind wie jede andere Neigung im Leben eines Individuums, die sowohl der natürlichen Veranlagung als auch anderen motivierenden Faktoren entspringt. Warum wählt jemand das rote Fahrrad im Laden anstelle des gelben? Warum hört jemand einen bestimmten Radiosender anstelle verschiedener Optionen?
Ich habe mich seit meiner frühen Kindheit von den traditionellen formalen Elementen der Poesie angezogen gefühlt, nachdem ich mein Leseleben mit reimreichen Dichtern wie Christina Rossetti, A.E. Housman, Edwin Arlington Robinson und Edgar Allan Poe begonnen hatte. Ich fühlte mich hypnotisiert von der Art und Weise, wie diese Autoren traditionelle formale Elemente verwendeten, um Regelmäßigkeit und Überraschung zu kombinieren, um ein dynamisches Zusammenspiel von Wiederholung und Variation zu schaffen, mein Ohr für Erwartungen zu öffnen, die manchmal auf Erfüllung und manchmal auf unvorhersehbare Subversionen stießen. Natürlich hätte ich solche Effekte damals nicht mit absoluter Klarheit artikulieren können, aber ich spürte ihre große Kraft.
Ihr kreativer Hintergrund umfasst die Arbeit im Film, wobei Ihre Kurzfilme auf verschiedenen Festivals gezeigt wurden. Ich interessiere mich für die Tatsache, dass Sie Gedichtkurse unterrichtet haben, die Aspekte des Films in den Lehrplan einbeziehen; Zuletzt haben Sie als aufstrebender Schriftsteller an der Penn State University einen Kurs unterrichtet, der Drehbuchschreiben und Poesie beinhaltete. Können Sie über die Erfahrung sprechen, die beiden Genres zusammen zu unterrichten? Gibt es ein bestimmtes Stück Kino, das Sie nützlich finden, wenn es darum geht, Schülern die Rolle von Bildern in der Poesie beizubringen?
Ich genoss die Gelegenheit, einen Kurs zu entwerfen und zu unterrichten, der sich speziell auf Poesie und Drehbuchschreiben an der Penn State konzentrierte, weil ich immer das Gefühl hatte, dass sich die beiden Genres auf lebendige Weise beleuchten. Da die Schüler tendenziell viel mehr Erfahrung mit dem Ansehen von Filmen als mit dem Lesen von Gedichten haben, habe ich entdeckt, dass die Verwendung von Film als Tür zur Poesie es den Schülern ermöglicht, die Strapazen einer fein abgestimmten Sprache auf eine Weise zu betreten, die sich für sie aufregend anfühlt. Film bietet eine besonders starke Ressource, wenn es darum geht, Studenten über die zentrale Bedeutung von Bildern in der Poesie zu unterrichten, Hervorheben der Art und Weise, wie Dichter Bilder häufig als primäre Methode zur Vermittlung von Bedeutung verwenden und Reaktionen in den Köpfen und Herzen der Leser hervorrufen. Ezra Pounds Vorstellung des Bildes als „das, was einen intellektuellen und emotionalen Komplex in einer Instanz der Zeit darstellt“, wird für die Schüler wirklich lebendig, wenn sie sich ein Filmsegment ansehen, das seine narrativen, emotionalen und tonalen Effekte hauptsächlich durch die Anhäufung und Gegenüberstellung sorgfältig ausgewählter Bilder erzeugt.
Wenn es darum geht, ein Stück Kino zu identifizieren, das besonders nützlich ist, um die Rolle von Bildern in der Poesie zu diskutieren, finde ich eine kurze Stummsequenz mit drei Bildern in Fritz Langs Film M von 1931 sehr effektiv. Im Vorfeld des Segments verbringt Lang die ersten Szenen des Films damit, Spannungen um die Tatsache aufzubauen, dass ein kleines Kind namens Elsie nicht zur regulären Zeit nach der Schule nach Hause gekommen ist. Die Mutter des Kindes wird im Laufe der Stunden immer nervöser. Wir sehen zu, wie Elsie, die die Straße entlang gegangen ist und einen Ball hüpft, einen fremden Mann trifft, der ihren Ball ergänzt und ihr einen Ballon kauft. Dann beginnt die stille Sequenz mit den folgenden drei Bildern hintereinander: eine Aufnahme eines leeren Esstisches auf dem von Elsies Mutter gedeckten Tisch, eine Aufnahme von Elsies Ball, der aus den Büschen rollt und zum Stillstand kommt, und eine Aufnahme von Elsies Ballon, der aus ihren Händen geschwommen ist und sich in einer Stromleitung verfangen hat.
Ich betone für Poesiestudenten die Art und Weise, wie Lang sich nicht dafür entscheidet, den Fremden, der das Kind entführt, direkt zu zeigen, sondern diese Tatsache durch eine Reihe bedrohlicher und aufgeladener Bilder hervorruft, die die Entführung für die Zuschauer umso beeindruckender machen. Wir ermitteln durch nur wenige eindringliche Bilder sowohl die narrative Realität des Geschehens als auch den emotionalen Tenor des Ereignisses. Ich habe festgestellt, dass die Schüler die Funktionsweise von Bildern in Gedichten besser verstehen, nachdem sie diesen Auszug aus M gesehen haben.
Obwohl ich dazu neige, das allgegenwärtige „Show-don’t-tell“ -Diktum des kreativen Schreibens als übermäßig einschränkend zu betrachten, weil viele der besten Gedichte sowohl erzählen als auch zeigen, denke ich, dass die Grundidee des „Zeigens“ und nicht des „Erzählens“ für Anfänger wichtig ist Dichter zu assimilieren. Zu diesem Zweck bietet der Film ein wunderbares Mittel, um einem Schüler zu helfen, Ideen, Emotionen und Erfahrungen umzusetzen, anstatt sie zu erklären.
Es gibt viele Debatten darüber, wie man Prosodie richtig unterrichtet, was das Studium der Versifikation (insbesondere der metrischen Struktur) ist. Tatsächlich ist es heute üblich, dass die meisten Schüler des englischen und kreativen Schreibens ihre gesamte Schulzeit durchlaufen, ohne Prosodie zu lernen. Können Sie ein wenig über Ihre eigene Ausbildung in Prosodie sprechen und einige Gedanken darüber machen, wie Sie denken, dass es am effektivsten gelehrt werden könnte?
Keiner meiner denkwürdigsten Lehrer für Englisch oder kreatives Schreiben lehrte Prosodie mit einem Handbuch voller Regeln und metrischer Begriffe. Die besten Lehrer, die ich selten gesagt hatte, die Worte „trochee, „dactyl,““catalexis,“Oder „amphribach.“ Vielmehr betonten sie die Kraft von Reim, Meter und empfangenen Formen durch den direkten Akt, uns Gedichten der Superlative auszusetzen, die traditionelle formale Elemente einbeziehen. Ich habe viel mehr über den geschickten Gebrauch von Reim und Takt herausgefunden, indem ich Thomas Hardy-Gedichte für Derek Walcotts Klasse in der Graduiertenschule lesen, auswendig lernen und rezitieren musste, als wenn ich einen Kurs besucht hätte, der sich auf Versifikationsterminologie und Scansionsübungen konzentrierte.
Natürlich schlage ich nicht vor, dass junge Dichter nicht lernen sollten, Gedichte zu scannen und die richtigen metrischen Begriffe zu erkennen und zu verwenden. Sie sollten es auf jeden Fall auf sich nehmen, dies zu tun, entweder indem sie eine Klasse oder einen Mentor suchen, der diese Art von technischer Ausbildung anbieten kann, oder indem sie das Material auf autodidaktische Weise mit Hilfe einiger guter Prosodieführer lernen (Alfred Corns „The Poem’s Heartbeat“ ist in dieser Hinsicht ein besonders nützlicher Text). Aber ich denke, wenn es darum geht, die Prinzipien der Prosodie zu assimilieren, ist es letztendlich nützlicher für die Schüler, sich auf tatsächliche Gedichte zu konzentrieren als auf andere Unterrichtsformen. Der Ansatz meiner besten Literatur- und Schreiblehrer in der High School, Hochschule, und darüber hinaus schien zu bestätigen, was meine eigenen frühen Leseerfahrungen nahelegten: Der effektivste und unterhaltsamste Weg, eine Ausbildung in den Handwerkskomponenten der Poesie zu erhalten, besteht darin, sie direkt durch Eintauchen in die Werke mächtiger Dichter aufzunehmen.
Mit anderen Worten, wenn du die Fähigkeit entwickeln willst, das traditionelle formale Erbe der Poesie mit Geschick zu beschäftigen, denke ich, dass deine beste Wette ist, von innen nach außen zu lernen, indem du die Worte derer mit wahrer formaler Meisterschaft bewohnst – die Rhythmen ihrer Sprache in deinen Geist, dein Herz und deinen Körper eindringen zu lassen – anstatt zu versuchen, von außen über Unterrichtsmaterialien zu lernen. Das Wichtigste ist nicht, dass man Yeats ‚Unter Schulkindern lesen und sagen kann: „Er schreibt Ottava Rima-Strophen, kombiniert strengen jambischen Pentameter mit Instanzen signifikanter metrischer Variation und verwendet eine Mischung aus jambischen und endgestoppten Linien.“ Was zählt, ist, dass Sie die Auswirkungen seiner technischen Entscheidungen in Ihrem Kern spüren können. Was zählt, ist, dass Sie auf viszerale Weise registrieren können, wie die formalen Merkmale des Gedichts die Spannung zwischen Einheit und Uneinigkeit im menschlichen Leben verkörpern – und dass Sie von ihm ein Gefühl dafür bekommen können, wie Sie traditionelle formale Eigenschaften der poetischen Sprache nutzen könnten, um die sensorische Erfahrung Ihrer Leser mit einem Gedicht zu gestalten.
In American Creative Writers on Class scheint Ihr Gedicht „Paris“, in dem Paris Hiltons europäisch kodifizierter Vorname wunderbar mit der Kommodifizierung ihres Nachnamens verglichen wird, darauf hinzudeuten, dass wir uns alle näher mit dem Thema Erbe und Privileg befassen. Was interessiert oder stört Sie in Bezug auf Unterricht und Poesie in der Welt des Schreibens und Lehrens von Poesie?
Wenn es um Unterrichtsfragen in der Welt der Poesie geht, beschäftigt mich heutzutage am meisten die finanzielle Situation rund um die außerordentliche Professur. Eine große Anzahl aufstrebender Dichter bezahlt die Rechnungen, indem sie Nebenpositionen innehaben und in der Regel englische Kompositionskurse oder Kurse für kreatives Schreiben unterrichten. Mehr als oft nicht, Diese Art von Positionen beinhalten einen überfüllten Zeitplan, miserable Bezahlung, Null gesundheitliche Vorteile, und das Fehlen einer Stimme in Universitätsangelegenheiten. Es ist nicht ungewöhnlich, dass Adjuncts mehr als eine Vollzeitbelastung unterrichten, an mehreren Standorten verteilt sind und immer noch kaum einen existenzsichernden Lohn verdienen. In Anbetracht der Tatsache, dass Adjunkte in allen Bereichen die Mehrheit der Universitätsfakultät in diesem Land ausmachen, Der Mangel an institutionellem Respekt, der ihnen geboten wird, finanziell und anderweitig, ist eine beunruhigende Realität. Um für Tenure-Track-Möglichkeiten wettbewerbsfähig zu werden, müssen aufstrebende Dichter, die als Adjuncts arbeiten, bemerkenswerte Zeitschriftenpublikationen sammeln und Bücher produzieren, aber ihre Lehr- und Notenbelastung ist oft so groß, dass sie nicht die Zeit und Energie für kreative Produktion finden können.
Es beunruhigt mich, daran zu denken, wie viele begabte Schriftsteller in den aufstrebenden Stadien ständig von diesem System verkümmert sind. Ihr Status als Mitglieder einer überarbeiteten und schlecht bezahlten akademischen Unterschicht führt zu einer Verarmung der Hochschulbildung und möglicherweise auch der Literatur der Nation. Ich will die Situation nicht überdramatisieren. Die außerordentliche Professur ist nur eine von vielen schwierigen finanziellen Umständen, die sich auf junge Menschen auswirken, die sich dafür entscheiden, ihr Leben dem Schreiben zu widmen, und sie betrifft nur diejenigen, die eine akademische Laufbahn verfolgen. Natürlich war es für die meisten Schriftsteller im Laufe der Geschichte schwierig, kreative Arbeit mit der Bezahlung der Rechnungen in Einklang zu bringen, und wenn es um das Streben nach künstlerischem Ausdruck geht, haben viele Menschen unter weitaus einschränkenderen Bedingungen gelebt als die heutigen typischen aufstrebenden Schriftsteller-Professor. Aber dennoch, angesichts der großen Anzahl brillanter junger Schriftsteller, die derzeit Nebenstellen innehaben, sei es in der Hoffnung auf langfristige Tenure-Track-Perspektiven oder einfach nur wegen der unmittelbaren Notwendigkeit, die Lebenshaltungskosten zu decken, Es ist schwer zu glauben, dass die Umstände der außerordentlichen Professur ein wichtiges Anliegen in der Welt der Poesie sind.
Wenn Sie an T.S. Eliots berühmten Witz denken: „Angst ist die Magd der Kreativität“, welche Aspekte des Schreibens Ihres ersten Gedichtbuchs machen Sie am ängstlichsten?
Meine Antwort auf diese Frage bezieht sich auf Ihre Anfrage zu Klassenproblemen in der Poesiewelt. Was mich bei der Gestaltung meines ersten Buches am meisten beunruhigt, ist die Tatsache, dass es für einen aufstrebenden Dichter in Bezug auf die Berufsaussichten im literarischen Bereich einen erheblichen Anreiz gibt, so schnell wie möglich eine vollständige Sammlung herauszubringen er oder sie kann es schaffen. Ein veröffentlichtes Buch ist besonders wichtig, wenn es darum geht, eine universitäre Lehrstelle zu finden, die finanzielle Sicherheit und die Chance auf einen Tenure-Track-Aufstieg bietet. Infolgedessen eilen junge Dichter manchmal ihre ersten Bücher heraus, um ein Gefühl der beruflichen Stabilität zu erreichen, und bereuen später erhebliche Mengen der Arbeit, die sie in ihre Debütsammlungen aufgenommen haben. Es kann sehr selbstlimitierend sein, künstlerische Reifung einer künstlichen Chronologie zu unterwerfen.
Ich mache mir Sorgen darüber, wie die derzeitige Struktur des professionellen Marktes in der Welt der Poesie die allmähliche und mühsame Entwicklung der besonderen Gaben eines Dichters behindern kann. Was wäre passiert, wenn Robert Frost oder Wallace Stevens, die ihre ersten Bücher nacheinander mit neununddreißig und dreiundvierzig veröffentlichten, ihrem Werk nicht erlaubt hätten, in seinem eigenen Tempo voranzukommen?
Es ist mir wichtig, den oft sehr zwingenden beruflichen und finanziellen Versuchungen zu widerstehen, das erste Buch schnell zu veröffentlichen. Ich halte es für wichtig, dass ich die Sammlung nach meiner eigenen internen Zeitleiste produziere, wobei ich die Tatsache respektiere, dass ich kein besonders schneller Autor bin. Gedichte nehmen für mich langsam Gestalt an. Was mir wichtig ist, ist nicht, dass das Buch in einem Jahr herauskommt, im Gegensatz zu drei Jahren auf der ganzen Linie. Entscheidend ist, dass ich zuversichtlich bin, dass das Manuskript seine volle Frucht erreicht hat, bevor ich eine Veröffentlichung anstrebe. Natürlich kann es genauso schädlich sein, eine Sammlung zu veröffentlichen, weil man seine Arbeit gegen unrealistische Erwartungen drängt und wartet, bis jedes Gedicht einen Standard unerreichbarer Perfektion erfüllt. Es gibt kein absolut makelloses Gedichtbuch. Für mich ist es also das Ziel, die Balance zu finden, das Manuskript so vollständig wie möglich zu verwirklichen und gleichzeitig zu wissen, wann man sagen muss: „Es ist Zeit loszulassen und dies in die Welt zu entlassen.“
