Caitlin Doyle är en poet vars senaste utmärkelser inkluderar Amy Award i poesi genom poeter & Writers Magazine, ett Tennessee Williams-stipendium i poesi genom Sewanee Writers Conference, 2012 ALSCW Fellowship (Association of Literary Scholars, Critics and Writers) till Vermont Studio Center och en litterära bidrag i poesi genom Elizabeth George Foundation. Hennes poesi har dykt upp eller kommer i flera publikationer, inklusive Atlanten, Threepenny Review, Boston Review, Black Warrior Review, Measure, Best New Poets 2009 och Warwick Review. Hon har också en professionell bakgrund inom film och manus, efter att ha skrivit och regisserat kortfilmer som visas på olika festivaler. Doyle är för närvarande på jobbet mot slutförandet av sitt första boklängdsdiktmanuskript.
din poesi, kanske i motsats till förekomsten av fri vers i samtida poesi, har erkänts för sin skickliga användning av formella element som RIM och mätare. Förutom den musikaliska kvalitet som härrör från RIM och mätare, finns det andra skäl till varför du befinner dig dras till formalism? Vad skulle du säga till påståenden att antingen en av dessa tillvägagångssätt, fri vers eller formell poesi, är estetiskt överlägsen den andra?
Ja, det finns skäl bortom musikalitet som drar mig mot de traditionella tekniska elementen i poesi. När allt kommer omkring har rhyme and meter inte ett iboende större krav på kraften att producera sonoröst språk än något av de andra verktygen som är tillgängliga för en poet. Poeter som skriver både ”formell poesi” och ”fri vers” har så många sätt utöver metrisk mönstring och parning av rimord för att få en dikt att sjunga. Exempel inkluderar allitteration, assonans, det rytmiska samspelet mellan syntax och linjelängd och resonansblandningen av olika diktionsregister. Jag sätter fraserna ”formell poesi” och ”fri vers” i citattecken eftersom, även om de fungerar som terminologi för att göra en allmän åtskillnad mellan två typer av estetiska tillvägagångssätt, delar jag många poets tro på att termerna saknar tillräcklig nyans. Den bästa ” fria versen ”har formella begränsningar och vägledande principer, precis som den mest gripande” formella poesin ” innehåller frihet och innovation.
att hävda att en estetisk inställning i poesin i sig är överlägsen en annan är som att hävda att ett instrument i en orkester producerar bättre musik än alla andra instrument. Att argumentera för att objektivt sett skapar en fiol ett större ljud än en viola eller en cello är att utelämna ett viktigt övervägande: den subjektiva verkligheten av vem som spelar instrumentet och hur han eller hon gör det. Ungefär som alla strukturella inslag i skriftspråk, såsom syntax eller mätare, ett instrument är ett livlöst verktyg, som inte har någon inneboende grad av värde förrän någon engagerar sig i det. Det som bestämmer kvaliteten på musiken är inte instrumentet utan hur det används i händerna på en viss individ.
det finns ett citat av poeten Donald Hall som slår mig som en upplysande ram för denna diskussion: ”formen av fri vers är lika bindande och lika befriande som formen av en rondeau.”En rondeau är en mottagen poetisk form med strikta strukturella krav som dikterar uppdelningen av strofer, antalet stavelser per rad och arrangemanget av RIM, bland annat. Vad jag beundrar med detta citat är att Hall inte bara säger ” formen av fri vers är lika bindande som formen av en rondeau.”Med andra ord gör han inte bara poängen att fri vers har formella principer. Han vågar också att fri vers är” så befriande som formen av en rondeau, ”som kan verka som en överraskande uttalande när man betänker att en form så stränga som rondeau inte visas, på ytan, att kvalificera sig som” befriande.”Med detta påstående erkänner han känslan av obegränsad licens som kan komma från att skriva inom tätt etablerade gränser, friheten som kan hittas när man tillåter form att leda en dikts innehåll i oväntade riktningar. I huvudsak belyser Halls citat hur all God poesi, oavsett om det är fri vers eller poesi som använder traditionella formella element, bygger på spänningen mellan begränsning och befrielse.
din fria vers är lika skicklig som ditt formella arbete. Jag tänker särskilt på ditt mycket minnesvärda ” Självporträtt med apor ”(The Threepenny Review) och din lekfulla och spökande dikt” If Siegfried And Roy Had Never Met ” (Black Warrior Review). Tycker du att din process och dina tematiska tendenser skiljer sig åt i förhållande till om du skriver fri vers eller formell poesi? Som en andra del av denna fråga, kan du tala om hur du kom att utveckla din attraktion till formell vers i samband med dagens fri vers dominerande samtida poesi Värld?
oavsett om jag komponerar en fri versdikt eller ett stycke som innehåller traditionella formella element, är min process väldigt lik. Mitt mål är att hitta en balans mellan konstnärlig kontroll och öppenhet för det okända, vägleda språket mot mina önskade effekter samtidigt som verket får ta på sig sin egen handlingsfrihet. Jag älskar hur struktur och innehåll kan dra mot varandra med en spänning som slutar ta båda i oväntade riktningar, en upplevelse som är central för mina arbetsmetoder. Jag känner mig mest framgångsrik som poet när min slutprodukt är något jag inte kunde ha förutsett men ändå innehåller en känsla av den centrala känslomässiga drivkraften som först satte min penna i rörelse.
när det gäller tematiska tendenser i både min fria vers och mitt arbete som har formella egenskaper, drivs jag ofta av ämnet som omger de utrymmen som finns kvar i människolivet av en sårande, brist, förlust eller en känsla av ofullständighet. Att skriva om sådana utrymmen i min egen erfarenhet och i andras liv, ofta livet för välkända offentliga personer, galvaniserar min penna. Jag är intresserad av att utforska rollen som både lyriska och berättande impulser för att nå mot att fylla dessa utrymmen.
för att svara på den andra delen av din fråga har jag aldrig känt att det fanns ett ögonblick då jag medvetet valde att ha ett intresse för de traditionella formella funktionerna i poesi. Som författare formas du av det du läser, och som människa väljer du oftast att läsa det som lockar dig, en urvalsprocess som inte alltid är förklarlig eller definierbar. Jag har funnit att en författares estetiska lutningar ofta är lika oförklarliga som någon annan lutning i en individs liv, som springer lika mycket från naturlig disposition som från andra motiverande faktorer. Varför väljer någon den röda cykeln i butiken istället för den gula? Varför lyssnar någon på en viss radiokanal i stället för olika alternativ?
jag har dragits till de traditionella formella elementen i poesi sedan tidig barndom, efter att ha börjat mitt läsliv med rimrika poeter som Christina Rossetti, A. E. Housman, Edwin Arlington Robinson och Edgar Allan Poe. Jag kände mig hypnotiserad av hur dessa författare använde traditionella formella element för att kombinera regelbundenhet och överraskning, för att skapa ett dynamiskt samspel mellan repetition och variation, sätta upp mitt öra för förväntningar som ibland möttes med uppfyllelse och andra gånger möttes med oförutsägbara subversioner. Naturligtvis kunde jag inte ha formulerat sådana effekter med absolut klarhet, men jag kände deras stora kraft.
din kreativa bakgrund inkluderar arbete i film, med dina kortfilmer som har visats i en mängd olika festivaler. Jag är intresserad av det faktum att du har lärt dig poesikurser som innehåller aspekter av film i läroplanen; senast, som den framväxande författaren bosatt vid Penn State University, lärde du dig en kurs som införlivade manus och poesi. Kan du prata om upplevelsen av att undervisa de två genrerna tillsammans? Finns det en viss film som du tycker är användbar när det gäller att lära eleverna om bildverkets roll i poesin?
jag njöt av möjligheten att designa och undervisa en kurs fokuserad specifikt på poesi och manus på Penn State eftersom jag alltid har känt att de två genrerna belyser varandra på ett levande sätt. Eftersom eleverna tenderar att ha mycket mer erfarenhet av att titta på filmer än med att läsa dikter, har jag upptäckt att använda film som en dörröppning till poesi gör det möjligt för eleverna att komma in i strängheten av finjusterat språk på ett sätt som känns spännande för dem. Film ger en särskilt stark resurs när det gäller att lära eleverna om bildens centrala karaktär i poesi, vilket belyser hur poeter ofta använder bilder som sin primära metod för att förmedla mening och framkalla svar i läsarnas sinnen och hjärtan. Ezra Pounds uppfattning om bilden som ”det som presenterar ett intellektuellt och känslomässigt komplex i en tid” kommer verkligen till liv för studenter när de tittar på ett segment av film som skapar dess berättande, emotionella och tonala effekter främst genom ackumulering och sammansättning av noggrant utvalda bilder.
när det gäller att identifiera en film som är särskilt användbar som en lins för att diskutera bildernas roll i poesin, tycker jag att en kort tre-bild tyst sekvens i Fritz Langs 1931-film M är mycket effektiv. Ledande fram till segmentet spenderar Lang filmens första scener som bygger spänning kring det faktum att ett ungt barnnamn Elsie inte har kommit hem vid ordinarie tid efter skolan. Barnets mamma blir alltmer nervös när timmarna går. Vi tittar på när Elsie, som har gått ner på gatan studsar en boll, möter en konstig man som kompletterar sin boll och köper henne en ballong. Sedan börjar den tysta sekvensen, med följande tre bilder i följd: ett skott av en tom matplatta på bordet av Elsies mor, ett skott av Elsies boll som rullar ut ur buskarna och saktar till ett stopp, och ett skott av Elsies ballong, som har flöt ut ur hennes händer och blivit insnärjd i en kraftledning.
jag betonar för poesistudenter hur Lang inte väljer att direkt visa främlingen som bortför barnet utan istället framkallar det faktum genom en serie olycksbådande och laddade bilder som gör bortförandet desto mer påverkande för tittarna. Vi fastställer genom bara några spökande bilder både den berättande verkligheten av vad som hänt och händelsens känslomässiga tenor. Jag har funnit att eleverna bättre förstå hur bildspråk fungerar i poesi efter att ha sett detta utdrag från M.
även om jag tenderar att se den ständigt vanliga ”show-Don ’ t-tell” kreativt skrivande diktum som alltför begränsande eftersom många av de bästa dikterna berättar såväl som visar, tror jag att grundtanken att ”visa” snarare än ”berätta” är en viktig för början poeter att assimilera. För detta ändamål ger film ett fantastiskt fordon för att hjälpa en student att förstå hur man antar ideer, känslor och upplevelser snarare än att förklara dem.
det finns många debatter om hur man korrekt undervisar prosodi, vilket är studiet av versifiering (särskilt av metrisk struktur). I själva verket är det vanligt idag för de flesta studenter i engelska och kreativt skrivande att gå igenom hela sin skolgång utan att lära sig prosodi. Kan du prata lite om din egen utbildning i prosodi och ge några tankar om hur du tror att det kan vara mest effektivt undervisas?
ingen av mina mest minnesvärda lärare i engelska eller kreativt skrivande lärde prosodi med en handbok full av regler och metriska termer. De bästa lärarna jag hade sällan sagt orden ”trochee,” dactyl,” ”catalexis,” eller ” amphribach.”Snarare betonade de kraften i rim, mätare och mottagna former genom den direkta handlingen att utsätta oss för superlativa dikter som engagerar traditionella formella element. Jag konstaterade mycket mer om den skickliga användningen av RIM och mätare genom att behöva läsa, memorera och recitera Thomas Hardy-dikter för Derek Walcotts klass i forskarskolan än om jag hade tagit en kurs som fokuserade på versifieringsterminologi och skanningsövningar.
naturligtvis föreslår jag inte att unga poeter inte ska lära sig att skanna dikter och hur man känner igen och använder rätt metriska termer. De borde verkligen ta på sig att göra det, antingen genom att söka efter en klass eller mentor som kan erbjuda den typen av teknisk utbildning eller genom att lära sig materialet på ett självlärt sätt med hjälp av några bra prosodi-guider (Alfred Corn ’ s ”the Poem ’ s Heartbeat” är en särskilt användbar text i det avseendet). Men jag tror att när det gäller att assimilera principerna om prosodi är det i slutändan mer användbart för studenter att fokusera på faktiska dikter än på andra former av undervisning. Tillvägagångssättet för mina bästa litteratur-och skrivlärare i gymnasiet, högskolan och bortom tycktes bekräfta vad mina egna tidiga läsupplevelser hade föreslagit: det mest effektiva och roliga sättet att få en utbildning i poesiens hantverkskomponenter är att absorbera dem direkt genom nedsänkning i verk av kraftfulla poeter.
med andra ord, om du vill utveckla förmågan att engagera poesiens traditionella formella arv med skicklighet, tror jag att det bästa är att lära sig inifrån och ut, genom att bebo orden hos dem med sann formell behärskning – låta rytmerna i deras språk komma in i ditt sinne, hjärta och kropp – snarare än att försöka lära sig från utsidan via instruktionsmaterial. Det viktiga är inte att du kan läsa Yeats bland skolbarn och säga ”han skriver ottava rima strofer, kombinera strikt iambisk pentameter med fall av betydande metrisk variation, och anställa en blandning av enjambment och slutstoppade linjer.”Det som är viktigt är att du kan känna effekterna av hans tekniska beslut som resonerar i din kärna. Det som är viktigt är att du kan registrera på ett visceralt sätt hur diktens formella egenskaper förkroppsligar spänningen mellan enhet och oenighet i människolivet – och att du kan absorbera från honom en känsla av hur du kan använda traditionella formella egenskaper hos poetiskt språk för att forma dina läsares sensoriska upplevelse av en dikt.
i American Creative Writers on Class verkar din dikt” Paris”, som underbart anser Paris Hiltons Europeiska kodifierade förnamn jämfört med kommodifieringen av hennes efternamn, föreslå att vi alla tittar närmare på frågan om arv och privilegium. Med hänvisning till klass och poesi, vad intresserar dig eller upprör dig i världen att skriva och undervisa poesi?
när det gäller klassfrågor i poesivärlden är det som mest upptar min uppmärksamhet idag den ekonomiska situationen kring adjungerad professur. Ett stort antal nya poeter betalar räkningarna genom att hålla tilläggspositioner, vanligtvis undervisning i engelska Kompositionskurser eller kreativa skrivkurser. Oftare än sällan, dessa typer av positioner medför en över packad schema, urusla lön, noll hälsofördelar, och frånvaron av en röst i universitetsfrågor. Det är inte ovanligt att adjunkter undervisar mer än en heltidsbelastning, sprids ut på flera campus och fortfarande knappt tjänar en levande lön. Med tanke på att tillägg inom alla områden utgör majoriteten av universitetsfakulteten i detta land, är bristen på institutionell respekt som erbjuds dem, ekonomiskt och annars, en upprörande verklighet. För att bli konkurrenskraftiga för tenure-track möjligheter, nya poeter som arbetar som adjungerade måste samla noterbara tidningspublikationer och producera böcker, men deras undervisning och betygs belastning är ofta så stor att de inte kan hitta tid och energi för kreativ produktion.
det stör mig att tänka på hur många begåvade författare i de framväxande stadierna befinner sig ständigt stunted av detta system. Deras status som medlemmar i en överarbetad och dåligt kompenserad akademisk underklass resulterar i en utarmning av högre utbildning och även potentiellt av landets litteratur. Jag vill inte överdramatisera situationen. Adjungerad professur är bara en av många svåra ekonomiska omständigheter som påverkar ungdomar som väljer att ägna sina liv åt att skriva och det gäller bara de som förföljer ett akademiskt karriärspår. Naturligtvis har det varit svårt för de flesta författare genom historien att balansera kreativt arbete med att betala räkningarna, och när det gäller strävan efter konstnärligt uttryck har många människor levt i mycket mer begränsande förhållanden än de som står inför dagens typiska emerging-writer-adjungerad professor. Men ändå, med tanke på det stora antalet lysande unga författare som för närvarande innehar adjungerade positioner, oavsett om det är i hopp om långsiktiga framtidsutsikter eller bara på grund av ett omedelbart behov av att täcka levnadskostnader, är det svårt att inte känna att omständigheterna för adjungerad professur utgör en viktig oro i poesivärlden.
tänker på TS Eliots berömda quip,” ångest är kreativitetens tjänarinna”, vilka aspekter av att skriva din första diktbok får dig att känna dig mest orolig?
mitt svar på denna fråga är relaterat till din förfrågan om klassfrågor i poesivärlden. Det som gör mig mest angelägen när jag formar min första bok är det faktum att när det gäller jobbutsikter i det litterära riket finns det ett stort incitament för en framväxande poet att lägga ut en fullängdssamling så fort han eller hon kan hantera det. Att ha en publicerad bok är särskilt viktigt när det gäller att hitta en universitetslärartjänst som erbjuder ekonomisk säkerhet och chansen att avancera. Som ett resultat slutar unga poeter ibland att rusa ut sina första böcker för att uppnå en känsla av professionell stabilitet och senare beklaga betydande mängder av det arbete de inkluderade i sina debutkollektioner. Det kan vara mycket självbegränsande att utsätta konstnärlig mognad till en artificiell kronologi.
jag oroar mig för hur den nuvarande strukturen på den professionella marknaden i poesivärlden kan hindra den gradvisa och mödosamma utvecklingen av en poets speciella uppsättning gåvor. Vad skulle ha hänt om Robert Frost eller Wallace Stevens, som publicerade sina första böcker vid trettionio och fyrtiotre successivt, inte hade tillåtit sitt arbete att utvecklas i sin egen takt?
det är viktigt för mig att jag motstår de ofta mycket övertygande professionella och ekonomiska frestelserna att snabbt publicera sin första bok. Jag tycker att det är viktigt att jag producerar samlingen enligt min egen interna tidslinje, med respekt för det faktum att jag inte är en särskilt snabb författare. Dikter tar form långsamt för mig. Det som är viktigt för mig är inte att boken kommer ut ett år från nu i motsats till tre år senare. Det avgörande är att jag känner mig säker på att manuskriptet har nått sin fulla förverkligande innan jag söker publicering för det. Naturligtvis kan det vara lika skadligt att hålla på att publicera en samling på grund av att man trycker på sitt arbete mot orealistiska förväntningar och väntar tills varje dikt uppfyller någon standard för ouppnåelig perfektion. Det finns inget sådant som en helt felfri poesibok. Så, för mig, målet är att hitta balansen mellan att föra manuskriptet till en så fullständig insikt som möjligt samtidigt veta när man ska säga ”det är dags att släppa taget och släppa detta i världen.”
