melhor filme canadense da década Survey

como parte de nossa celebração do Cinema canadense que levou ao lançamento do Canadian Cinema Yearbook de 2019, pedimos aos críticos e cineastas Canadenses para pegar o seu filme canadense favorito da década e nos dizer por que. Esta lista é uma grande visão geral de alguns dos melhores filmes canadenses da década.

It’s not a coincidence that so many of these picks feature 2019 films, a landmark year for Canadian cinema. Alcançar alguns desses filmes e mais, tomando o desafio do Cinema canadense e preparar-se para mergulhar profundamente nos melhores filmes de 2019 (e da década!) ao pré-encomendar a sua cópia do nosso próximo ebook, O anuário de cinema Canadiano de 2019.

elegibilidade: Qualquer filme que teve sua estréia mundial entre 2010 e 2019 e foi feito por cidadãos canadenses e/ou residentes permanentes (mas não necessariamente no Canadá).

Sonya Ballantyne (@Honey_Child), cineasta

meu filme canadense favorito dos últimos dez anos é Goon. Foi uma escolha difícil, pois havia muitas boas escolhas, como encontros graves (the Vicious Brothers, 2011), Rebelle (Kim Nguyen, 2012), Angry Inuk (Alethea Arnaquq-Baril, 2016), e nascimento de uma família (Tasha Hubbard, 2017). Mas eu escolhi Goon porque é grosseiro, é sangrento, e é tão engraçado! Por muito tempo, Filmes Canadenses, para mim, sempre foram sinônimos de “chato”.”O Goon deixa-nos ser grosseiros e vulgares. Além disso, o facto de ter sido filmado em Winnipeg e ter uma cena da minha irmã a gritar na arena fica durante o jogo da equipa principal contra uma equipa de Quebec também ajuda.

Bill Câmaras (@FlmFrkCentral), o Editor de Filme Freak Central

Meus dois favoritos Canadense de filmes da década de são Carlo Guillermo Proto Ressuscitando Hassan e Jason Buxton do Melro; o primeiro é um documentário, e o último, sente-se dolorosamente plausível. O ressurgimento de Hassan segue os danos, uma família de transeuntes baseada em Montreal: Padre Dennis, mãe Peggy e filha Lauviah. Os três estão cegos. Havia um segundo filho, Hassan, que se afogou aos seis anos (ele não era cego). A proto matter-of-factly documenta a sua vida familiar e profissional e as viagens entre elas, a forma como se coordenam quando se trata de realizar tarefas mundanas, tornando-se essencialmente uma. Mas a perda de Hassan claramente deixou fissuras em seu relacionamento, com Peggy traindo Dennis emocionalmente, se não fisicamente (ainda), e Lauviah parecendo isolado em cenas com seu gato. O Dennis e a Peggy estão à procura de uma pata de macaco para voltar a juntar tudo e acreditam que a encontraram nos ensinamentos do Grigory Grabovoy, um curandeiro russo cujas teorias bizarras convencem que o Hassan pode ser trazido dos mortos. As variáveis aqui são únicas, no mínimo, mas as emoções são universais. Ressurrecting Hassan é um filme inspirado e devastador sobre um tema de estimação do cinema canadense: o luto, que prova um fardo intransponível até mesmo para os danos, que vivem vidas de constante adaptação. Não se passa uma semana que não me pergunte como estão.= = Sinopse = = Blackbird é sobre um garoto Gótico tímido e inofensivo chamado Sean (Connor Jessup) que lamenta a cultura esportiva em torno da qual sua escola e cidade natal gira. (Até o pai conduz o Zamboni na pista local. Sean desabafa em uma fantasia de Columbine que ele posta na web, no calor do momento, e logo se encontra em um centro de detenção juvenil ao lado de criminosos violentos. Disse com uma rara mistura de humanidade e processual clareza que lembra a tarde, grande cineasta Britânico Alan Clarke (que frequentou a escola de cinema no Canadá), Melro sente-se essencialmente Canadense em juntar-se e elevando-se acima das fileiras da escola de filmes tiro, sem disparar uma única bala no ecrã, bem como em sua sutil crítica da nossa tendência para a sobre-prémio de atletas e de aptidão física, para o ponto onde até mesmo uma cidade pequena sala de audiências começa a parecer como uma arena, onde aqueles com o poder tem de impressionar. Quando o Sean recebe uma ordem de restrição com 47 nomes, são 47 pessoas que podem roubá-lo da sua liberdade por capricho; quem é suposto ter medo de quem, novamente?

Anne Émond (@LaAnneEmond), Cineasta

eu escolhi Les démohttps://sétimo linha.com/2016/03/29/philippe-lesage-demônios/ns, o primeiro filme de ficção por Philippe Lesage. Para mim, é um dos filmes mais brilhantes sobre a infância já feitos. É assustador, é engraçado, é profundo, é perigoso, é de Partir o coração. É a vida, condensada.

Alex Heeney (@BWestCineaste), Editor-em-Chefe, a Sétima Linha

Sarah Polley no filme é mais criativo de não-ficção de documentário: um filme sobre a descoberta e a desembalagem sua história familiar, que é projetado para chamar a nossa atenção para a arte de contar histórias no cinema. Encenações que se sentem como vídeos caseiros podem ser confundidos com fatos, e entrevistas com várias pessoas na família revelam muitas vezes perspectivas conflitantes. Polley nos permite ver-se no quadro com uma câmera ou em diálogo direto com seus sujeitos, como um lembrete de que ela não só está escolhendo as perguntas e dirigindo as conversas, mas também curando as filmagens e como ele é apresentado. Muitas pessoas contam suas histórias neste filme; Polley tem a palavra final na sala de corte.

como adaptação do palco ao ecrã, o bocal já é uma maravilha: o modo como a ação é definida especificamente em reconhecível Toronto assombra, o essencial closes revelando os personagens de ” vulnerabilidade, e os flashbacks que se sentem tão reais que você se esqueça de que as atrizes que jogar crescido Cassandra (Amy Nostbakken e Norah Sadava) foram raramente no mesmo quarto em que sua mãe (Maeve Beatty). E, no entanto, este filme é muito mais: uma declaração feminista sobre o que significa ser uma mulher moderna, os sacrifícios feitos pela carreira e pela família, os sentimentos conflitantes de ser uma mulher heterossexual que não quer ser controlada pelo patriarcado, a maneira como as mulheres especialmente polícia e executar por si mesmas, e a natureza incapacitante da dor. Mas eu acho que seu maior poder vem do conceito principal do filme: Cassandra é interpretada por duas atrizes, uma literalização física de seu auto — sincronismo conflituoso, às vezes, e ativamente combativo em outros. Falei duas vezes sobre o porta-voz no podcast da Sétima fila e entrevistei a Directora Patricia Rozema e os seus co-escritores e estrelas Norah Sadava e Amy Nostbakken. E vou pensar e reescrever este filme para os próximos anos.Menções honrosas: a sátira política hilariante e brilhante de Philippe Falardeau, possivelmente a primeira do Canadá no cinema, o meu estágio no Canadá, fez-me rir mais do que quase qualquer outro filme esta década, desafiando-me a pensar tanto na natureza da democracia como nas especificidades Canadianas. Rimas para jovens Ghouls é um olhar divertido, horrível e visceral para o sistema escolar residencial, um filme com imagens que ainda me assombram anos mais tarde, e me ajudou a entender esta atrocidade de uma forma que as lições de história nunca fizeram. E os nossos entes queridos da Anne Émond impressionaram-me com a sua representação não só de ciclos de luto, mas da forma como o toque mantém uma família unida e nos liga à nossa existência física.

mouthpipe is featured in our next ebook on Canadian Cinema, The 2019 Canadian Cinema Yearbook. Pré-encomenda aqui a tua cópia.

Chris Knight (@ChrisKnightFilm), Chefe de Crítico de Cinema, National Post

lembro-me de estar espantada, engajados e, finalmente, mudou-se (às lágrimas!) by Sarah Polley’s intensely personal yet ultimately universal documentary Stories We Tell. Simplificando, é a história da busca de Polley por seu pai biológico, depois de saber que o homem que a criou não era. Mas há muito mais aqui-como a mitologia da família é elaborada e trabalhada ao longo de gerações, como uma verdade gera outros, e até mesmo como a edição (seja de nossas memórias ou de nossos filmes) ajuda a moldar as narrativas de nossa existência. Tentando resumir esta experiência gloriosa, escrevi em minha resenha na época: “no oceano da verdade, estamos sempre caminhando pela água, nadando pelas nossas vidas.”

mas escolher um filme canadense “favorito” é uma tarefa difícil. O canadá produz grande docs grandes (Antropoceno, Jennifer Baichwal, Edward Burtynsky, & Nicholas de Pencier, 2018) e pequeno (A Mulher Que Ama Girafas, Alison Reid, 2018), fabuloso francês-Canadense dramas como Tu Dors Nicole (Stéphane Lafleur, 2014) ou o Café de Flore (Jean-Marc Vallée, 2011), contundente sci-fi, como a recente Nível de 16 (Danishka Esterhazy, 2019), excelente comédias (sempre um apreciadas gênero) como F Word ” (Michael Dowse, 2013) e do Projeto de Avalanche (Matt Johnson, de 2016), e poderoso Primeiras Nações histórias como o fio da Navalha (Helen Haig-Brown & Gwaai Edenshaw, 2018), filmado inteiramente na língua Haida. Para não falar do trabalho dos diretores canadenses no palco mundial, Meus filmes favoritos de três dos últimos quatro anos incluíram o trabalho de Denis Villeneuve — Sicario (2015), Chegada (2016), e Blade Runner 2049 (2017). Somos uma nação abençoada com riquezas cinematográficas.

entrevistas com os cineastas por trás do Antropoceno e Edge of the Knife aparecem em nosso próximo ebook, O Canadian Cinema Yearbook de 2019.

Joe Lipsett (@BStoleMyRemote), Jornalista De Cinema, QueerHorrorMovies.com

se há um director que exemplifica o novo cinema canadiano, é Denis Villeneuve. O roteirista-diretor de Quebec tem quebrado grande na cena internacional nos últimos anos, mas seus filmes sempre foram emblemáticos da tensão entre momentos íntimos, motivados pelo caráter e sequências de ação bombástica em grande escala.

Incendies é um filme de referência tanto na carreira de Villeneuve quanto no cinema canadense. É o último “verdadeiramente” filme canadense que o diretor fez antes de ir para Hollywood (yes, Enemy (2013) é em pequena escala, mas ainda é estrelado por Jake Gyllenhaal mega estrela dos EUA).

Incendies conta a história de irmãos gêmeos que viajam para o oriente médio para descobrir sua própria história; é um precursor para a tarifa mais mainstream de Villeneuve, na medida em que apresenta cenas de tortura, tensão e explosões. Permanece no seu coração, no entanto, um filme sobre a procura de identidade — uma noção essencialmente Canadiana que é cozida na estrutura de quebra-cabeças do filme, bem como o seu estatuto como uma co-produção com a França e a sua abordagem multilingue ao diálogo (inglês, francês e árabe). É um filme político chocante, gráfico e sensível em igual medida. Incendies prova que Polytechnique (2009) não foi um acaso; o filme acabaria por ser a primeira indicação Canadense na categoria de Melhor Filme Estrangeiro nos Óscares em quase meia década.

Pat Mullen (@CinemaBlogrpher), Online Co-Editor, POV Revista

não Há um melhor exemplo da necessidade de contar a nossa própria história de Sarah Polley do documentário, Histórias que contamos. O filme profundamente pessoal, trazido à vida pelo desejo de Polley de tomar posse da narrativa quando um segredo de família arriscou a exposição, medita sobre a pessoa certa tem que contar a história de outro. Enquanto Polley aprofunda sua história familiar, o filme interroga as variações da verdade que surgem quando as memórias são fragmentadas e refratadas ao longo do tempo.

Polley empurra as barreiras do documentário, executando com a sugestão da produtora Anita Lee para estender a história de uma família para o ato coletivo de contar histórias. Esta mudança de forma joga com a percepção e noções de verdade e ficção — e a suposta verdade autêntica do documentário — para entender melhor a família Polley pensou que ela sabia como perspectivas de festas investidas e jogadores periféricos peça juntos a história da mãe de Sarah, Diane, e seu pai biológico.

no topo das camadas de entrevistas e a narração jovial de Margaret Atwood, infundida pelo pai de Polley, Michael, histórias que contamos cria um jogo de memória Caleidoscópica com imagens de arquivo e recriações perfeitamente misturadas. O puzzle de Polley desafia o nosso desejo de narrativas limpas, bem como a presumível autoridade e factualidade do documentário. Mais impressionante do que a destreza formal do filme e sua interação entre verdade e ficção, no entanto, é o laço puro e honesto do amor familiar que une os contadores de histórias como Polley e sua família explorar um conto que poderia facilmente dividi-los. Quem disse que todas as famílias felizes são iguais?Menções honoráveis: Incendies, Mamãe (Xavier Dolan, 2014), O pedido de Desculpas (Tiffany Hsiung, De 2016), Les affamés (Robin Aubert, 2017), O Quarto Proibido (Guy Maddin e Evan Johnson, 2015)

Brett Pardy (@AntiqueiPod), Editor Associado, a Sétima Linha

Métis escritor Chelsea Vowell escreveu “eu acredito fortemente que todos os adultos que vivem no Canadá deveria assistir a esse filme (apesar de existirem mais de gatilho avisos para este filme, que eu posso contar, então por favor, tome cuidado)”porque era um “um vislumbre de algo que nenhum de nós realmente quer ver, mas tem de enfrentar.”Em um tempo em que a arte política é tão didática, rima para jovens Ghouls se destaca por seu brilhante uso da linguagem cinematográfica de gênero, misturando horror, vingança grindhouse, e imagens pós-apocalípticas para expressar o horror muito real do colonialismo do Canadá. O que distingue Rima de muitos filmes de “fantasia de vingança” é que ele permanece consciente de como a violência afeta personagens e produz e reproduz traumas que fluem através de gerações.

C. J. Prince (@CJ_Prin), crítico de cinema

é provavelmente uma escolha básica, mas estaria a mentir se não escolhesse o quarto proibido como o meu filme canadiano preferido da década. Guy Maddin e Evan Johnson refilmaram filmes perdidos dobram-se, torcem-se e distorcem-se para transformar o cinema em um organismo vivo, respirando, pulsando existente através do tempo. É hilariante, extenuante e plenamente consciente de tudo o que é único no filme que o torna tão fantástico. Mas eu prefiro usar o resto deste espaço para promover os outros Canadense de títulos, os quais são ótimos e devem ser procurados: Invenção (Mark Lewis, 2015), Nossos Entes Queridos (Anne Émond, 2015), Tu Dors Nicole, e o Primeiro Listras (Jean-François Caissy, 2018).

um ensaio sobre First Stripes e uma entrevista com o diretor aparecem em nosso próximo ebook, O Yeabook do cinema canadense de 2019.

Sophy Romvari (@SophyRomvari), Cineasta

Inegavelmente, é preciso um certo nível de coragem e definitiva de uma quantidade de risco para fazer um filme que é realmente introspectiva. Quando o equilíbrio correto entre distância formal e autenticidade emocional é atingido, evoca um tipo especial de empatia no espectador. Pessoalmente, considero este tipo de trabalho muitas vezes as experiências cinematográficas mais gratificantes. Dois exemplos que me vêm à mente quando olho para trás nos últimos dez anos do cinema canadiano são o Deus de Joële Walinga endireita as pernas e o maníaco de Kalina Bertin.

em ambos os casos, estes filmes são características de estreia, o que é ainda mais surpreendente. Ambos os filmes olham para o trauma dentro do quadro da própria família do cineasta e contam histórias que são cativantes, compassivos, e incansavelmente honestos. Deus endireita as pernas é uma história sobre a mãe do cineasta, que está resistindo ao tratamento convencional do câncer devido às suas crenças religiosas, mas nunca há um grama de julgamento. O filme está cheio de amor, mistério e um elemento maravilhoso de fantasia. Maníaca, por outro lado, é uma revelação épica dos segredos da família, e uma representação crua da doença mental trans-geracional, mas também é extremamente tenra e paciente. A doença Mental é, é claro, muitas vezes sensacionalizada e pode levar a mais estigmatização, mas maníaca faz o consentimento e a colaboração parte do próprio tecido tecido na sua representação dessas experiências difíceis, Humanizando-as de uma forma que raramente é alcançada. Sinto-me humilhado e habilitado a ter ambas as mulheres como modelos a seguir no meu próprio país.

Mary Angela Rowe (@LapsedVictorian), Editora em geral, sétima fila

meu estágio no Canadá não teve crédito suficiente. Era demasiado canadiano para os telespectadores internacionais, que questionavam a sua suave marca de comédia, mas o público canadiano também não se juntava a ela. Toda a gente perdeu, porque este filme é um pássaro raro.: uma farsa política que dá dentadas sem desprezo, um envio de uma pequena cidade do Canadá que não é tacanha, e uma comédia de casal estranho onde ninguém fica preso sendo o homem hetero. Também é hilariamente engraçado, e incrivelmente canadiano.

o deputado de Quebec Steve Guibord (Patrick Huard) é um pequeno deputado de um distrito rural de Quebec, cuja rotina sonolenta é quebrada por duas chegadas. Em primeiro lugar, Souverain Pascal (Irdens Exantus), uma coisa séria e vinte do Haiti, com uma cabeça cheia de Teoria Política, chega ao minúsculo escritório de Guibord, mala na mão, para um estágio. Em seguida, Guibord acaba com o voto decisivo no Parlamento para determinar se o Canadá vai para a guerra. Empurrado abruptamente para a ribalta nacional, Guibord está dividido enquanto a votação divide seus eleitores e sua casa. Guibord encontra-se inclinado em Souverain para orientação enquanto estes dois peixes fora de água navegam pelos absurdos da política canadense e tentam fazer a coisa certa.Falardeau comercializa Caricaturas afetuosas em vez de estereótipos bidimensionais, apresentando representações simpáticas de visões opostas, embora seja claro como o filme quer que nos sentamos. O único pecado neste filme é o cinismo: o desprezo é reservado para o estranhamente familiar primeiro-ministro (Paul Doucet), que alterna a calva corretagem política com recitais de piano forçados. (Este filme foi feito em uma época em que aparentemente a única coisa que unia os canadenses era não gostar de Stephen Harper. O otimismo de Souverain é contagiante, revigorando tanto o guibord cansado quanto o público. O meu estágio no Canadá é uma delícia espumante, engraçada e generosa.

o porta-voz de Patricia Rozema (2019) é algo mais intenso e mais poderoso — embora em momentos, tão engraçado quanto. O porta-voz cobre três dias com vinte e tal Cassandra Torontónica, cuja vida é suportada pela morte súbita da sua mãe. Enquanto Cassandra bicicletas em torno de Toronto obtendo Suprimentos para o funeral (e evitando escrever o elogio fúnebre), ela lentamente percebe o quanto de sua própria vida tem sido vivida em reação a sua mãe — e quanto as escolhas de sua mãe foram restringidas pelo patriarcado em torno deles.O que catapulta o porta-voz de uma comédia mordente e agridoce a uma obra verdadeiramente excepcional da casa de arte é o seu conceito: neste outro filme realista, Cassandra é interpretada por dois atores (Amy Nostbakken e Norah Sadava), muitas vezes atuando lado a lado. Os actores alternam, paralelos uns aos outros, e interagem, mostrando-nos os contornos do conflito interno de Cassandra. Cassandra é uma pessoa e, portanto, muitas coisas ao mesmo tempo. Mas ela só consegue lidar com a sua dor quando chega a atribuir a mesma complexidade interna à sua mãe.

uma entrevista estendida com Rozema, Sadava, e Nostbakken aparece em nosso próximo ebook The 2019 Canadian Cinema Yearbook.

Courtney Pequeno (@SmallMind), Crítico de Cinema, Cinema Eixo

Em uma década, com tantas maravilhosas Canadense de filmes, é fácil para um filme como Fogos de artifício para deslizar sob o radar. No entanto, a estréia eletrizante de Jasmin Mozaffari atingiu um nervo comigo que eu ainda tenho que tremer. Através dos olhos de duas jovens mulheres, Mozaffari constrói um exame intenso da masculinidade tóxica. Pintar um retrato de como a pobreza, o gênero, e a raça tudo fator para as formas como o privilégio é fomentado e habilitado, fogos de artifício é igualmente cativante e poderoso. Enquanto o filme tem feito comparações com as obras de Andrea Arnold, Mozaffari prova ser uma voz distinta e única no cinema que está definido para brilhar por décadas vindouras.

uma entrevista com a diretora Mozaffari e sua atriz principal aparece em nosso próximo ebook, O anuário do Cinema canadense de 2019.

Justine Smith (@RedRoomRantings), o Crítico de Cinema

Genèse é um sonhador e transgressivo vinda da idade, um filme que procuram redefinir o cinema narrativo convencional.

1. Genèse (Philippe Lesage, 2018)
2. Tu Dors Nicole (Stéphane Lafleur, 2014)
3. Nuit #1 (Anne Émond, 2010)
4. Um Método Perigoso (David Cronenberg, De 2011)
5. de La part du diable (Luc Bourdon, 2017)

Em nosso próximo ebook, A 2019 Cinema Canadense Anuário, Justine entrevistas Lesage, perfis, a estrela do cinema, Théodore Pellerin, e entrevistas com o editor (a primeira vez que uma entrevista com ele já apareceu em inglês). Pré-encomenda aqui a tua cópia.

Orla Smith (@OrlaMango), Editor Executivo da Sétima Linha

(Honorário do Canadá, por força de trabalho na Sétima Linha)

eu estou escolhendo um par de filmes, Patricia Rozema do Bocal (2018) e Sarah Polley é Levar Este Valsa (2011), muito bonito para escolher entre.O bocal é o melhor filme que já vi este ano. Feita por uma equipe de quase todas as mulheres, tanto atrás como na frente da câmera, ela consegue ser ousada e inovadora dentro dos limites de um estudo íntimo de caráter. A personagem principal, Cassandra, é interpretada simultaneamente por duas atrizes diferentes (Amy Nostbakken e Norah Sadava, que ambos co-escreveram o roteiro). O filme é uma exploração comovente da viagem externa e interna de Cassandra enquanto ela se prepara para o funeral de sua mãe.Enquanto as histórias de Sarah Polley que contamos é a sua característica mais elogiada nesta década (e por uma boa razão, é brilhante), a minha favorita dela tem de ser esta Valsa. O filme parece lindo,com uma fotografia Brilhante e ensolarada. É muitas vezes um filme quente e engraçado, mas também é bastante devastador. Margot de Michelle Williams é uma mulher presa entre dois homens: um um amante excitante e misterioso, O Outro seu marido de vários anos. Em vez de seguir o cliché rom-com de ter o marido insensível e o amante uma alternativa idílica, o filme trepa muito mais obscura água moral. O marido da Margot é adorável e são muito felizes juntos. A verdade desconfortável é que qualquer homem que ela escolha, ela será assombrada pelo caminho não tomado. É um filme que, em outras mãos, poderia ter sido chato e sacarina, mas Polley leva a premissa para lugares que são psicologicamente fascinantes e intransigentes.

uma entrevista estendida com Rozema, Sadava, e Nostbakken aparece em nosso próximo ebook The 2019 Canadian Cinema Yearbook.

Alexandra West (@ScareAlex), Jornalista de cinema

Canadá tem sido conhecida por sua incrível capacidade de se destacar no gênero horror. De Black Christmas (Bob Clark, 1974) a Prom Night (Paul Lynch, 1980), de The Fly (David Cronenberg, 1986) a Cube (Vincenzo Natali, 1997) a Pontypool (Bruce McDonald, 2008), nós canadianos somos ótimos em tocar com os medos profundos do público e entregando calafrios atmosféricos.

depois de sua excelente estreia no Backcountry (2014), o segundo filme de Adam MacDonald, Pyewacket, habilmente combina a paranóia misteriosa de um jovem Cronenberg e a energia sinistra de Sam Raimi para criar uma história de vinda de idade exclusivamente escura. Enquanto Leah (Nicole Muñoz) cresce cada vez mais em desacordo com sua mãe (Laurie Holden), como a maioria dos adolescentes fazem, ela convoca o demônio Pyewacket para lidar com sua mãe monstruosa. Em breve começa a correr muito mal, muito rapidamente. MacDonald enche sua tela com um estranho vazio enquanto conduz uma narrativa simples, mas intrincada, desafiando o público a manter contato visual com a tela à medida que o perigo se aproxima. O controle magistral de MacDonald e crew do mise en scène permite que Pyewacket funcione como uma peça de caráter que se sente vital, familiar e emocionante ao examinar o nosso medo do que vai bater na noite e os laços que nos ligam. O Pyewacket vai fazer-te preocupar com as personagens, e depois dar-te pesadelos que não esquecerás em breve.

Addison Wylie (@AddisonWylie), Crítico de Cinema, Wylie Escreve

Cineasta Jay Cheel conta uma história de sincronicidade em Como Construir uma Máquina do Tempo. Os dois temas do documentário (O animador Rob Niosi e o físico teórico Ron Mallett) são duas pessoas muito diferentes, mas eles compartilham uma conexão através de sua obsessão com a máquina do tempo de H. G. Wells — ligando diretamente a cada um de seus objetivos primários na vida. Como construir uma máquina do tempo é sobre o poder dos conceitos imaginativos e como eles podem nos moldar em quem somos hoje. Este filme perfeito expande, e até muda, as nossas ideias de paixão e loucura.