Au cours des deux dernières années, la stratégie de Coachella consistait à miser sur les plus âgés dans une économie opprimée – les têtes d’affiche comprenaient Paul McCartney, the Cure, Roger Waters jouant Dark Side of the Moon, Prince. Jack Johnson. Bien sûr, aucun festival ne tournerait le nez devant des actes légendaires comme ceux-ci (peu le feraient chez Johnson), mais peut-être en conséquence, Coachella s’était de plus en plus senti comme un festival à la traîne derrière Bonnaroo et Lollapalooza, qui prenaient plus de risques avec leurs files d’attente.
Eh bien, cette année, ils ont réservé certains des plus grands noms du paysage pop actuel Jay Jay-Z, Muse, Gorillaz and et le résultat a été un week-end nettement plus dynamique et énergique que ce qu’Indio avait connu depuis des années. Bien sûr, ce n’était pas sans inconvénients: une foule à guichets fermés signifiait qu’obtenir un point de vue décent dans l’une des tentes était un essai, les marchands de nourriture totalement non préparés laissaient les clients souffrir des attentes de 45 minutes, et il y avait une couverture 3G presque inexistante après 19 heures.: Mew et Grace Jones, puis l’éruption du volcan islandais ont sabordé les plans de voyage de Scared Rabbit, the Cribs et Bad Lieutenant. Mais comme toujours, vous prenez le bon avec le mauvais– par exemple, dites ce que vous voulez à propos de Coheed & Cambria, mais leur spectacle de lumière a donné un coup de pied au cul et ils ont eu une fanfare sur scène. Voici un récapitulatif de ce que nous avons vu ce week-end.
Vendredi avril 16
Wale
Photo de Chris Tuite
Peu importe ce que cela signifie en tant que milemarker de carrière, si j’étais un rappeur, je ferais n’importe quoi pour jouer à Coachella I je ne peux pas imaginer un public plus indulgent. Quelqu’un se souciait-il de cette attention: Le déficit était une brique au niveau de Rasheed Wallace? Ou depuis combien de temps « Chillin' » avait des gens qui se demandaient « pourquoi diable Wale voudrait-il Lady Gaga sur une piste? »Enfer non! Est-ce important que nous attendions tous dans le temps à 90 degrés en écoutant le tuyau de sonorisation de Sufjan Stevens et Belle and Sebastian avant que Wale ne monte finalement sur scène avec une demi-heure de retard? Un peu! Les choses ne semblaient pas aller beaucoup mieux alors que DJ Omega montait sur scène et heurtait « U Don’t Know » et « P.S.A. » de Jay-Z, laissant les auditeurs se demander si l’ensemble avait déjà atteint un sommet. Mais à la fin, Wale a tiré le meilleur parti de ses 15 minutes, passant par « Lookin’ at Me », « Nike Boots », et pour des raisons connues principalement de lui, un chant de Kings of Leon « Use Somebody ». Comme le Knux l’a fait l’année dernière avec « Daddy’s Little Girl », Wale a sauvé sa piste Cali girl (« 90210 ») pour la fin de son set, à peu près pleinement conscient que personne dans le public ne se souciait d’être inculpé tant qu’ils pouvaient chanter le crochet.
Cloches de traîneau
Photo de Chris Tuite
À ce stade, vous n’avez pas besoin de moi pour vous dire que les cloches de traîneau vont être une affaire assez énorme très bientôt. Leur son est entièrement le leur et incroyablement accrocheur et comprend presque entièrement des facteurs wow – des beats piétinés de gradins, des riffs de métal Gibson SG de Derek Miller, des chants de cour d’école et une présence live convaincante dans le chanteur Alexis Krauss.
À la fin du week-end, les foules dangereusement entassées dans des tentes extérieures étaient monnaie courante, mais au début du vendredi, il était remarquable qu’un groupe comme Sleigh Bells, dont les débuts sont sur le label boutique de M.I.A. et qui n’a même pas encore fuité, puisse jouer à pleine capacité. Des singles déjà disponibles comme « A / B Machines », comme on pouvait s’y attendre, et Krauss pourrait rivaliser avec le festivalier le plus criblé d’E pour son intensité maniaque (Miller vêtu d’un sweat à capuche était une figure d’un calme relatif), mais à la barre des 20 minutes, l’énergie a commencé à décliner – aussi excitant que puisse être Sleigh Bells, ce n’est pas le son le plus polyvalent au monde. Heureusement, ils l’ont enveloppé là-haut, terminant avec « Crown on the Ground » et ne jouant que pendant un peu plus de la moitié du temps imparti. Ils ne sont rien sinon rusés they ils ont réalisé qu’il valait mieux les laisser en vouloir plus.
Yeasayer
Photo de Natalie Kardos
Ces gars-là m’agacent comme peu d’autres like en grande partie parce qu’ils sont si proches d’être quelque chose de génial que lorsqu’ils ratent la marque, cela ressemble encore plus à un gaspillage. (À en juger par le piquant de la tente Mojave, beaucoup ont pris à cœur l’heure de début de Yeasayer à 4h20 et, de manière prévisible, se sont mis sur écoute lorsque Keating a fait son truc vocal robo-pet pendant « The Children », un candidat de choix pour la pire chanson de tout acte indépendant majeur en 2010.) Mais quand ils sont allumés, c’est assez spectaculaire à voir: « O.N.E » est en train de devenir le standout d’Odd Blood par une large marge et il a fait bouger la foule encore plus que des « hits » comme « Ambling Alp » et « Funambule ». Pendant ce temps, un plus grand accent sur le rythme et la texture a conduit des morceaux plus anciens comme « Wait for the Summer » et « Sunrise » lorsqu’ils flottaient agréablement. Je n’avais pas encore été convaincu que Yeasayer était aussi génial qu’un acte en direct comme je l’ai entendu (pour mémoire, un spectacle de 2007 qu’ils ont fait avec MGMT à L.A. est l’un des pires pour lesquels j’ai jamais payé de l’argent), mais pendant quelques minutes à la fois, c’était tout à fait crédible.
Elle & Lui
Photo de Chris Tuite
Les types hollywoodiens dans la foule continuent de faire des blagues sur Bacon Brothers et Dogstar, mais les faits sont des faits: Les deux albums de She & Him l’emportent sur les rires faciles de « l’acteur devenu chanteur ». Aujourd’hui, Elle lui & – gagnant haut la main pour « merch le plus mignon » – avait de l’enthousiasme à revendre, Zooey Deschanel montant et descendant; M. Ward savourant la chance occasionnelle de laisser les choses se déchirer; des joueurs de session beaucoup plus âgés qui semblaient reconnaissants d’être à Coachella plutôt que, disons, de déposer des pistes sur un album de Pat Green.
C’est bien, mais au milieu de l’acoustique souvent impitoyable de la scène extérieure, Elle & Lui ressemblait surtout à un groupe qui ne jouait pas ensemble depuis si longtemps. Les guitares entraient et se désaccordaient, la caisse claire sonnait comme si quelqu’un brisait un 2×4 dans un parpaing et une chanson indie cordiale de C & W saignait dans une autre. Le plus remarquable est la façon dont Elle le & a été accueilli et traité poliment, mais rien ne semblait susciter une grande réaction de la foule jusqu’à ce qu’ils commencent à jouer des reprises (« Roll Over Beethoven », « I Put a Spell on You »). Plus surprenant était leur absence totale de présence sur scène, même si vous avez l’impression que c’est une excroissance intentionnelle d’un groupe qui a dû être conscient de sa légitimité dès le départ. M. Ward peut écrire son propre billet sur les compétences de guitare seul et leur chanteur est une star de cinéma, mais toute la déférence semblait être un gaspillage compte tenu du nombre de groupes qui ont fait plus avec moins ce week-end.
Passion Pit
Photo de Chris Tuite
Passion Pit n’avait aucun scrupule à être aussi extraverti que possible, mais ce n’était pas non plus sans sa maladresse. Le chanteur Michael Angelakos a beaucoup parlé pendant le set de son groupe, et il n’aurait pas pu sembler plus reconnaissant de jouer devant des milliers de festivaliers au coucher du soleil moins d’un an après la sortie de Manners. Mais cela a finalement conduit à un besoin malheureux de justifier une telle fortune between entre chaque chanson et parfois pendant celles-ci, Angelakos a pris la température, a demandé s’ils se déchaînaient avec nous et se tapaient avec nous et a supplié la participation de la foule. Il y avait beaucoup de blasphèmes. Je ne peux pas blâmer le gars, car il n’est plus pris au piège derrière une banque de claviers, mais je ne pense pas qu’une foule comme celle-ci ait besoin d’instructions pour qu’elle soit censée porter la partie « de plus en plus élevée » de « Petits secrets » ou se joindre au « oh non! » pendant « The Reeling ». Certes, Passion Pit s’habitue toujours à des lieux aussi grands, mais à en juger par la réception du Voyage – évoquant « Les ailes de papillon » et « Sleepyhead », ils planifient un avenir où c’est la norme.
__ Grizzli
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Photo de Natalie Kardos
Le statut de Veckatimest en tant que classique en ligne moderne était presque acquis. Eh bien, Coachella nous rappelle parfois comment ces choses fonctionnent dans le monde réel: Alors que « Knife » a suscité la reconnaissance, tout ce qui vient de Veckatimest, que ce soit un plaisir de foule honnête comme « Deux Semaines » ou « Je vis avec toi », a été reçu par des applaudissements nettement plus forts que le matériel qui l’a précédé.
Mais se tenir à l’extérieur dans la chaleur du désert est-il le meilleur moyen de faire l’expérience du grizzli comme un acte vivant? Probablement pas: leur musique aspire à remplir les cathédrales plutôt que les tentes, et au milieu de la foule tentaculaire, Grizz pourrait sembler inutilement déformé et maladroit. La musique de Grizzly Bear peut atteindre verticalement plutôt qu’horizontalement, mais il est toujours encourageant de penser que des centaines de personnes se rassembleront pour voir un groupe jouer de la musique folk de chambre sur des autoharps.
__ Vampire Weekend
Photo de Chris Tuite __
Voici comment cela devrait fonctionner: le groupe sort des débuts clivants mais extrêmement populaires; sort ensuite un album plus étrange, plus sauvage, meilleur et potentiellement plus clivant; devient encore plus populaire. Mais alors que leurs deux albums sont à peu près ancrés dans la conscience du public musical à ce stade, l’espace ouvert et la réverbération ne sont pas toujours gentils avec Vampire Weekend. Le chanteur Ezra Koenig a essayé de mener un va-et-vient sur « One (Blake’s Got a New Face) » vers un silence principalement confus (« A-Punk » et « Horchata » s’en sortaient beaucoup mieux), tandis que la batterie et les plissements du clavier naviguaient un peu dans le vent. Vous pouviez voir Chris Baio danser comme s’il prenait trois verres dans sa soirée Ska locale, mais vous ne pouviez pas vraiment entendre sa basse. Mais des chansons composées de manière aérodynamique comme « Run » et « Walcott », autrement moins nombreuses sur leurs albums respectifs, ont montré que le rock n’est pas complètement séparable de ce que fait Vampire Weekend– ce n’est tout simplement pas ce qui les rend géniaux.
__ LCD Soundsystem
Photo de Natalie Kardos __
Je ne sais pas combien de personnes ont profité de l’occasion pour diffuser ce qui se passe gratuitement dans la semaine précédant Coachella, mais cela me semble, comme ses prédécesseurs, comme un commentaire en cours sur Ce que signifie être LCD Soundsystem– et en tant que dernier album LCD, c’est aussi celui qui va le plus loin pour appâter ses adeptes et ses détracteurs (« Vous vouliez un succès », » Pow Pow »). James Murphy a peut-être vu ça à 21 heures. défini comme son événement de fabrication de roi, « prouvez-moi que vous avez tort » he il se promenait dans un ensemble de blazer tout blanc, mais son visage « jamais aussi fatigué que je me réveille » le rendait toujours terne. Il a bu une bouteille de Veuve Clicquot. Il a présenté son groupe avec gratitude sous les applaudissements polis du public. Il s’est assuré que la foule reconnaisse Gil-Scott Heron (qui s’est produit plus tôt dans la journée) lors de « Losing My Edge ». Il a qualifié de « faux pas » le fait de jouer deux chansons de This Is Happening d’affilée dans le contexte d’un festival. Bref, ils avaient l’apparence et l’attitude d’un groupe qui savait qu’il allait à l’école 99% des numéros qui se présenteraient ce week-end.
Enfer, quand vous pouvez boucler 20 minutes d’un set pour une musique aussi improbable que « Losing My Edge », « All My Friends » et « I Can Change », vous êtes justifié de vous sentir confiant. Malheureusement, LCD était dans une course contre la montre, et si vous n’êtes pas une tête d’affiche, un festival n’est pas gentil avec les groupes dont les morceaux durent en moyenne environ sept minutes. « Nous avons trois autres chansons sur notre setlist, mais nous n’avons que le temps pour une », a déclaré un Murphy résigné alors que le groupe terminait avec « Yeah » (il n’y avait pas de « Daft Punk Joue Chez moi », « North American Scum » ou « Tribulations »). Au niveau du système de son LCD, même leur conscience de soi semble en quelque sorte agréable à la foule.
Jay-Z
Photo de Natalie Kardos
Au moment de la sortie de la programmation de Coachella, les détenteurs de billets intensifient immédiatement les spéculations quant à savoir s’il y a des ajouts tardifs ou des invités surprises à venir sad aussi triste qu’il soit de rappeler, la grande rumeur de 2009 était Michael Jackson. En tant que premier rappeur à décrocher une place en tête d’affiche, Jay semblait dans la meilleure position possible pour faire l’inattendu– les possibilités de collaboration sont infinies. J’ai entendu que LCD Soundsystem pourrait le soutenir. Il aime le Grizzli… ils sont dans la maison aussi! Rihanna ? Nas ? Kanye ? Beyoncé ?
Beyoncé et la Première dame de Californie Maria Shriver regardent le set de Jay-Z; Photo de Chris Tuite
Ainsi, après que Jay-Z se soit levé au milieu de la scène pour lancer « Run This Town », quelques minutes plus tard, son groupe a présenté l’échantillon de « Five to One » des Doors qui sert de base à « Takeover ». À ce stade, Jay annonce son invité spécial… Memphis Bleek ! Il doit vraiment être dans le testament de Jay quelque part, car ils ont ensuite parcouru la version de Memphis de « Is That Yo Bitch? »Et bien que « l’État d’esprit de l’Empire » ait été tué de manière prévisible, il y a eu un effet de dégonflement considérable lorsqu’une femme est sortie pour chanter le crochet et n’était clairement pas Alicia Keys. (Beyoncé est finalement venue rejoindre Jay sur « Forever Young », probablement la pire chanson qu’il ait jamais enregistrée.)
Néanmoins, aucun rappeur vivant ne pourrait contrer le sens du spectacle de Jay ou, plus important encore, la profondeur du catalogue. Pour la partie considérable de la foule qui ne connaissait que les tubes, « 99 Problems », « Big Pimpin ‘ », « Puis-je obtenir un… « , et « Hard Knock Life » étaient présents. Si vous teniez pour des coupes plus profondes, Jay avait « D’où je viens » et « Méfiez-vous des garçons ». Si vous vouliez des surprises en live, il y avait « Jigga What, Jigga Who » et « Ain’t No Love » sur « Sunday Bloody Sunday ». Et si vous ne pensiez pas que Blueprint 3 était une charge totale, profitez des performances complètes de « On to the Next One » et « Already Home ». Le fait est que la plus grande contribution de Jay au hip-hop n’a pas été d’inspirer les rappeurs à ne pas écrire leurs paroles ou appeler leurs chemises des « boutons-up », mais à tracer une voie où les artistes peuvent vieillir et sembler en quelque sorte encore plus vital, encore plus inscrit dans notre tissu culturel.
Samedi avril 17
Les filles
Photo de Chris Tuite
Les filles étaient un acte considérablement différent quand je les ai vues ouvrir pour Los Campesinos! pendant la période post-fuite / pré-sortie de l’Album: leur batteur ressemblait à un mec du groupe de John Mellencamp, le guitariste que quelqu’un a tiré du parking. Maintenant étoffé en un quintette plus solidifié, le groupe semblait avoir une nouvelle confiance pour voler à l’aveugle sur leur plus grande scène à ce jour. C’était assez courageux de leur part d’intégrer autant de matériel nouveau / obscur dans leur set, bien que leur reprise de « All I Have to Do Is Dream » des Everly Brothers ait donné une bonne quantité de contexte aux influences dont ils s’inspirent. Bien sûr, la plupart de la foule attendait « Lust For Life » et « Hellhole Ratrace », qui se sont terminés par la bourrasque de commentaires la plus forte du week-end avant de se tourner vers « Morning Light » et « Big Bad Mean Motherfucker ». Ce fut une finale satisfaisante et puissante pour l’un des sets les plus chauds du week-end, et qui pourrait intégrer sans effort l’évanouissement de n’importe qui, des Everly Brothers à Swervedriver.
__ Beach House
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Photo de Chris Tuite
Coachella n’a pas manqué de groupes mettant la position incongrue d’avoir une pop intime et chambriste soufflée pour des foules bien plus grandes que prévu. Étonnamment, c’est Beach House, avec sa configuration de rechange et sa dépendance aux ordinateurs portables et aux pistes d’accompagnement, qui semblait le plus à l’aise dans un cadre aussi gonflé. Certes, Teen Dream a maximisé beaucoup de choses sur le groupe, mais le plus important, ce n’est plus Victoria Legrand et Alex Scally parfaitement assis, interprétant des paysages sonores de rêve de fièvre qui se dissipent lentement dans les airs. La voix de Legrand reste rauque mais éthérée, apparemment capable de remplir n’importe quel espace dans lequel elle entre. Elle est également devenue une figure transfigurante qui peut capter votre attention. Mais aussi béatifique que puisse paraître Beach House parfois, ils ne sont pas au-dessus de rire d’eux-mêmes – un « work in progress » d’une minute était coincé au milieu de leur set, beaucoup plus chargé de malheur et mélodiquement limité que tout ce qu’ils ont fait à ce jour. Il s’est avéré qu’ils essayaient une reprise de « Limonade » de Gucci Mane.
__ Projecteurs sales
* Photo de Natalie Kardos
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Ça doit être vraiment difficile d’être dans ce groupe. Pour ceux qui ne connaissent pas les séances d’entraînement de 12 heures de Dave Longstreth, les 10 premières minutes de leur set ont vraiment mis en place un microcosme pour l’expérience Dirty Projectors – une introduction rythmée décalée suivie d’une gesticulation constante de tous les membres indiquant les imperfections du réseau que le soundman a en quelque sorte laissé passer (ce pauvre gars). Peu de temps après, et une fois que chacun des six membres immensément talentueux a mis de l’ordre dans sa merde, tout a été pardonné.
« Aucune intention » et « Pin noueux » ont suivi. Ils étaient géniaux. Alors bon sang… Amber Coffman fait paraître « Stillness Is the Move » sage en comparaison, alors que Longstreth joue l’acoustique de Coffman à l’envers. Alors que les têtes d’affiche du samedi Muse et Coheed & Cambria ont utilisé leurs compétences techniques pour honorer le prog-rock du passé, Dirty Projectors était mal à l’aise et insatisfait– c’est à cela que ressemble le progrès réel dans le rock aujourd’hui.
__ Hot Chip
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Photo de Chris Tuite
One Life Stand a été considéré comme le record de relations « adultes » de Hot Chip, mais heureusement, le groupe s’est rendu compte que la scène extérieure n’était pas l’endroit idéal pour essayer « Slush » ou « Alley Cats ». Enfer, même « Garçon de l’école » a été passé au profit d’un ensemble plein de bangers. Hot Chip a toujours coupé une présence scénique attachante et maladroite Alexis Alexis Taylor a vraiment fait monter les enchères dans son code vestimentaire et Joe Goddard a involontairement hoché la tête à la tradition des fraternités du sud avec un look blazer et short. Mais avec un minimum de plaisanteries, Hot Chip n’avait pas besoin d’être démonstratif pour faire bouger la foule, même lorsque « Hold On », « Encore et encore », et se rapprocher de « Ready for the Floor » ont reçu des relookings notables. Et, oui, c’était un vrai tambour en acier sur « I Feel Better ». Avec tout le respect que je vous dois, Passion Pit pourrait apprendre beaucoup de ces gars.
__ The xx
rmal; »>Photo de Natalie Kardos __
Certains groupes semblent tout incarner dans certains festivals My My Morning Jacket pour Bonnaroo, Jane’s Addiction pour Lollapalooza, Limp Bizkit pour Woodstock 99. Et puis il y a le xx…my groupe préféré que je craignais de voir ce week-end. Ils sont probablement le groupe le moins connu de Coachella: Imaginez leurs débuts spartiates et calmes, des conversations intensément privées entre les chanteurs Romy Madley-Croft et Oliver Sim, parfaitement exécutées et exactement comme cela sonne sur disque, partagées pour un public principalement ivre et bronzé de dizaines de milliers de personnes. On ne leur a même pas donné le manteau d’un ensemble de nuit.
Et pourtant, pour toutes les raisons qu’un groupe plus extraverti et traditionnellement populaire comme Vampire Weekend ne semble pas à sa place sur la scène extérieure, the xx en profite réellement: l’espace négatif que vous entendez sur disque ne peut pas rivaliser avec le désert californien, donc « Crystalised » et « Shelter » sonnent comme s’ils pouvaient s’étendre à l’infini. Non, ils ne bougent pas ou ne disent pas grand-chose et peut-être que « Intro » a frappé très fort parce que la foule l’a reconnu dans une publicité de voiture, mais il s’avère que les xx sont mieux contenus dans des écouteurs ou dans le plus grand espace possible.
Dimanche avril 18
Owen Pallett
Photo de Chris Tuite
Sous le nom de Final Fantasy, Owen Pallett avait acquis la réputation d’un solo live convaincant et unique dont les disques étaient un peu trop secs pour vraiment aimer. Trois choses étaient sensiblement différentes cette fois-ci: il se produit maintenant sous son nom de naissance, il y a un musicien supplémentaire amené sur scène pour jouer de la batterie et de la guitare (mais légèrement), et Heartland est son premier slam-dunk d’un LP. Pallett a commencé avec le premier single « Montreal Will Eat Its Young », mais à partir de là, il s’est inspiré de Heartland, un disque qui – comme cet ensemble – semble primitif au début mais qui est en fait fantastique, attachant et assez drôle. Entre deux rires à la Amadeus, Pallett demande « vous avez déjà essayé le cornholing? »pour son partenaire Thomas Gill et décrit la scène extérieure comme le « ghetto gay » pour lui-même, Bradford Cox et Jonsi.
Ce qui n’a pas changé, c’est la gamme étonnante de sons que Pallett peut générer à partir de son violon et de ses pédales en boucle– les « tambours » de « Lewis Takes Off His Shirt », le « Vol du bourdon » – riffs rapides de « Midnight Directives », le tourbillon déformé de « Mount Alpentine ». Il y a aussi un élément de danger supplémentaire que vous n’obtenez pas avec une configuration plus traditionnelle: s’il réalise à mi-chanson qu’il n’a pas tout à fait bouclé la boucle, il n’y a pas de retour en arrière. Enfer, de légères erreurs humanisent le savoir-faire autrement étonnant qui entre dans les « Directives de minuit » ou « Gardez le chien tranquille » that qui aide à desserrer les choses en direct. Tout se réunit à merveille this c’était peut-être ma performance préférée du week-end.
__ Deerhunter
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Photo de Chris Tuite
Bradford Cox a apparemment fini par accepter son succès; si vous avez déjà lu une interview avec lui, vous réalisez à quel point il est spontané – il est poussé à partager tout ce qui lui vient à l’esprit. Alors même que son groupe luttait lors d’un dysfonctionnement de l’équipement, Cox a tué le temps avec un jam impromptu dédié aux participants de Coachella (exemple de paroles: « combien de préservatifs se sont cassés à l’hôtel la nuit dernière? ») ou en promettant un synopsis de « toute la discographie de Karlheinz Stockhausen » pour clore le spectacle. Avant, les gens de Los Angeles connaissaient Deerhunter comme « ce groupe de merde qui a ouvert pour Nine Inch Nails. »Maintenant, nous avons des adolescentes en bikini qui dansent en rond sur « Rien ne s’est jamais passé ». Il y a Coachella pour toi. Ou, peut-être que c’est juste une preuve supplémentaire que si les pitreries misanthropiques de Bradford Cox ont généré la plupart de l’attention qui a lancé l’ascension de Deerhunter, c’est un groupe qui a vraiment sa merde ensemble maintenant.
__ Sunny Day Real Estate
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Photo de Natalie Kardos
La foule s’est éclaircie comme la racine des cheveux de Jeremy Enigk après que Deerhunter a quitté la scène, mais je parie qu’il n’y avait pas un public plus enfermé ce week-end que pour la gamme originale de Sunny Day Real Estate. Si vous n’étiez pas l’un des irréductibles, vous pourriez peut-être apprécier qu’un SDRE sans rouille donne le ton non seulement pour emo, mais pour un enfer de rock alternatif populaire (un peu d’histoire a montré que l’un de leurs boîtiers routiers avait du ruban adhésif sur un logo Foo Fighters). Mais le groupe lui-même s’est rendu compte que la plupart d’entre nous attendaient plus d’une décennie pour chanter « Seven », « In Circles » et « 48 » de retour vers eux, se sont mis à mal quand ils ont décidé de jouer quelque chose de The Rising Tide (« The Ocean »), et probablement informer quelqu’un qui se souciait moins que l’ouvreur « 8 » était sur la bande originale de Batman Forever. Le guitariste Dan Hoerner a remercié la foule après presque chaque chanson et Enigk a reconnu l’humour de célébrer « une si jolie journée pour des chansons tristes. »
__ Spoon
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Photo de Chris Tuite
À peu près tous ceux qui suivent Spoon tout au long de leur carrière ont crié à quel point ils méritent d’être sur une scène de cette ampleur– pourtant, alors que beaucoup est fait de leurs expérimentations méticuleuses en studio, l’étrangeté est amplifiée avec le volume. Bien sûr, « The Way We Get By » et « Don’t You Evah » sont des sonneurs qui plaisent à la foule, et « Small Stakes » est énorme au lieu d’être désorienté. Mais ce sont des touches auditives comme la fin abrupte de « Is Love Forever », le pouls effrayant de « Who Makes Your Money », les guitares follement bridées de « Got Nuffin' », et le thrum incroyablement insistant de « Don’t Make Me a Target » qui confirment à quel point Spoon remplit les nombreux trous de leurs compositions avec des transmissions extraterrestres et une communication étouffée some certaines des musiques les plus subversives qu’un groupe actuellement populaire ait à offrir.
__ Phoenix
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Photo de Chris Tuite
Ces gars sont des superstars, ou aussi près que vous pouvez y arriver en 2010. Si vous ne me croyez pas, j’aurais aimé que vous puissiez voir l’exode massif du plateau de Spoon environ 20 minutes avant que Phoenix ne soit programmé sur la scène extérieure. Commencer avec « Lisztomania » était un peu une bravoure flamboyante (il était rare qu’un groupe commence son set avec l’un de ses singles les plus connus ce week-end). Et Phoenix ressemblait à des étoiles Thomas Thomas Mars contrôlait la scène avec un charisme sans effort, et le groupe ressemblait à l’ensemble de gars le plus cool de ce côté-ci des Strokes.
Mais juste au moment où il semblait que la réputation de vie douteuse de Phoenix, vieille de dix ans, serait définitivement mise au repos, les vents ont repris. Toute personne à plus de 30 mètres de la scène a dû faire face à des « clôtures » et à des « Si jamais je me sens mieux » qui se faisaient absolument malmener à partir du moment où ils quittaient les haut-parleurs, dérivant dans et hors de l’audibilité. Au cours de ce dernier, Mars a demandé à plusieurs reprises s’ils pouvaient obtenir des lumières d’inondation pour que le groupe puisse voir la foule. C’est à ce moment-là que j’ai remarqué qu’ils n’avaient vraiment aucun spectacle de lumière à parler. Bien sûr, « 1901 » était l’une des performances les plus attendues du week-end et cela a aidé à atténuer la brûlure de ce qui s’est avéré être un ensemble de déception pour des raisons que Phoenix ne pouvait pas contrôler. Interpréter « Love Like a Sunset » dans son intégralité était de leur faute.
__ Pavement
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Photo de Natalie Kardos
« C’était les années 90 en un mot. »Ainsi parlait Steve Malkmus après « Unfair », et c’était juste avant que Pavement ne ferme leur set avec « Cut Your Hair ». Dans le contexte du week-end, Pavement semblait représenter soit un triomphe de certaines valeurs musicales, soit une négation de celles qui ont suivi– en résumé, les plus grands et les plus jeunes groupes indépendants de ce week-end ont fasciné par les arrangements orchestraux et sont redevables à la composition électronique. Ils semblaient avoir peu, voire rien, en commun avec Pavement.
Ils ne sont toujours pas grand-chose à regarder sur scène, et même les plaisanteries avaient une sensation étrange et mothballed to « Injuste » a été introduit « 1, 2, 9, 12! »; Malkmus a dit à Sprial Stairs de se débarrasser d’une blessure « comme Israël a secoué ces scuds. »Et en grande partie à cause du profil douteux de Malkmus dans GQ, il y avait un soupçon furtif que tout le monde n’était pas aussi excité à l’idée de dépoussiérer « Summer Babe » ou « Gold Soundz » pour les personnes qui étaient plus intéressantes à acquérir leur prochaine bière que de se demander si Wowee Zowee serait donné son dû dans la setlist. Mais au fur et à mesure de l’ensemble, le groupe semblait profiter non seulement d’eux-mêmes, mais de la compagnie de l’autre. Ce n’est pas comme si l’influence de Pavement n’était pas encore tout à fait répandue en 2010, mais parfois, c’était rafraîchissant de voir comment cinq gars armés des nécessités de grandes chansons et d’un sens aigu de l’humour peuvent encore ressembler à tout ce que vous avez toujours voulu du rock à gauche du cadran.
__ Thom Yorke
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Photo de Natalie Kardos
Au moment de sa sortie, la gomme ressemblait à une note de bas de page ou à un espace réservé pour un nouvel album de Radiohead, mais Thom Yorke en a vraiment fait beaucoup, n’est-ce pas? Malgré In Rainbows, In Rainbows 2, la réédition de tous les albums Capitol de Radiohead des années 2000, Yorke peut toujours avoir un temps de jeu de 21 heures pour jouer la Gomme dans son intégralité, dans son ordre exact. Et cet album est sorti il y a près de quatre ans !
Mais la formation récente Atoms For Peace a redonné vie au disque, et avec Nigel Godrich, Flea et Joey Waronker à la remorque, un album jusque-là hermétique a été déballé et explosé. « Harrowdown Hill » incorporait de manière transparente la basse slap de Flea; les rythmes complexes de mètres mixtes de « Analyse » étaient pleinement révélés; et « Skip Divided » aurait pu passer pour un aperçu de Gorillaz (ou du moins du Bon the Bad et de la Reine avec son mélodica toujours présent).
En raison du décalage entre « Cymbal Rush » et l’heure de début de Gorillaz à 10h30, Yorke a réussi une performance de rappel jusqu’alors sans précédent, dans laquelle il a fait ses débuts une interprétation étonnante et détachée de « Airbag » et « Everything In Its Right Place », ainsi que « Feeling Pulled Apart By Horses ». Peut-être que c’était juste la circonstance malheureuse de jouer contre Sly Stone, avec trois heures de retard et assez embarrassant, mais Yorke s’est avéré être le rare monstre de contrôle dont le contrôle de la foule et la folie (que la danse ne changera pas de sitôt) fonctionnaient à son avantage.
__ Gorillaz
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Photo de Chris Tuite
Pendant le set de Hot Chip la nuit précédente, je me tenais devant un couple plus âgé qui n’était pas particulièrement impressionné. « C’est quoi ce bordel ? », alla la plainte rhétorique. « C’est juste une discothèque électronique », murmurèrent-ils, apparemment consternés par toute la discothèque acoustique disponible précédemment. « Pire que ça, maintenant nous avons un tas de dessins animés qui jouent le dimanche soir. »Mais lors d’un week-end qui a essayé d’être tout pour tout le monde, il est assez étonnant que Gorillaz l’ait couronné en étant sans effort une somme de l’échange pop interculturel de la décennie précédente. Bien sûr, le visage d’avatar de Gorillaz peut effrayer certains puristes, mais je ne peux pas penser à trop d’actes en cours qui ont introduit clandestinement une pop plus ambitieuse et mondaine dans le paysage actuel que ces gars.
Et si la prépondérance des T-shirts de plage en plastique n’était pas une indication suffisante, il y a des milliers d’auditeurs engagés qui veulent ce que Gorillaz a à offrir: qu’importe si le couplet de Snoop Dogg a été mis en boîte they ils ont réussi à faire monter sur scène Paul Simonon et Mick Jones, De La Soul et Bobby Womack de The Clash. Même si le rap de stade et la Muse de Jay-Z se sont révélés être des successeurs beaucoup plus prêts au rock à la vision bong de Pink Floyd que Radiohead, les théâtralités étaient rares à Coachella. Dans une tournure ironique, le groupe le plus visuel du week-end vous a fait vous concentrer le plus intensément sur la musique. Ce qui était pour la plupart des as: Alors que leurs trois lp ont leur part de remplissage, Gorillaz ont suffisamment de marge de manœuvre visuelle pour laisser place à l’amour de Damon Albarn pour la musique malienne, le hip-hop, le dancehall et tout le reste sous couvert de pop frivole. Je n’aime pas Gorillaz, et vraiment, ils ne cherchent vraiment pas à forger un esclavage émotionnel, mais j’aime ce qu’ils font.