Best Canadian Film of the Decade Survey

som en del av vår firande av kanadensisk film fram till 2019 Canadian Cinema Yearbook ’ s release, bad vi kanadensiska kritiker och filmskapare att välja sin favorit kanadensiska film av decenniet och berätta varför. Denna lista är en bra översikt över några av de bästa kanadensiska filmerna under decenniet.

det är inte en slump att så många av dessa val har 2019-filmer, ett landmärkeår för kanadensisk film. Fånga upp några av dessa filmer och mer genom att ta Canadian Cinema Challenge och förbered dig på att dyka djupt in i de bästa filmerna från 2019 (och decenniet!) genom att förbeställa ditt exemplar av vår kommande e-bok, 2019 Canadian Cinema Yearbook.

behörighet: Alla filmer som hade världspremiär mellan 2010 och 2019 och gjordes av kanadensiska medborgare och/eller fast bosatta (men inte nödvändigtvis i Kanada).

Sonya Ballantyne (@Honey_Child), filmskapare

min favorit kanadensiska film de senaste tio åren är Goon. Det var ett tufft val eftersom det fanns många bra val som Grave Encounters (The Vicious Brothers, 2011), Rebelle (Kim Nguyen, 2012), Angry Inuk (Alethea Arnaquq-Baril, 2016) och födelse av en familj (Tasha Hubbard, 2017). Men jag valde Goon eftersom det är krass, det är blodig, och det är så roligt! Under den längsta tiden har kanadensiska filmer, för mig, alltid varit en synonym för ”tråkig.”Goon låter oss bli krassa och vulgära. Plus, det faktum att det filmades i Winnipeg och har en scen där min syster skriker i arenan står under huvudlagets match mot ett Quebec-lag hjälper också.

Bill Chambers (@FlmFrkCentral), redaktör, Filmfreak Central

mina två favorit kanadensiska filmer av decenniet är Carlo Guillermo Protos Resurrecting Hassan och Jason Buxtons Blackbird; den förra är en dokumentär, och den senare känns achingly trovärdig. Resurrecting Hassan följer Hartings, en Montreal-baserad familj av tunnelbana buskers: far Dennis, mor Peggy och dotter Lauviah. Alla tre är blinda. Det fanns ett andra barn, Hassan, som drunknade vid sex års ålder (han var inte blind). Proto dokumenterar faktiskt deras hem-och arbetsliv och resorna däremellan, hur de samordnar när det gäller att utföra vardagliga uppgifter, i huvudsak blir en. Men förlusten av Hassan har tydligt lämnat sprickor i deras förhållande, med Peggy fusk på Dennis känslomässigt, om inte fysiskt (ännu), och Lauviah verkar isolerad i scener med sin katt. Dennis och Peggy letar efter en apas tass för att sätta ihop allt igen och tror att de har hittat det i lärorna från Grigory Grabovoy, en rysk trosläkare vars outlandish teorier har Hartings övertygade om att Hassan kan föras tillbaka från de döda. Variablerna här är minst sagt unika, men känslorna är universella. Resurrecting Hassan är en inspirerad och förödande film om ett husdjursämne för kanadensisk film: sorg, vilket visar sig vara en oöverstiglig börda även för Hartings, som lever liv med konstant anpassning. Inte en vecka går att jag inte undrar hur de gör.

osentimental men djupt påverkande, Blackbird handlar om ett blyg, ofarligt goth-barn som heter Sean (Connor Jessup) som beklagar sportkulturen kring vilken både hans gymnasium och hemstad kretsar. (Även hans pappa kör Zamboni på den lokala rinken.) Sean ventilerar sin mjälte i en Columbine-fantasi som han postar på webben, i stundens hetta, och befinner sig snart i ett ungdomsfängelse tillsammans med faktiska våldsamma gärningsmän. Berättad med en sällsynt blandning av mänsklighet och procedurklarhet som påminner om den sena, stora brittiska filmskaparen Alan Clarke (som deltog i filmskolan i Kanada), känner Blackbird sig typiskt Kanadensisk i att gå med — och höja sig över — skolfilmerna utan att skjuta en enda kula på skärmen, liksom i sin subtila kritik av vår tendens till överprisidrottare och atletisk förmåga, till den punkt där även en småstadsrättssal börjar verka som en arena där de med makt måste imponera. När Sean överlämnas ett besöksförbud med 47 namn på det, det är 47 personer som kunde råna honom av sin frihet på ett infall; vem ska vara rädd för vem, igen?

Anne Ubismond (@LaAnneEmond), filmskapare

jag valde Les d ubismohttps: / / sjunde raden. com/2016/03/29/philippe-lesage-demons/ ns, den första fiktionfilmen av Philippe Lesage. För mig är det en av de mest lysande filmerna om barndomen som någonsin gjorts. Det är skrämmande, det är roligt, det är djupt, det är farligt, det är hjärtskärande. Det är livet, kondenserat.

Alex Heeney (@BWestCineaste), chefredaktör, sjunde raden

Sarah Polleys film är mer kreativ facklitteratur än dokumentär: en film om att avslöja och packa upp familjens historia som i sig är utformad för att uppmärksamma konsten att berätta på film. Reenactments som känns som hemvideor kan misstas för Faktum, och intervjuer med flera personer i familjen avslöjar ofta motstridiga perspektiv. Polley låter oss se sig själv i ramen med en kamera eller i direkt dialog med sina ämnen, som en påminnelse om att hon inte bara väljer frågorna och styr konversationerna utan också curating filmen och hur den presenteras. Många berättar sina historier i den här filmen; Polley får det sista ordet i skärrummet.

som en anpassning från scen till skärm är munstycket redan ett underverk: hur åtgärden sätts så specifikt i igenkännliga Toronto haunts, de väsentliga närbilderna avslöjar karaktärernas sårbarhet och de flashbacks som känns så verkliga att du glömmer att skådespelerskorna som spelar vuxna Cassandra (Amy Nostbakken och Norah Sadava) var sällan i samma rum som deras mamma (Maeve Beatty). Och ändå är den här filmen så mycket mer: en feministisk uttalande om vad det innebär att vara en modern kvinna, uppoffringar för karriär och familj, de motstridiga känslor av att vara en heterosexuell kvinna som inte vill styras av patriarkatet, hur kvinnor särskilt polis och utföra för sig själva, och förlamande natur sorg. Men jag tror att den största kraften kommer från filmens huvudsakliga föreställning: Cassandra spelas av två skådespelerskor, en fysisk litteraturalisering av hennes motstridiga självsynkronisering ibland och aktivt stridande mot andra. Jag har pratat om Mouthpiece två gånger på The Seventh Row podcast och intervjuat regissören Patricia Rozema och hennes medförfattare och stjärnor Norah Sadava och Amy Nostbakken. Och jag kommer att tänka på och titta på den här filmen i många år framöver.

ärade anmärkningar: Philippe Falardeaus hilariska och lysande politiska satir, möjligen Kanadas första på film, min praktik i Kanada, fick mig att skratta mer än nästan någon annan film detta årtionde samtidigt som jag utmanade mig att tänka på både demokratins natur och kanadensiska detaljer. Rhymes for Young Ghouls är en underhållande, skrämmande och visceral titt på bostadsskolsystemet, en film med bilder som fortfarande hemsöker mig år senare och hjälpte mig att förstå denna grymhet på ett sätt som historielektioner aldrig gjorde. Och Anne Sackmonds Our Loved Ones wowed me med sin skildring inte bara av sorgens cykler utan hur touch håller en familj tillsammans och knyter oss till vår fysiska existens.

Mouthpieceär med i vår kommande ebook på Canadian Cinema, 2019 Canadian Cinema Yearbook. Förbeställ ditt exemplar nu här.

Chris Knight (@ChrisKnightFilm), Chefsfilmkritiker, National Post

jag minns att jag blev förvånad, engagerad och slutligen rörd (till tårar!) av Sarah Polleys intensivt personliga men i slutändan universella dokumentärhistorier vi berättar. Enkelt uttryckt är det berättelsen om Polleys sökande efter sin biologiska far, efter att ha lärt sig att mannen som uppvuxit henne inte var. Men det finns så mycket mer här — hur familjemytologin utarbetas och skapas över generationer, hur en sanning föder andra, och till och med hur redigering (oavsett om våra minnen eller våra filmer) hjälper till att forma berättelserna om vår existens. Jag försökte sammanfatta denna härliga upplevelse och skrev i min recension då: ”i sanningens hav trampar vi för alltid vatten och simmar för våra liv.”

men att välja en ”favorit” kanadensisk film är ett svårt uppdrag. Kanada producerar stora docs både stora (Antropocen, Jennifer Baichwal, Edward Burtynsky, & Nicholas de Pencier, 2018) och små (kvinnan som älskar giraffer, Alison Reid, 2018), fantastiska fransk-kanadensiska drama som Tu Dors Nicole (St Jacobphane Lafleur, 2014) eller Caf Exportoria De Flore (Jean-Marc Vall Jacobe, 2011), hårt slående sci-fi som den senaste nivån 16 (Danishka Esterhazy, 2019), fantastiska Komedier (alltid en underskattad genre) som F-ordet (Michael Dowse, 2013) och Project Avalanche (Matt Johnson, 2016) och kraftfulla First Nations-berättelser som knivens kant (Helen Haig-Brown & Gwaai Edenshaw, 2018), sköt helt på Haida-språket. För att inte säga något om Kanadensiska regissörers arbete på världsscenen; mina favoritfilmer från tre av de senaste fyra åren har inkluderat arbete av Denis Villeneuve — Sicario (2015), ankomst (2016) och Blade Runner 2049 (2017). Vi är en nation välsignad med filmskapande rikedomar.

intervjuer med filmskaparna bakom Anthropocene och Edge of the Knife visas i vår kommande e-bok, 2019 Canadian Cinema Yearbook.

Joe Lipsett (@BStoleMyRemote), Filmjournalist, QueerHorrorMovies.com

om det finns en regissör som exemplifierar ny kanadensisk film är det Denis Villeneuve. Quebec-manusförfattaren har brutit stort på den internationella scenen de senaste åren, men hans filmer har alltid varit symboliska för spänningen mellan intima, karaktärsdrivna stunder och storskaliga, bombastiska actionsekvenser.

Incendies är i slutändan en benchmarkfilm både i Villeneuves karriär och i kanadensisk film. Det är den sista” riktigt ” kanadensiska filmen som regissören gjorde innan han gick Hollywood (Ja, Enemy (2013) är småskalig, men det spelar fortfarande amerikanska megastjärnan Jake Gyllenhaal).

Incendies berättar historien om tvillingsyskon som reser till Mellanöstern för att avslöja sin egen historia; det är utan tvekan en föregångare till Villeneuves mer vanliga biljettpris genom att den innehåller scener av tortyr, gripande spänningar och explosioner. Det är dock fortfarande en film om att söka efter identitet-ett typiskt Kanadensiskt begrepp som bakas in i filmens pusselboxstruktur, liksom dess status som en samproduktion med Frankrike och dess flerspråkiga inställning till dialog (engelska, franska och arabiska). Det är en blåsande politisk film som är chockerande, grafisk och öm i lika stor utsträckning. Incendies bevisar att Polytechnique (2009) inte var någon lyckträff; filmen skulle i slutändan bli den första kanadensiska nomineringen i kategorin Bästa utländska Film på Oscars på nästan ett halvt decennium.

Pat Mullen (@CinemaBlogrpher), Online-medredaktör, POV Magazine

det finns inte ett bättre exempel på behovet av att berätta för våra egna historier än Sarah Polleys dokumentär, Stories We Tell. Den djupt personliga filmen, väckt till liv av Polleys önskan att ta tag i berättelsen när en familjehemlighet riskerade exponering, mediterar på den rätta personen måste berätta för en annans historia. När Polley gräver djupare in i sin familjehistoria, frågar filmen De variationer av sanningen som uppstår när minnen är fragmenterade och bryts över tiden.

Polley Driver barriärerna för dokumentär genom att springa med producenten Anita Lees förslag att utöka en familjs berättelse till den kollektiva berättelsen. Denna formförskjutning spelar med uppfattning och begrepp om sanning och fiktion — och den förmodade autentiska sanningen om dokumentär — för att bättre förstå familjen Polley trodde att hon visste som perspektiv från investerade partier och perifera spelare pusslar ihop historien om Sarahs mor, Diane och hennes biologiska far.

ovanpå lagren av intervjuer och den joviala Margaret Atwood-infunderade berättelsen av Polleys far, Michael, Stories We Tell skapar ett kalejdoskopiskt minnesspel med arkivfilmer och återupptagningar sömlöst blandade ihop. Polleys pussel utmanar vår önskan om rena berättelser, liksom dokumentärens förmodade auktoritet och factuality. Mer imponerande än filmens formella skicklighet och dess samspel mellan sanning och fiktion är dock det rena och ärliga bandet av familjär kärlek som förenar berättarna när Polley och hennes familj utforskar en berättelse som lätt kunde ha delat dem. Vem säger att alla lyckliga familjer är lika?

hedersomnämnanden: Incendies, Mamma (Xavier Dolan, 2014), ursäkten (Tiffany Hsiung, 2016), Les affam aubbis (Robin Aubert, 2017), Det Förbjudna rummet (Guy Maddin och Evan Johnson, 2015)

Brett Pardy (@AntiqueiPod), Associate Editor, Seventh Row

m exceptional författare Chelsea Vowell skrev ”jag tror starkt att varje vuxen som bor i Kanada borde titta på den här filmen (även om det finns fler utlösningsvarningar för den här filmen än jag kan räkna, så var försiktig)” eftersom det var en ”en inblick i något som ingen av oss verkligen vill se men måste möta.”I en tid då politisk konst är så didaktisk, står Rhymes for Young Ghouls ut för sin briljanta användning av genrefilmspråk, blandning av skräck, grindhouse hämnd och post-apokalyptiska bilder för att uttrycka den verkliga skräcken i Kanadas kolonialism. Det som skiljer Rhymes från många ”revenge fantasy” – filmer är att det förblir medvetet om hur våld påverkar karaktärer och producerar och reproducerar trauma som flyter genom generationer.

C. J. Prince (@CJ_Prin), filmkritiker

det är förmodligen ett grundläggande val, men jag skulle ljuga om jag inte valde The Forbidden Room som min favorit kanadensiska film av decenniet. Guy Maddin och Evan Johnsons remake av lost films böjer, vrider och snedvrider sig för att göra bio till en levande, andande, pulserande organism som existerar genom tiden. Det är roligt, utmattande och fullt medveten om allt unikt om film som gör det så bra. Men jag skulle hellre använda resten av detta utrymme för att marknadsföra andra kanadensiska titlar, som alla är fantastiska och bör sökas: uppfinning (Mark Lewis, 2015), våra nära och kära (Anne Bilagmond, 2015), Tu Dors Nicole och First Stripes (Jean-Fran Exceptionois Caissy, 2018).

en uppsats om första ränder och en intervju med regissören visas i vår kommande e-bok, 2019 Canadian Cinema Yeabook.

Sophy Romvari (@SophyRomvari), filmskapare

onekligen tar det en viss nivå av mod och en bestämd mängd risk att göra en film som verkligen ser inåtvänd ut. När rätt balans mellan formellt avstånd och känslomässig äkthet träffas, framkallar det en speciell typ av empati hos betraktaren. Personligen tycker jag att denna typ av arbete ofta är de mest givande filmupplevelserna. Två exempel som kommer att tänka på när jag ser tillbaka på de senaste tio åren av kanadensisk film är Jo Acbille Walinga ’ s God Straightens Legs och Kalina Bertins Manic.

i båda fallen är dessa filmer debutfunktioner, vilket är desto mer häpnadsväckande. Båda filmerna tittar på trauma inom ramen för filmskaparens egen familj och berättar historier som är fängslande, medkännande och oupphörligt ärliga. God Straightens Legs är en berättelse om filmskaparens mamma, som motstår konventionell cancerbehandling på grund av hennes religiösa övertygelse, men det finns aldrig ett uns av dom. Filmen är fylld av kärlek, mysterium och ett underbart element av fantasi. Manic, å andra sidan, är en episk avslöjande av familjehemligheter och en rå skildring av transgenerationell psykisk sjukdom, men är också extremt öm och tålamod. Psykisk sjukdom är naturligtvis ofta sensationell och kan leda till ytterligare stigmatisering, men Manic gör samtycke och samarbete till en del av själva tyget vävt i sin skildring av dessa svåra upplevelser och humaniserar dem på ett sätt som sällan uppnås.

jag känner mig ödmjuk och bemyndigad att ha båda dessa kvinnor som förebilder att se upp till i mitt eget land.

Mary Angela Rowe (@LapsedVictorian), redaktör i stort, sjunde raden

min praktik i Kanada fick inte tillräckligt med kredit. Det var för Kanadensiskt för internationella tittare, som ifrågasatte sitt milda komedimärke, men kanadensiska publik flockade inte heller till det. Alla missade, för den här filmen är en sällsynt fågel: en politisk fars som levererar bite without förakt, en send-up av småstad Kanada som inte är små sinnade, och en udda par kompis komedi där ingen fastnar vara den raka mannen. Det är också roligt roligt, och ogenerat Kanadensiskt.

Quebec MP Steve Guibord (Patrick Huard) är en liten MP för ett lantligt Quebec-distrikt vars sömniga rutin krossas av två ankomster. Först anländer Souverain Pascal (Irdens Exantus), en allvarlig tjugo från Haiti med ett huvud fullt av politisk teori, till Guibords lilla kontor, resväska i handen, för en praktikplats. Sedan slutar Guibord med den avgörande omröstningen i parlamentet för att avgöra om Kanada kommer att gå i krig. Kasta plötsligt in i det nationella rampljuset, guibord slits när omröstningen delar sina väljare och hans hushåll. Guibord finner sig lutad på Souverain för vägledning när dessa två fiskar ur vattnet navigerar i absurditeterna i Kanadensisk politik och försöker göra det rätta.

Falardeau handlar i kärleksfulla karikatyrer snarare än tvådimensionella stereotyper och presenterar sympatiska skildringar av motsatta åsikter trots att det är tydligt hur filmen vill att vi ska känna. Den enda synden i den här filmen är cynism: förakt är reserverat för den konstigt bekanta premiärministern (Paul Doucet), som växlar skallig politisk överenskommelse med verkställda pianoskäl. (Den här filmen gjordes vid en tidpunkt då det till synes enda som förenade kanadensarna ogillade Stephen Harper.) Souverains optimism är smittsam, uppfriskande både den jaded Guibordet och publiken. Min praktik i Kanada är en skummig, rolig, Generös glädje.

Patricia Rozemas munstycke (2019) är något mer intensivt och kraftfullare — men i stunder, lika roligt. Munstycket täcker tre dagar med tjugonågot Torontonian Cassandra, vars liv är uppe av hennes mammas plötsliga död. När Cassandra cyklar runt Toronto får leveranser till begravningen (och undviker att skriva lovordet) inser hon långsamt hur mycket av sitt eget liv som har levt i reaktion på sin mamma — och hur mycket hennes mammas val begränsades av patriarkin som omger dem.

vad katapulter munstycke från en mordant, bitterljuv komedi till en verkligt exceptionell konst hus arbete är dess inbilskhet: i denna annars realistiska film spelas Cassandra av två skådespelare (Amy Nostbakken och Norah Sadava), som ofta agerar sida vid sida. Skådespelarna växlar, parallellt med varandra och interagerar och visar oss konturerna av Cassandras interna konflikt. Cassandra är en person, och därför många saker på en gång. Men hon kan bara hantera sin sorg när hon kommer att tillskriva samma interna komplexitet till sin mamma.

en utökad intervju med Rozema, Sadava och Nostbakken visas i vår kommande e-bok The 2019 Canadian Cinema Yearbook.

Courtney Small (@SmallMind), filmkritiker, Cinema Axis

på ett decennium med så många underbara kanadensiska filmer är det lätt för en film som smällare att glida under radaren. Men Jasmin Mozaffaris elektrifierande debut slog en nerv med mig som jag ännu inte har skakat. Genom ögonen på två unga kvinnor konstruerar Mozaffari en blåsande undersökning av giftig maskulinitet. Måla ett porträtt av hur fattigdom, kön och ras alla faktorer i hur privilegiet främjas och aktiveras, Firecrackers är lika fängslande och kraftfull. Medan filmen har gjort jämförelser med Andrea Arnolds verk, visar Mozaffari sig vara en distinkt och unik röst i bio som kommer att lysa i årtionden framöver.

en intervju med regissören Mozaffari och hennes ledande skådespelerska visas i vår kommande e-bok, Canadian Cinema Yearbook 2019.

Justine Smith (@RedRoomRantings), filmkritiker

Gen Jacobse är en drömmande och transgressiv kommande åldersfilm som vill omdefiniera konventionell berättande film.

1. Genassibylse (Philippe Lesage, 2018)
2. tu Dors Nicole (St. usci phane Lafleur, 2014)
3. Nuit #1 (Anne usci mond, 2010)
4. en farlig metod (David Cronenberg, 2011)
5. la del du diable (Luc Bourdon, 2017)

i vår kommande e-bok, 2019 Canadian Cinema Yearbook, Justine interviews Lesage, profilerar filmens stjärna, TH exceptional Pellerin, och intervjuar redaktören (första gången en intervju med honom har dykt upp på engelska). Förbeställ ditt exemplar här.

Orla Smith (@OrlaMango), verkställande redaktör, sjunde raden

(heders Kanadensisk, genom att arbeta på sjunde raden)

jag väljer ett par filmer, Patricia Rozemas munstycke (2018) och Sarah Polleys Take This Waltz (2011), båda för utsökta att välja mellan.

Mouthpieceär den bästa filmen Jag har sett i år. Gjord av ett nästan alla kvinnliga team, både bakom och framför kameran, lyckas det vara djärvt och innovativt inom ramen för en intim karaktärsstudie. Huvudpersonen, Cassandra, spelas samtidigt av två olika skådespelerskor (Amy Nostbakken och Norah Sadava, som båda var med och skrev manuset). Filmen är en rörande utforskning av Cassandras externa och interna resa när hon förbereder sig för sin mors begravning.

medan Sarah Polleys berättelser Vi berättar är hennes mer hyllade funktion det här decenniet (och med god anledning är det lysande), måste min favorit vara Take This Waltz. Filmen ser vacker ut, med bländande ljus, solkysst film. Det är ofta ganska varm och rolig film, men det är också ganska förödande. Michelle Williams Margot är en kvinna som sitter fast mellan två män: en en spännande och mystisk potentiell älskare, den andra hennes man i flera år. I stället för att följa rom-com klyscha att ha mannen vara känslokallt och älskare en idyllisk alternativ, filmen trampar mycket murkier moraliskt vatten. Margots man är helt underbar, och de är väldigt lyckliga tillsammans. Den obekväma sanningen är att oavsett vilken man hon väljer, hon kommer att hemsökas av den väg som inte tagits. Det är en film som i andra händer kunde ha varit tråkig och sackarin, men Polley tar förutsättningen till platser som är psykologiskt fascinerande och kompromisslösa.

en utökad intervju med Rozema, Sadava och Nostbakken visas i vår kommande e-bok The 2019 Canadian Cinema Yearbook.

Alexandra West (@ScareAlex), Filmjournalist

Kanada har länge varit känt för sin otroliga förmåga att utmärka sig i skräckgenren. Från Black Christmas (Bob Clark, 1974) till Prom Night (Paul Lynch, 1980), från Fly (David Cronenberg, 1986) till Cube (Vincenzo Natali, 1997) till Pontypool (Bruce McDonald, 2008), vi kanadensare är bra på att spela med publikens djupa rädsla och leverera atmosfäriska frossa.

efter hans utmärkta debut Backcountry (2014), Adam MacDonald andra film, Pyewacket, kombinerar sakkunnigt kuslig paranoia av en ung Cronenberg och olycksbådande energi Sam Raimi att skapa en unik mörk coming-of-age berättelse. När Leah (Nicole mu Actulioz) växer alltmer i strid med sin mamma (Laurie Holden), som de flesta tonåringar gör, kallar hon demonen Pyewacket för att hantera sin monströsa mamma. Det börjar snart gå väldigt fel mycket snabbt.

MacDonald fyller sin skärm med en kuslig woodsy tomhet när han kör en enkel men invecklad berättelse och vågar publiken att upprätthålla ögonkontakt med skärmen när faran växer närmare. MacDonald och Crews mästerliga kontroll över mise en SC kazakne gör att Pyewacket kan fungera som ett karaktärsdrivet stycke som känns viktigt, bekant och spännande när vi undersöker vår rädsla för vad som går på natten och de band som binder oss. Pyewacket får dig att bry dig om dess karaktärer och ge dig mardrömmar som du inte snart kommer att glömma.

Addison Wylie (@AddisonWylie), filmkritiker, Wylie skriver

filmskaparen Jay Cheel berättar en historia om synkronicitet i hur man bygger en tidsmaskin. Dokumentärens två ämnen (animatör Rob Niosi och teoretisk fysiker Ron Mallett) är två väldigt olika människor, men de delar en koppling genom sin besatthet med HG Wells’ The Time Machine — binder direkt till vart och ett av sina primära mål i livet. Hur man bygger en tidsmaskin handlar om kraften i fantasifulla begrepp och hur de kan forma oss till vem vi är idag. Den här perfekta filmen expanderar, och till och med förändrar, våra tankar om passion och galenskap.