Best Canadian Film of the Decade Survey

Im Rahmen unserer Feier des kanadischen Kinos im Vorfeld der Veröffentlichung des Canadian Cinema Yearbook 2019 haben wir kanadische Kritiker und Filmemacher gebeten, ihren kanadischen Lieblingsfilm des Jahrzehnts auszuwählen und uns mitzuteilen, warum. Diese Liste bietet einen großartigen Überblick über einige der besten kanadischen Filme des Jahrzehnts.

Es ist kein Zufall, dass so viele dieser Auswahlmöglichkeiten Filme aus dem Jahr 2019 zeigen, ein Meilenstein für das kanadische Kino. Informieren Sie sich über einige dieser Filme und mehr, indem Sie an der Canadian Cinema Challenge teilnehmen und sich darauf vorbereiten, tief in die besten Filme des Jahres 2019 (und des Jahrzehnts!) durch Vorbestellung Ihres Exemplars unseres kommenden eBooks, des Canadian Cinema Yearbook 2019.

Teilnahmeberechtigung: Jeder Film, der zwischen 2010 und 2019 seine Weltpremiere hatte und von kanadischen Staatsbürgern und / oder ständigen Einwohnern gedreht wurde (aber nicht unbedingt in Kanada spielt).

Sonya Ballantyne (@Honey_Child), Filmemacher

Mein kanadischer Lieblingsfilm der letzten zehn Jahre ist Goon. Es war eine schwierige Wahl, da es viele gute Entscheidungen gab, wie Grave Encounters (The Vicious Brothers, 2011), Rebelle (Kim Nguyen, 2012), Angry Inuk (Alethea Arnaquq-Baril, 2016) und Geburt einer Familie (Tasha Hubbard, 2017). Aber ich habe Goon gewählt, weil es krass ist, es ist blutig, und es ist so lustig! Für die längste Zeit, Kanadische Filme, mir, war schon immer ein Synonym für „langweilig.“ Goon lässt uns krass und vulgär werden. Plus, Die Tatsache, dass es in Winnipeg gedreht wurde und eine Szene meiner Schwester hat, die während des Spiels der Hauptmannschaft gegen eine Mannschaft aus Quebec in der Arena schreit, hilft auch.

Bill Chambers (@FlmFrkCentral), Editor, Film Freak Central

Meine beiden kanadischen Lieblingsfilme des Jahrzehnts sind Carlo Guillermo Protos Wiederbelebung von Hassan und Jason Buxtons Blackbird; Ersteres ist ein Dokumentarfilm, und letzteres fühlt sich schmerzhaft plausibel an. Resurrecting Hassan folgt den Hartings, einer in Montreal ansässigen Familie von U-Bahn-Straßenmusikern: Vater Dennis, Mutter Peggy und Tochter Lauviah. Alle drei sind blind. Es gab ein zweites Kind, Hassan, der im Alter von sechs Jahren ertrank (er war nicht blind). Proto dokumentiert sachlich ihr Heim- und Arbeitsleben und die Reisen dazwischen, wie sie sich koordinieren, wenn es darum geht, alltägliche Aufgaben zu erledigen, im Wesentlichen eins werden. Aber der Verlust von Hassan hat eindeutig Risse in ihrer Beziehung hinterlassen, Peggy betrügt Dennis emotional, wenn nicht physisch (noch), und Lauviah scheint in Szenen mit ihrer Katze isoliert zu sein. Dennis und Peggy suchen nach einer Affenpfote, um alles wieder zusammenzusetzen, und glauben, dass sie es in den Lehren von Grigory Grabovoy gefunden haben, einem russischen Glaubensheiler, dessen ausgefallene Theorien die Hartings davon überzeugt haben, dass Hassan von den Toten zurückgebracht werden kann. Die Variablen hier sind gelinde gesagt einzigartig, aber die Emotionen sind universell. Resurrecting Hassan ist ein inspirierter und verheerender Film über ein Lieblingsthema des kanadischen Kinos: Trauer, die selbst für die Hartings, die ein Leben ständiger Anpassung führen, eine unüberwindliche Belastung darstellt. Es vergeht keine Woche, in der ich mich nicht frage, wie es ihnen geht.

Unsentimental und doch tief berührend, Blackbird handelt von einem schüchternen, harmlosen Goth-Kind namens Sean (Connor Jessup), der die Sportkultur beklagt, um die sich sowohl seine High School als auch seine Heimatstadt drehen. (Sogar sein Vater fährt den Zamboni auf der örtlichen Eisbahn.) Sean entlüftet seine Milz in einer Columbine-Fantasie, die er im Eifer des Gefechts ins Internet stellt, und befindet sich bald neben tatsächlichen Gewalttätern in einer Jugendhaftanstalt. Erzählt mit einer seltenen Mischung aus Menschlichkeit und Verfahrensklarheit, die an den verstorbenen, großen britischen Filmemacher Alan Clarke erinnert (der die Filmschule in Kanada besuchte), fühlt sich Blackbird durch und durch kanadisch an, wenn er sich den Reihen der Schulfilme anschließt — und sie überragt —, ohne eine einzige Kugel auf den Bildschirm abzufeuern sowie in seiner subtilen Kritik an unserer Tendenz, Athleten und sportliche Fähigkeiten zu überpreisen, bis zu dem Punkt, an dem selbst ein Gerichtssaal in einer Kleinstadt wie eine Arena erscheint, in der diejenigen mit Macht beeindrucken müssen. Als Sean eine einstweilige Verfügung mit 47 Namen ausgehändigt wird, sind das 47 Leute, die ihm aus einer Laune heraus seine Freiheit rauben könnten; Wer soll wieder Angst vor wem haben?

Anne Émond (@LaAnneEmond), Filmemacher

Ich habe mich für Les démohttps://seventh-row.com/2016/03/29/ philippe-lesage-demons/ns, der erste Spielfilm von Philippe Lesage. Für mich ist es einer der brillantesten Filme über Kindheit, die jemals gemacht wurden. Es ist beängstigend, es ist lustig, es ist tief, es ist gefährlich, es ist herzzerreißend. Es ist das Leben, kondensiert.

Alex Heeney (@BWestCineaste), Chefredakteur, Seventh Row

Sarah Polleys Film ist kreativer Sachbuch als Dokumentarfilm: Ein Film über das Aufdecken und Auspacken der Geschichte ihrer Familie, der unsere Aufmerksamkeit auf die Kunst des Geschichtenerzählens im Film lenken soll. Nachstellungen, die sich wie Heimvideos anfühlen, können mit Fakten verwechselt werden, und Interviews mit mehreren Personen in der Familie zeigen oft widersprüchliche Perspektiven. Polley lässt uns sich selbst im Bild mit einer Kamera oder im direkten Dialog mit ihren Themen sehen, als Erinnerung daran, dass sie nicht nur die Fragen auswählt und die Gespräche leitet, sondern auch das Filmmaterial kuratiert und wie es präsentiert wird. Viele Menschen erzählen ihre Geschichten in diesem Film; Polley bekommt das letzte Wort im Schneideraum.

Als Adaption von Bühne zu Leinwand ist es schon ein Wunder: die Art und Weise, wie die Handlung so spezifisch in erkennbaren Toronto-Spuks spielt, die wesentlichen Nahaufnahmen, die die Verletzlichkeit der Charaktere enthüllen, und die Rückblenden, die sich so real anfühlen, dass man vergisst, dass die Schauspielerinnen, die die erwachsene Cassandra spielen (Amy Nostbakken und Norah Sadava) waren selten im selben Raum wie ihre Mutter (Maeve Beatty). Und doch ist dieser Film so viel mehr: eine feministische Aussage darüber, was es bedeutet, eine moderne Frau zu sein, die Opfer, die für Karriere und Familie gebracht wurden, die widersprüchlichen Gefühle, eine heterosexuelle Frau zu sein, die nicht vom Patriarchat kontrolliert werden will, die Art und Weise, wie Frauen besonders für sich selbst arbeiten und auftreten, und die lähmende Natur der Trauer. Aber ich denke, seine größte Kraft kommt von der Haupteinbildung des Films: Cassandra wird von zwei Schauspielerinnen gespielt, eine physische Literalisierung ihres widersprüchlichen Selbst — manchmal synchron, und aktiv kämpferisch bei anderen. Ich habe zweimal im Podcast the Seventh Row darüber gesprochen und die Regisseurin Patricia Rozema und ihre Co-Autoren und Stars Norah Sadava und Amy Nostbakken interviewt. Und ich werde darüber nachdenken, und rewatching diesen Film für die kommenden Jahre.

Lobende Erwähnungen: Philippe Falardeaus witzige und brillante politische Satire, möglicherweise Kanadas erster Film, Mein Praktikum in Kanada, brachte mich mehr zum Lachen als fast jeder andere Film in diesem Jahrzehnt und forderte mich auf, sowohl über das Wesen der Demokratie als auch über kanadische Besonderheiten nachzudenken. Rhymes for Young Ghouls ist ein unterhaltsamer, schrecklicher und viszeraler Blick auf das Schulsystem in Wohngebieten, ein Film mit Bildern, die mich noch Jahre später verfolgen und mir geholfen haben, diese Gräueltat auf eine Weise zu verstehen, wie es der Geschichtsunterricht nie getan hat. Und Anne Émonds Our Loved Ones begeisterte mich mit seiner Darstellung nicht nur von Trauerzyklen, sondern auch von der Art und Weise, wie Berührung eine Familie zusammenhält und uns an unsere physische Existenz bindet.

Dies ist in unserem kommenden eBook über das kanadische Kino, dem Canadian Cinema Yearbook 2019, enthalten. Bestellen Sie Ihr Exemplar jetzt hier vor.

Chris Knight (@ChrisKnightFilm), Cheffilmkritiker, National Post

Ich erinnere mich, dass ich erstaunt, verlobt und letztendlich bewegt war (zu Tränen!) von Sarah Polleys sehr persönlichen und doch letztlich universellen dokumentarischen Geschichten, die wir erzählen. Einfach ausgedrückt, es ist die Geschichte von Polleys Suche nach ihrem leiblichen Vater, nachdem er erfahren hat, dass der Mann, der sie großgezogen hat, es nicht war. Aber es gibt noch so viel mehr – wie Familienmythologie über Generationen hinweg entworfen und gestaltet wird, wie eine Wahrheit andere hervorbringt und sogar wie die Bearbeitung (ob unserer Erinnerungen oder unserer Filme) die Erzählungen unserer Existenz mitgestaltet. Um diese glorreiche Erfahrung zusammenzufassen, schrieb ich damals in meiner Rezension: „Im Ozean der Wahrheit treten wir für immer auf Wasser und schwimmen um unser Leben.“

Aber einen „Lieblings“ kanadischen Film auszuwählen, ist eine schwierige Aufgabe. Kanada produziert großartige Dokumente, sowohl große (Anthropozän, Jennifer Baichwal, Edward Burtynsky, & Nicholas de Pencier, 2018) als auch kleine (Die Frau, die Giraffen liebt, Alison Reid, 2018), fabelhafte französisch-kanadische Dramen wie Tu Dors Nicole (Stéphane Lafleur, 2014) oder Café de Flore (Jean-Marc Vallée, 2011), knallharte Science-Fiction wie die jüngste Level 16 (Danishka Esterhazy, 2019 ), großartige Komödien (immer ein unterschätztes Genre) wie The F Word (Michael Dowse, 2013) und Project Avalanche (Matt Johnson, 2016) und kraftvolle First Nations-Geschichten wie Edge of the Knife (Helen Haig-Brown & Gwaai Edenshaw, 2018), komplett in der Haida-Sprache gedreht. Ganz zu schweigen von der Arbeit kanadischer Regisseure auf der Weltbühne; Zu meinen Lieblingsfilmen der letzten vier Jahre gehörten Arbeiten von Denis Villeneuve — Sicario (2015), Arrival (2016) und Blade Runner 2049 (2017). Wir sind eine Nation, die mit Filmreichtümern gesegnet ist.

Interviews mit den Filmemachern hinter Anthropocene und Edge of the Knife finden Sie in unserem kommenden eBook, dem Canadian Cinema Yearbook 2019.

Joe Lipsett (@BStoleMyRemote), Filmjournalist, QueerHorrorMovies.com

Wenn es einen Regisseur gibt, der das neue kanadische Kino veranschaulicht, dann ist es Denis Villeneuve. Der Drehbuchautor und Regisseur aus Quebec hat sich in den letzten Jahren in der internationalen Szene einen Namen gemacht, aber seine Filme waren immer ein Symbol für die Spannung zwischen intimen, charaktergetriebenen Momenten und großen, bombastischen Actionsequenzen.

Incendies ist letztendlich ein Benchmark-Film sowohl in Villeneuves Karriere als auch im kanadischen Kino. Es ist der letzte „wirklich“ kanadische Film, den der Regisseur gedreht hat, bevor er nach Hollywood ging (ja, Enemy (2013) ist klein, aber er spielt immer noch den US-Megastar Jake Gyllenhaal).

Incendies erzählt die Geschichte von Zwillingsgeschwistern, die in den Nahen Osten reisen, um ihre eigene Geschichte aufzudecken; Es ist ungeniert ein Vorläufer von Villeneuves Mainstream-Kost, da es Szenen von Folter, packender Spannung und Explosionen enthält. Es bleibt jedoch im Kern ein Film über die Suche nach Identität — ein typisch kanadischer Begriff, der in die Puzzle-Box-Struktur des Films sowie in seinen Status als Koproduktion mit Frankreich und seinen mehrsprachigen Dialogansatz (Englisch, Französisch und Arabisch) eingebrannt ist. Es ist ein blitzartig politischer Film, der gleichermaßen schockierend, grafisch und zärtlich ist. Incendies beweist, dass Polytechnique (2009) kein Zufall war; Der Film würde letztendlich die erste kanadische Nominierung in der Kategorie Bester ausländischer Film bei den Oscars seit fast einem halben Jahrzehnt sein.

Pat Mullen (@CinemaBlogrpher), Online-Mitherausgeber, POV Magazine

Es gibt kein besseres Beispiel für die Notwendigkeit, unsere eigenen Geschichten zu erzählen, als Sarah Polleys Dokumentarfilm Stories We Tell. Der zutiefst persönliche Film, der durch Polleys Wunsch zum Leben erweckt wurde, die Erzählung zu ergreifen, wenn ein Familiengeheimnis die Enthüllung riskierte, meditiert über das Recht einer Person, die Geschichte einer anderen zu erzählen. Während Polley tiefer in ihre Familiengeschichte eintaucht, befragt der Film die Variationen der Wahrheit, die entstehen, wenn Erinnerungen im Laufe der Zeit fragmentiert und gebrochen werden.

Polley überschreitet die Grenzen des Dokumentarfilms, indem er mit dem Vorschlag der Produzentin Anita Lee zusammenarbeitet, die Geschichte einer Familie auf den kollektiven Akt des Geschichtenerzählens auszudehnen. Diese Formverschiebung spielt mit Wahrnehmung und Vorstellungen von Wahrheit und Fiktion — und der vermeintlich authentischen Wahrheit des Dokumentarfilms —, um die Familie Polley besser zu verstehen, die sie zu kennen glaubte, als Perspektiven von Dritten und peripheren Akteuren die Geschichte von Sarahs Mutter Diane und ihrem leiblichen Vater zusammensetzen.

Auf den Ebenen der Interviews und der jovialen Margaret Atwood-infundierten Erzählung von Polleys Vater Michael schafft Stories We Tell ein kaleidoskopisches Memory-Spiel mit Archivmaterial und Reenactments, die nahtlos miteinander vermischt sind. Polleys Puzzle fordert unseren Wunsch nach klaren Erzählungen sowie die vermutete Autorität und Faktizität des Dokumentarfilms heraus. Beeindruckender als die formale Geschicklichkeit des Films und das Zusammenspiel von Wahrheit und Fiktion ist jedoch das reine und ehrliche Band familiärer Liebe, das die Geschichtenerzähler verbindet, während Polley und ihre Familie eine Geschichte erkunden, die sie leicht hätte trennen können. Wer sagt, dass alle glücklichen Familien gleich sind?

Lobende Erwähnungen: Incendies, Mama (Xavier Dolan, 2014), Die Entschuldigung (Tiffany Hsiung, 2016), Les affamés (Robin Aubert, 2017), Der verbotene Raum (Guy Maddin und Evan Johnson, 2015)

Brett Pardy (@AntiqueiPod), Associate Editor, Seventh Row

Métis-Autorin Chelsea Vowell schrieb: „Ich glaube fest daran, dass jeder Erwachsene, der in Kanada lebt, diesen Film sehen sollte (obwohl es mehr Triggerwarnungen für diesen Film gibt, als ich zählen kann, also pass auf dich auf)“, weil es ein „Einblick in etwas war, das keiner von uns wirklich sehen will, aber dem wir uns stellen müssen.“ In einer Zeit, in der politische Kunst so didaktisch ist, zeichnet sich Rhymes for Young Ghouls durch seine brillante Verwendung der Genrefilmsprache aus, die Horror, Grindhouse-Rache und postapokalyptische Bilder mischt, um den sehr realen Horror des kanadischen Kolonialismus auszudrücken. Was Rhymes von vielen „Revenge Fantasy“ -Filmen unterscheidet, ist, dass es darauf achtet, wie Gewalt Charaktere beeinflusst und Traumata erzeugt und reproduziert, die über Generationen hinweg fließen.

C. J. Prince (@CJ_Prin), Filmkritiker

Es ist wahrscheinlich eine einfache Wahl, aber ich würde lügen, wenn ich The Forbidden Room nicht als meinen kanadischen Lieblingsfilm des Jahrzehnts auswählen würde. Guy Maddin und Evan Johnsons Remake von Lost Films biegt, verdreht und verzerrt sich selbst, um das Kino in einen lebendigen, atmenden, pulsierenden Organismus zu verwandeln, der durch die Zeit existiert. Es ist urkomisch, anstrengend, und voll bewusst alles einzigartig über Film, der es so groß macht. Aber ich würde den Rest dieses Raums lieber nutzen, um für andere kanadische Titel zu werben, die alle großartig sind und gesucht werden sollten: Invention (Mark Lewis, 2015), Our Loved Ones (Anne Émond, 2015), Tu Dors Nicole und First Stripes (Jean-François Caissy, 2018).

Ein Essay über First Stripes und ein Interview mit dem Regisseur erscheinen in unserem kommenden eBook, dem Canadian Cinema Yeabook 2019.

Sophy Romvari (@SophyRomvari), Filmemacherin

Unbestreitbar braucht es ein gewisses Maß an Mut und ein gewisses Maß an Risiko, um einen Film zu machen, der wirklich nach innen schaut. Wenn die richtige Balance zwischen formaler Distanz und emotionaler Authentizität gefunden wird, ruft dies beim Betrachter eine besondere Art von Empathie hervor. Persönlich finde ich diese Art von Arbeit oft die lohnendsten filmischen Erfahrungen. Zwei Beispiele, die mir in den Sinn kommen, wenn ich auf die letzten zehn Jahre des kanadischen Kinos zurückblicke, sind Joële Walingas God Straights Legs und Kalina Bertins Manic.

In beiden Fällen sind diese Filme Erstlingsfilme, was umso erstaunlicher ist. Beide Filme setzen sich mit Traumata im Rahmen der eigenen Familie auseinander und erzählen Geschichten, die fesselnd, mitfühlend und unerbittlich ehrlich sind. God Straights Legs ist eine Geschichte über die Mutter des Filmemachers, die sich aufgrund ihres religiösen Glaubens einer konventionellen Krebsbehandlung widersetzt, aber es gibt nie eine Unze Urteil. Der Film ist voller Liebe, Geheimnis und einem wunderbaren Element der Fantasie. Manic hingegen ist eine epische Aufdeckung von Familiengeheimnissen und eine rohe Darstellung generationenübergreifender psychischer Erkrankungen, aber auch äußerst zärtlich und geduldig. Psychische Erkrankungen sind natürlich oft sensationell und können zu weiterer Stigmatisierung führen, aber Manic macht Zustimmung und Zusammenarbeit zu einem Teil des Gewebes, das in seine Darstellung dieser schwierigen Erfahrungen eingewoben ist, und vermenschlicht sie auf eine Weise, die selten erreicht wird.

Ich fühle mich gedemütigt und ermächtigt, diese beiden Frauen als Vorbilder zu haben, zu denen ich in meinem eigenen Land aufschauen kann.

Mary Angela Rowe (@LapsedVictorian), Editor-at-Large, Seventh Row

Mein Praktikum in Kanada hat nicht genug Anerkennung bekommen. Es war zu kanadisch für internationale Zuschauer, die seine sanfte Art von Komödie in Frage stellten, Aber das kanadische Publikum strömte auch nicht dorthin. Jeder hat es verpasst, denn dieser Film ist ein seltener Vogel: eine politische Farce, die Biss ohne Verachtung liefert, eine Sendung von Kleinstadtkanada, die nicht kleinlich ist, und eine Kumpel-Komödie für seltsame Paare, in der niemand als heterosexueller Mann stecken bleibt. Es ist auch urkomisch lustig und unverfroren kanadisch.

Quebec MP Steve Guibord (Patrick Huard) ist ein kleiner Abgeordneter für einen ländlichen Bezirk in Quebec, dessen verschlafene Routine durch zwei Neuankömmlinge erschüttert wird. Zuerst kommt Souverain Pascal (Irdens Exantus), ein ernsthafter Zwanzigjähriger aus Haiti mit einem Kopf voller politischer Theorie, zu einem Praktikum in Guibords winzigem Büro, Koffer in der Hand. Dann endet Guibord mit der entscheidenden Abstimmung im Parlament, um zu bestimmen, ob Kanada in den Krieg ziehen wird. Abrupt ins nationale Rampenlicht gerückt, Guibord ist zerrissen, als die Abstimmung seine Wähler und seinen Haushalt spaltet. Guibord stützt sich auf Souverain, während diese beiden Fische aus dem Wasser durch die Absurditäten der kanadischen Politik navigieren und versuchen, das Richtige zu tun.

Falardeau handelt eher mit liebevollen Karikaturen als mit zweidimensionalen Stereotypen und präsentiert sympathische Darstellungen gegensätzlicher Ansichten, obwohl klar ist, wie sich der Film fühlen soll. Die einzige Sünde in diesem Film ist Zynismus: Verachtung ist dem seltsam vertrauten Premierminister (Paul Doucet) vorbehalten, der kahles politisches Deal-Brokering mit erzwungenen Klavierabenden abwechselt. (Dieser Film wurde zu einer Zeit gedreht, als scheinbar das einzige, was die Kanadier vereinte, Stephen Harper nicht mochte. Souverains Optimismus ist ansteckend und belebt sowohl den abgestumpften Guibord als auch das Publikum. Mein Praktikum in Kanada ist eine schaumige, lustige, großzügige Freude.

Patricia Rozemas Mundstück (2019) ist etwas intensiver und kraftvoller — wenn auch in Momenten genauso lustig. Sie deckt drei Tage mit zwanzig Torontonian Cassandra ab, deren Leben durch den plötzlichen Tod ihrer Mutter auf den Kopf gestellt wird. Als Cassandra mit dem Fahrrad durch Toronto fährt, um Vorräte für die Beerdigung zu besorgen (und es zu vermeiden, die Laudatio zu schreiben), merkt sie langsam, wie viel von ihrem eigenen Leben als Reaktion auf ihre Mutter gelebt wurde — und wie sehr die Entscheidungen ihrer Mutter durch das Patriarchat, das sie umgibt, eingeschränkt wurden.

Was ihn von einer beizenden, bittersüßen Komödie zu einem wahrhaft außergewöhnlichen Arthouse-Werk katapultiert, ist seine Einbildung: in diesem ansonsten realistischen Film wird Cassandra von zwei Schauspielern (Amy Nostbakken und Norah Sadava) gespielt, die oft nebeneinander agieren. Die Schauspieler wechseln sich ab, parallel zueinander und interagieren und zeigen uns die Konturen von Cassandras internem Konflikt. Cassandra ist eine Person und daher viele Dinge auf einmal. Aber sie kann nur mit ihrer Trauer umgehen, wenn sie ihrer Mutter die gleiche innere Komplexität zuschreibt.

Ein ausführliches Interview mit Rozema, Sadava und Nostbakken erscheint in unserem kommenden ebook The 2019 Canadian Cinema Yearbook.

Courtney Small (@SmallMind), Filmkritikerin, Cinema Axis

In einem Jahrzehnt mit so vielen wunderbaren kanadischen Filmen kann ein Film wie Firecrackers leicht unter den Radar geraten. Jasmin Mozaffaris elektrisierendes Debüt traf jedoch einen Nerv bei mir, den ich noch nicht erschüttert habe. Durch die Augen zweier junger Frauen konstruiert Mozaffari eine blasige Untersuchung toxischer Männlichkeit. Firecrackers zeichnet ein Porträt darüber, wie Armut, Geschlecht und Rasse die Art und Weise beeinflussen, wie Privilegien gefördert und ermöglicht werden. Während der Film Vergleiche mit den Werken von Andrea Arnold gezogen hat, Mozaffari erweist sich als eigenständige und einzigartige Stimme im Kino, die für Jahrzehnte glänzen wird.

Ein Interview mit Regisseurin Mozaffari und ihrer Hauptdarstellerin erscheint in unserem kommenden eBook, dem Canadian Cinema Yearbook 2019.

Justine Smith (@RedRoomRantings), Filmkritikerin

Genèse ist ein verträumter und transgressiver Coming-of-Age-Film, der das konventionelle Erzählkino neu definieren will.

1. Genèse (Philippe Lesage, 2018)
2. Tu Dors Nicole (Stéphane Lafleur, 2014)
3. Nuit #1 (Anne Émond, 2010)
4. Eine gefährliche Methode (David Cronenberg, 2011)
5. La part du diable (Luc Bourdon, 2017)

In unserem kommenden Ebook, dem Canadian Cinema Yearbook 2019, interviewt Justine Lesage, porträtiert den Star des Films, Théodore Pellerin, und interviewt den Herausgeber (das erste Mal, dass ein Interview mit ihm auf Englisch erschienen ist). Bestellen Sie Ihr Exemplar hier vor.

Orla Smith (@OrlaMango), Executive Editor, Seventh Row

(Ehrenkanadier, aufgrund seiner Arbeit bei Seventh Row)

Ich wähle ein Paar Filme aus, Patricia Rozemas Mundstück (2018) und Sarah Polleys Take This Waltz (2011), beide zu exquisit, um zwischen ihnen zu wählen.

Mundstück ist der beste Film, den ich dieses Jahr gesehen habe. Hergestellt von einem fast ausschließlich weiblichen Team, sowohl hinter als auch vor der Kamera, gelingt es ihm, innerhalb der Grenzen einer intimen Charakterstudie mutig und innovativ zu sein. Die Hauptfigur Cassandra wird gleichzeitig von zwei verschiedenen Schauspielerinnen gespielt (Amy Nostbakken und Norah Sadava, die beide das Drehbuch mitgeschrieben haben). Der Film ist eine bewegende Erkundung von Cassandras äußerer und innerer Reise, während sie sich auf die Beerdigung ihrer Mutter vorbereitet.

Während Sarah Polleys Geschichten, die wir erzählen, ihr mehr gelobtes Feature in diesem Jahrzehnt ist (und aus gutem Grund ist es brillant), muss mein Favorit von ihr Take This Waltz sein. Der Film sieht wunderschön aus, mit blendend heller, versunkener Kinematographie. Es ist oft ein ziemlich warmer und lustiger Film, aber es ist auch ziemlich verheerend. Michelle Williams ‚Margot ist eine Frau, die zwischen zwei Männern steckt: einer ein aufregender und mysteriöser potenzieller Liebhaber, der andere ihr mehrjähriger Ehemann. Anstatt dem Rom-Com-Klischee zu folgen, der Ehemann sei gefühllos und der Liebhaber eine idyllische Alternative, Der Film tritt viel trübes moralisches Wasser. Margots Mann ist absolut reizend, und sie sind sehr glücklich zusammen. Die unangenehme Wahrheit ist, dass welcher Mann auch immer sie wählt, Sie wird von dem nicht eingeschlagenen Weg heimgesucht. Es ist ein Film, der in anderen Händen langweilig und zuckerhaltig hätte sein können, aber Polley führt die Prämisse an Orte, die psychologisch faszinierend und kompromisslos sind.

Ein ausführliches Interview mit Rozema, Sadava und Nostbakken erscheint in unserem kommenden ebook The 2019 Canadian Cinema Yearbook.

Alexandra West (@ScareAlex), Filmjournalistin

Kanada ist seit langem für seine unheimliche Fähigkeit bekannt, sich im Horror-Genre zu übertreffen. Von Black Christmas (Bob Clark, 1974) bis Prom Night (Paul Lynch, 1980), von The Fly (David Cronenberg, 1986) über Cube (Vincenzo Natali, 1997) bis Pontypool (Bruce McDonald, 2008) sind wir Kanadier großartig darin, mit den tiefsitzenden Ängsten des Publikums zu spielen und atmosphärische Schüttelfrost zu erzeugen.

Nach seinem hervorragenden Debüt Backcountry (2014) kombiniert Adam MacDonalds zweiter Film Pyewacket gekonnt die unheimliche Paranoia eines jungen Cronenberg und die unheimliche Energie von Sam Raimi zu einer einzigartig dunklen Coming-of-Age-Geschichte. Als Leah (Nicole Muñoz) wie die meisten Teenager zunehmend im Widerspruch zu ihrer Mutter (Laurie Holden) steht, ruft sie den Dämon Pyewacket herbei, um sich um ihre monströse Mutter zu kümmern. Es beginnt bald sehr schnell sehr schief zu gehen.

MacDonald füllt seinen Bildschirm mit einer unheimlichen, holzigen Leere, während er eine einfache, aber komplizierte Erzählung fährt und das Publikum wagt, Blickkontakt mit dem Bildschirm zu halten, während die Gefahr näher rückt. Die meisterhafte Kontrolle von MacDonald und Crew über die Mise en Scène ermöglicht es Pyewacket, als charaktergetriebenes Stück zu fungieren, das sich vital, vertraut und aufregend anfühlt und gleichzeitig unsere Angst vor dem, was in der Nacht passiert, und die Bindungen, die uns verbinden, untersucht. Pyewacket wird Sie dazu bringen, sich um seine Charaktere zu kümmern, und Ihnen dann Albträume bereiten, die Sie nicht so schnell vergessen werden.

Addison Wylie (@AddisonWylie), Filmkritiker, schreibt Wylie

Der Filmemacher Jay Cheel erzählt eine Geschichte der Synchronizität beim Bau einer Zeitmaschine. Die beiden Themen des Dokumentarfilms (Animator Rob Niosi und theoretischer Physiker Ron Mallett) sind zwei sehr unterschiedliche Menschen, aber sie teilen eine Verbindung durch ihre Obsession mit HG Wells ‚The Time Machine — binden direkt an jedes ihrer primären Ziele im Leben. How to Build a Time Machine handelt von der Kraft fantasievoller Konzepte und wie sie uns zu dem machen können, was wir heute sind. Dieser perfekte Film erweitert und verändert sogar unsere Vorstellungen von Leidenschaft und Wahnsinn.