Caitlin Doyle é um poeta cujos reconhecimentos recentes incluem a Amy Prêmio de Poesia através de Poetas & Escritores a Revista, uma Tennessee Williams Bolsa de estudos na poesia através da Sewanee Escritores Conferência, 2012 ALSCW Comunhão (Associação dos Estudiosos da literatura, Críticos e Escritores) para Vermont Studio Center e um Subsídio Literário na Poesia através da Elizabeth George Fundação. Sua poesia apareceu ou está disponível em várias publicações, incluindo The Atlantic, The Threepenny Review, Boston Review, Black Warrior Review, Measure, Best New Poets 2009 e The Warwick Review. Ela também tem um fundo profissional em filmes e roteiros, tendo escrito e dirigido curtas-metragens exibidas em vários festivais. A Sra. Doyle está a trabalhar para a conclusão do seu primeiro manuscrito de poesia.Sua poesia, talvez em contraste com a prevalência do verso livre na poesia contemporânea, tem sido reconhecida por seu uso hábil de elementos formais como rima e métrica. Além da qualidade musical derivada da rima e da métrica, existem outras razões pelas quais você se sente atraído pelo formalismo? O que você diria para afirmar que uma dessas abordagens, verso livre ou poesia formal, é esteticamente superior à outra? Sim, há razões para além da musicalidade que me atraem para os elementos técnicos tradicionais da poesia. Afinal de contas, a rima e a métrica não têm uma pretensão inerentemente maior sobre o poder de produzir linguagem sonora do que qualquer das outras ferramentas disponíveis para um poeta. Poetas que escrevem “poesia formal” e “verso livre” têm muitas maneiras além do padrão Metrico e do emparelhamento de rimas-palavras para fazer um poema cantar. Exemplos incluem aliteração, assonância, a interação rítmica de sintaxe e comprimento de linha, e a mistura ressonante de vários registros de dicção. Eu coloquei as frases “poesia formal” e “verso livre” entre aspas porque, embora elas sirvam como terminologia para fazer uma distinção geral entre dois tipos de abordagens estéticas, eu compartilho a crença de muitos poetas que os Termos não têm nuance suficiente. O melhor” verso livre ” possui limitações formais e princípios orientadores, assim como a mais cativante “poesia formal” contém liberdade e inovação.Fazer a afirmação de que uma abordagem estética na poesia é inerentemente superior a outra é como argumentar que um instrumento em uma orquestra produz melhor música do que todos os outros instrumentos. Argumentar que, objetivamente falando, um violino cria um som maior do que uma viola ou um violoncelo é deixar de fora uma consideração chave: a realidade subjetiva de quem está tocando o instrumento e como ele ou ela está fazendo isso. Muito parecido com qualquer característica estrutural da linguagem escrita, como sintaxe ou métrica, um instrumento é uma ferramenta inanimada, não possuindo um grau intrínseco de valor até que alguém se envolva com ele. O que determina a qualidade da música não é o instrumento, mas a forma como ela é usada nas mãos de um indivíduo específico.
há uma citação do poeta Donald Hall que me parece fornecer uma estrutura iluminante para esta discussão: “a forma de verso livre é tão vinculativa e tão libertadora como a forma de um rondeau. Um rondeau é uma forma poética recebida com rigorosos requisitos estruturais que ditam a divisão de estrofes, o número de sílabas por linha, e o arranjo de rimas, entre outras coisas. O que eu admiro sobre esta citação É Que Hall não diz simplesmente “a forma de verso livre é tão vinculante como a forma de um rondeau.”Em outras palavras, ele não faz apenas questão de que o verso livre possui princípios formais. Ele também iniciativas que o verso livre é “como libertador, como forma de rondeau,” o que poderia parecer uma declaração surpreendente quando se considera que uma forma tão rigorosas como as rondeau não parecem, na superfície, para se qualificar como “libertadora.”Com esta afirmação, ele reconhece o senso de licença irrestrita que pode vir da escrita dentro de limites firmemente estabelecidos, a liberdade que pode ser encontrada quando se permite a forma para conduzir o conteúdo de um poema em direções inesperadas. Essencialmente, a citação de Hall destaca a forma como toda a boa poesia, seja verso livre ou poesia que usa elementos formais tradicionais, depende da tensão entre limitação e libertação.O seu verso livre é tão habilidoso como o seu trabalho formal. Estou a pensar particularmente no seu memorável ” Auto-Retrato com macacos “(a revisão de três páginas) e no seu poema lúdico e assombroso” If Siegfried and Roy Had Never Met ” (Black Warrior Review). Você acha que seu processo e suas tendências temáticas diferem em relação a se você está escrevendo versos livres ou poesia formal? Como segunda parte desta pergunta, você pode falar sobre como você veio a desenvolver sua atração por versos formais no contexto do mundo contemporâneo de poesia livre-verso dominante de hoje?Se estou compondo um poema em verso livre ou uma peça contendo elementos formais tradicionais, o meu processo é muito semelhante. O meu objectivo é encontrar um equilíbrio entre o controlo artístico e a abertura ao desconhecido, guiando a linguagem para os meus efeitos desejados, ao mesmo tempo que permite que a peça assuma a sua própria agência. Eu amo a forma como a estrutura e o conteúdo podem puxar uns contra os outros com uma tensão que acaba tomando ambos em direções inesperadas, uma experiência que é central para os meus métodos de trabalho. Sinto-me mais bem sucedido como poeta quando o meu produto final é algo que eu não poderia ter previsto ainda contém uma sensação do impulso emocional central que primeiro colocou a minha caneta em movimento.Quando se trata de tendências temáticas no meu verso livre e no meu trabalho que possui propriedades formais, sou frequentemente impulsionado por assuntos em torno dos espaços deixados na vida humana por uma ferida, uma falta, uma perda ou um sentimento de incompletude. Escrever sobre tais espaços na minha própria experiência e na vida dos outros, frequentemente a vida de figuras públicas bem conhecidas, galvaniza a minha caneta. Estou interessado em Explorar o papel de ambos os impulsos líricos e narrativos em alcançar para preencher esses espaços. Para responder à segunda parte da sua pergunta, nunca senti que houvesse um momento em que, conscientemente, optasse por possuir um interesse pelas características formais tradicionais da poesia. Como escritor, você é moldado pelo que lê, e como ser humano, você escolhe principalmente ler o que o atrai, um processo de seleção que nem sempre é explicável ou definível. Descobri que as inclinações estéticas de um escritor são muitas vezes tão inexplicáveis como qualquer outra inclinação na vida de um indivíduo, surgindo tanto da disposição natural como de outros factores motivadores. Porque é que alguém escolhe a bicicleta vermelha na loja em vez da amarela? Porque é que alguém ouve um determinado canal de rádio em vez de opções diferentes?
tenho sido atraído para os elementos formais tradicionais da poesia desde a infância, tendo começado minha vida de leitura com poetas ricos em rimas como Christina Rossetti, A. E. Housman, Edwin Arlington Robinson, e Edgar Allan Poe. Senti-me hipnotizado pela forma como estes escritores usavam os elementos formais tradicionais para combinar regularidade e surpresa, para criar uma interação dinâmica de repetição e variação, configurando a minha orelha para expectativas que às vezes se encontravam com satisfação e outras vezes se deparavam com subversões imprevisíveis. Claro que, naquela altura, não podia ter articulado esses efeitos com clareza absoluta, mas senti o seu grande poder.
seu fundo criativo inclui o trabalho no cinema, com seus curtas-metragens tendo sido mostrados em uma variedade de festivais. Eu estou interessado no fato de que você ensinou aulas de poesia que incorporam aspectos do filme no currículo; mais recentemente, como o escritor emergente residente na Universidade Estatal de Penn, você ensinou um curso que incorporou a escrita de tela e poesia. Você pode falar sobre a experiência de ensinar os dois gêneros juntos? Existe uma peça de cinema em particular que você acha útil quando se trata de ensinar aos alunos sobre o papel da imagem na poesia?
eu apreciei a oportunidade de projetar e ensinar um curso focado especificamente na poesia e na escrita na Penn State, porque eu sempre senti que os dois gêneros iluminam um ao outro de uma maneira vívida. Uma vez que os alunos tendem a ter muito mais experiência em assistir filmes do que em ler poemas, descobri que usar o filme como uma porta para a poesia permite que os alunos entrem nos rigores de linguagem finamente afinada de uma forma que se sente emocionante para eles. O filme fornece um recurso particularmente forte quando se trata de ensinar aos alunos sobre a centralidade da imagem na poesia, destacando a forma como os poetas muitas vezes usam imagens como seu método primário de transmitir significado e evocando respostas nas mentes e corações dos leitores. A noção de Ezra Pound da imagem como “aquilo que apresenta um complexo intelectual e emocional em um momento de tempo” realmente ganha vida para os estudantes quando assistem a um segmento de filme que cria seus efeitos narrativos, emocionais e tonais principalmente através da acumulação e justaposição de imagens cuidadosamente escolhidas. Quando se trata de identificar uma peça de cinema que é particularmente útil como uma lente através da qual discutir o papel da imagem na poesia, Eu acho uma breve sequência silenciosa de três imagens no filme m de Fritz Lang para ser muito eficaz. Levando até o segmento, Lang passa as cenas iniciais do filme criando tensão em torno do fato de que uma criança chamada Elsie não voltou para casa na hora regular após a escola. A mãe da criança fica cada vez mais nervosa à medida que as horas passam. Nós vemos como Elsie, que vem andando pela rua balançando uma bola, conhece um homem estranho que complementa sua bola e lhe compra um balão. Em seguida, a sequência silenciosa começa, com as seguintes três imagens em sucessão: um tiro de um prato de jantar vazio na mesa definida pela mãe de Elsie, um tiro da bola de Elsie rolando para fora dos arbustos e desacelerando para uma parada, e um tiro do balão de Elsie, que flutuou para fora de suas mãos, tornando-se ensnared em uma linha de energia. Eu enfatizo para os estudantes de poesia a forma como Lang não escolhe mostrar diretamente o estranho sequestrando a criança, mas evoca esse fato através de uma série de imagens ameaçadoras e carregadas que tornam o sequestro ainda mais afetante para os telespectadores. Nós verificamos através de apenas algumas imagens assombrosas tanto a realidade narrativa do que aconteceu e o teor emocional do evento. Descobri que os alunos entendem melhor a forma como a imagem funciona na poesia depois de ver este trecho de M.Apesar de eu ter tendência a ver o ditado de Escrita Criativa sempre comum “show-don’t-tell” como excessivamente limitante, porque muitos dos melhores poemas dizem bem como show, eu acho que a ideia básica de “mostrar” ao invés de “dizer” é importante para os poetas iniciantes assimilarem. Para esse fim, o filme fornece um veículo maravilhoso para ajudar um estudante a entender como criar idéias, emoções e experiências em vez de explicá-las.
há um monte de debates sobre como ensinar prosódia corretamente, que é o estudo da versificação (particularmente da estrutura metrical). Na verdade, é comum hoje para a maioria dos estudantes de inglês e Escrita Criativa passar por toda a sua escolaridade sem aprender prosódia. Você pode falar um pouco sobre sua própria educação em prosódia e dar alguns pensamentos sobre como você acha que pode ser mais eficazmente ensinado?
nenhum dos meus professores mais memoráveis de Inglês ou Escrita Criativa ensinou prosódia com um manual cheio de regras e termos métricos. Os melhores professores que eu raramente tinha dito as palavras “trochee”, “dactyl”, “catalexis” ou ” amphribach. Em vez disso, eles enfatizaram o poder da rima, métrica, e receberam formas pelo ato direto de nos expor a poemas superlativos que envolvem elementos formais tradicionais. Eu apurei muito mais sobre o uso hábil de rima e medidor por ter que ler, memorizar e recitar poemas de Thomas Hardy para a turma de Derek Walcott na escola de pós-graduação do que se eu tivesse feito um curso que focasse na terminologia de versificação e exercícios de digitalização.
é claro que não estou sugerindo que os jovens poetas não deveriam aprender a escanear poemas e como reconhecer e usar os Termos métricos apropriados. Eles certamente devem assumir a si mesmos para fazê-lo, quer buscando uma classe ou mentor que pode oferecer esse tipo de treinamento técnico ou aprendendo o material de uma forma auto-ensinada com a ajuda de alguns bons guias prosody (Alfred Corn ‘ s “the Poem’s Heartbeat” é um texto particularmente útil a esse respeito). Mas eu acho que, quando se trata de assimilar os princípios da Prosódia, em última análise, é mais útil para os alunos se concentrar em poemas reais do que em outras formas de instrução. A abordagem da minha melhor literatura e professores de escrita no ensino médio, faculdade, e além parecia confirmar o que minhas primeiras experiências de leitura tinha sugerido: a maneira mais eficaz e agradável de ganhar uma educação em componentes de arte da poesia é absorvê-los diretamente através da imersão nas obras de poetas poderosos. Em outras palavras, se você quer desenvolver a capacidade de envolver a herança formal tradicional da poesia com habilidade, Eu acho que sua melhor aposta é aprender de dentro para fora, habitando as palavras daqueles com verdadeira mestria formal – deixando os ritmos de sua linguagem entrar em sua mente, coração e corpo – ao invés de tentar aprender de fora através de materiais instrutivos. O importante não é que você possa ler Yeats’ entre as crianças da escola e dizer: “ele está escrevendo ottava rima stanzas, combinando pentâmetro iâmbico estrito com exemplos de variação métrica significativa, e empregando uma mistura de sujeira e linhas de fim parado.”O que importa é que você pode sentir os efeitos de suas decisões técnicas ressoando em seu núcleo. O que importa é que você pode registrar de forma visceral como as características formais do poema encarnam a tensão entre unidade e desunião na vida humana – e que você pode absorver dele um senso de como você pode usar as propriedades formais tradicionais da linguagem poética para moldar a experiência sensorial dos seus leitores de um poema. O seu poema “Paris”, que maravilhosamente considera o primeiro nome Europeu codificado de Paris Hilton, comparado com a mercantilização do seu sobrenome, parece sugerir que todos nós analisemos mais de perto a questão da herança e do privilégio. Em referência à classe e à poesia, o que lhe interessa ou o perturba no mundo da escrita e do ensino da poesia?
quando se trata de questões de classe no mundo da poesia, o que mais ocupa a minha atenção nestes dias é a situação financeira em torno da Cátedra adjunta. Um grande número de poetas emergentes pagam as contas, ocupando cargos adjuntos, geralmente ensinando aulas de composição inglesa ou cursos de Escrita Criativa. Na maioria das vezes, este tipo de posições implica um horário lotado, salários abismais, benefícios de saúde zero, e a ausência de uma voz em assuntos universitários. Não é incomum que os adjuntos ensinem mais do que uma carga a tempo inteiro, espalhados em vários campus, e ainda mal ganham um salário vivo. Considerando que os adjuntos em todos os campos compõem a maioria da faculdade universitária deste país, a falta de respeito institucional que lhes é oferecida, financeira e não, é uma realidade perturbadora. A fim de se tornar competitivo para oportunidades de tenure-track, poetas emergentes que trabalham como adjuntos devem reunir publicações de revistas notáveis e produzir livros, ainda que seu ensino e classificação carga é muitas vezes tão grande que eles não podem encontrar o tempo e a energia para a produção criativa. Custa-me pensar em quantos escritores dotados nos estágios emergentes se encontram continuamente atrofiados por este sistema. Seu status como membros de uma subclasse acadêmica super trabalhada e mal compensada resulta em um empobrecimento do ensino superior e também, potencialmente, da literatura do país. Não quero dramatizar a situação. A cátedra adjunta é apenas uma das muitas circunstâncias financeiras difíceis que impactam os jovens que optam por dedicar as suas vidas à escrita e só diz respeito àqueles que seguem uma carreira académica. É claro que tem sido difícil para a maioria dos escritores ao longo da história equilibrar fazer o trabalho criativo com o pagamento das contas, e quando se trata da busca da expressão artística, muitas pessoas têm vivido em condições muito mais limitantes do que aquelas enfrentadas pelo típico escritor emergente-adjunto-professor. Mas, no entanto, dado o grande número de jovens escritores brilhantes que atualmente ocupam cargos adjuntos, seja na esperança de um mandato de longo prazo ou apenas por causa de uma necessidade imediata de cobrir as despesas de vida, é difícil não sentir que as circunstâncias da Cátedra adjunta constituem um ponto importante de preocupação no mundo da poesia.Pensando na famosa frase de T. S. Eliot, “a ansiedade é a serva da criatividade”, que aspectos de escrever seu primeiro livro de poemas fazem você se sentir mais ansioso?
a minha resposta a esta pergunta está relacionada com a sua pergunta sobre questões de classe no mundo da poesia. O que me deixa mais ansioso ao moldar o meu primeiro livro é o fato de que, no que diz respeito às perspectivas de emprego no Reino Literário, há uma considerável quantidade de incentivo para um poeta emergente para lançar uma coleção completa tão rapidamente quanto ele ou ela pode geri-lo. Ter um livro publicado é particularmente importante quando se trata de encontrar uma posição de ensino universitário que oferece segurança financeira e a chance de avanço de posse-pista. Como resultado, os jovens poetas às vezes acabam apressando seus primeiros livros, a fim de alcançar um senso de estabilidade profissional, mais tarde lamentando quantidades significativas do trabalho que eles incluíram em suas coleções de estréia. Pode ser muito auto-limitante para sujeitar a maturação artística a uma cronologia artificial. Preocupo-me com as formas como a actual estrutura do mercado profissional no mundo da poesia pode dificultar o desenvolvimento gradual e laborioso de um conjunto particular de dons de um poeta. O que teria acontecido se Robert Frost ou Wallace Stevens, que publicaram seus primeiros livros em trinta e nove e quarenta e três sucessivamente, não tivessem permitido que seu trabalho progredisse em seu próprio ritmo? É importante para mim que eu resista às tentações profissionais e financeiras muitas vezes muito convincentes para publicar o primeiro livro rapidamente. Eu sinto que é essencial que eu produza a coleção de acordo com a minha própria linha do tempo interno, respeitando o fato de que eu não sou um escritor particularmente rápido. Os poemas tomam forma lentamente para mim. O que me interessa não é que o livro saia daqui a um ano, em vez de três anos. O mais importante é que me sinto confiante de que o manuscrito alcançou a sua mais completa fruição antes de procurar publicação para ele. Claro, pode ser tão prejudicial para adiar a publicação de uma coleção por causa de pressionar o trabalho de alguém contra expectativas irrealistas, esperando até que cada poema encontra algum padrão de perfeição inatingível. Não existe um livro de poesia absolutamente perfeito. Então, para mim, o objetivo é encontrar o equilíbrio entre trazer o manuscrito para uma realização tão completa quanto possível, ao mesmo tempo em que também saber quando dizer “é hora de deixar ir e liberar isso no mundo.”
