cel mai bun Film Canadian al Deceniului sondaj

ca parte a sărbătorii noastre a cinematografiei canadiene care a dus la lansarea Anuarului Canadian al Cinematografiei din 2019, am cerut criticilor și Realizatorilor Canadieni să aleagă filmul Canadian preferat al deceniului și să ne spună de ce. Această listă este o imagine de ansamblu excelentă a unora dintre cele mai bune filme canadiene ale deceniului.

nu este o coincidență faptul că atât de multe dintre aceste alegeri prezintă filme din 2019, un an de referință pentru cinematografia Canadiană. Prindeți-vă cu unele dintre aceste filme și multe altele, luând Canadian Cinema Challenge și pregătiți-vă să vă scufundați adânc în cele mai bune filme din 2019 (și deceniul!) prin precomandarea copiei dvs. a viitoarei noastre cărți electronice, Anuarul Canadian Cinema 2019.

eligibilitate: Orice film care a avut premiera mondială între 2010 și 2019 și a fost realizat de cetățeni canadieni și/sau rezidenți permanenți (dar nu neapărat stabilit în Canada).

Sonya Ballantyne (@Honey_Child), cineast

filmul meu preferat Canadian din ultimii zece ani este Goon. A fost o alegere grea, deoarece au existat o mulțime de alegeri bune, cum ar fi întâlniri Grave (frații vicioși, 2011), Rebelle (Kim Nguyen, 2012), Angry inuk (Alethea Arnaquq-Baril, 2016) și nașterea unei familii (Tasha Hubbard, 2017). Dar am ales Goon pentru că este crass, este sângeros, și este atât de amuzant! Pentru cea mai lungă perioadă de timp, filmele canadiene, pentru mine, au fost întotdeauna un sinonim pentru „plictisitor.”Goon ne lasă să devenim vulgari și vulgari. În plus, faptul că a fost filmat în Winnipeg și are o scenă cu sora mea țipând în tribunele arenei în timpul jocului echipei principale împotriva unei echipe din Quebec ajută, de asemenea.

Bill Chambers (@FlmFrkCentral), Editor, Film Freak Central

cele două filme canadiene preferate ale deceniului sunt Carlo Guillermo Proto ‘s Resurrecting Hassan și Jason Buxton’ s Blackbird; primul este un documentar, iar cel din urmă se simte dureros de plauzibil. Resurrecting Hassan urmează Hartings, o familie de autobuze de metrou din Montreal: tatăl Dennis, mama Peggy și fiica Lauviah. Toți trei sunt orbi. A fost un al doilea copil, Hassan, care s-a înecat la vârsta de șase ani (nu era orb). Proto matter-of-factly își documentează viața de acasă și de muncă și călătoriile între ele, modul în care se coordonează atunci când vine vorba de îndeplinirea sarcinilor banale, devenind în esență una. Dar pierderea lui Hassan a lăsat în mod clar fisuri în relația lor, Peggy înșelându-l pe Dennis emoțional, dacă nu fizic (încă), iar Lauviah pare izolată în scene cu pisica ei. Dennis și Peggy caută Laba unei maimuțe pentru a pune totul la loc și cred că au găsit-o în învățăturile lui Grigory Grabovoy, un vindecător rus al credinței ale cărui teorii bizare au convins Hartings că Hassan poate fi readus din morți. Variabilele de aici sunt unice, cel puțin, dar emoțiile sunt universale. Resurrecting Hassan este un film inspirat și devastator despre un subiect de companie al cinematografiei canadiene: durerea, care se dovedește o povară insurmontabilă chiar și pentru Hartings, care trăiesc vieți de adaptare constantă. Nu trece o săptămână fără să mă întreb ce mai fac.

Nesentimental, dar profund afectiv, Blackbird este despre un copil goth timid și inofensiv pe nume Sean (Connor Jessup) care se plânge de cultura sportivă în jurul căreia se învârt atât Liceul, cât și orașul natal. (Chiar și tatăl său conduce Zamboni la patinoarul local. Sean își aruncă splina într-o fantezie Columbine pe care o postează pe web, în căldura momentului, și în curând se găsește într-un centru de detenție pentru tineri alături de infractori violenți. Povestit cu un amestec rar de umanitate și claritate procedurală care amintește de regretatul, marele regizor britanic Alan Clarke (care a urmat școala de film din Canada), Blackbird se simte în mod esențial Canadian în aderarea — și înălțându — se deasupra-rândurilor filmelor școlare fără a trage un singur glonț pe ecran, precum și în critica subtilă a tendinței noastre de a supra-premia sportivii și priceperea atletică, până la punctul în care chiar și o sală de judecată dintr-un oraș mic începe să pară o arenă în care cei cu putere trebuie să impresioneze. Când lui Sean i se înmânează un ordin de restricție cu 47 de nume pe el, sunt 47 de persoane care l-ar putea jefui de libertate dintr-un capriciu; cui ar trebui să-i fie frică de cine, din nou?

Anne Laanneemond (@Laanneemond), cineast

am ales Les d okticmohttps: / / al șaptelea rând. com/2016/03/29/philippe-lesage-demons/ns, primul film de ficțiune de Philippe Lesage. Pentru mine, este unul dintre cele mai strălucite filme despre copilărie făcute vreodată. Este înfricoșător, este amuzant, este profund, este periculos, este sfâșietor. E viață, condensată.

Alex Heeney (@Bwestcineste), redactor-șef, al șaptelea rând

filmul lui Sarah Polley este mai creativ non-ficțiune decât documentar: un film despre descoperirea și despachetarea istoriei familiei sale, care este el însuși conceput pentru a ne atrage atenția asupra artei povestirii pe film. Reconstituirile care se simt ca videoclipuri de acasă pot fi confundate cu fapte, iar interviurile cu mai multe persoane din familie dezvăluie perspective adesea contradictorii. Polley ne permite să ne vedem în cadru cu o cameră foto sau în dialog direct cu subiecții ei, ca o reamintire că nu numai că alege întrebările și direcționează conversațiile, ci și curatoriază filmările și modul în care sunt prezentate. Mulți oameni își spun poveștile în acest film; Polley primește ultimul cuvânt în camera de tăiere.

ca adaptare de la scenă la ecran, piesa bucală este deja o minune: modul în care acțiunea este stabilită atât de specific în Toronto haunts recunoscute, prim-planurile esențiale care dezvăluie vulnerabilitatea personajelor și flashback-urile care se simt atât de reale încât uiți că actrițele care joacă Cassandra (Amy Nostbakken și Norah Sadava) au fost rareori în aceeași cameră cu mama lor (Maeve Beatty). Și totuși acest film este mult mai mult: o declarație feministă despre ce înseamnă să fii o femeie modernă, sacrificiile făcute pentru carieră și familie, sentimentele conflictuale de a fi o femeie heterosexuală care nu vrea să fie controlată de patriarhat, modul în care femeile, în special, polițienesc și performează pentru ele însele și natura paralizantă a durerii. Dar cred că cea mai mare putere a sa provine din concepția principală a filmului: Cassandra este interpretată de două actrițe, o literalizare fizică a sinelui ei conflictual — uneori sincronizat și combativ activ la alții. Am vorbit despre piesa bucală de două ori pe podcast-ul al șaptelea rând și am intervievat regizorul Patricia Rozema și co-scriitorii și vedetele ei Norah Sadava și Amy Nostbakken. Și mă voi gândi și voi revedea acest film pentru anii următori.

mențiuni onorabile: satira politică hilară și strălucitoare a lui Philippe Falardeau, probabil prima pe film a Canadei, stagiul meu în Canada, m-a făcut să râd mai mult decât aproape orice alt film din acest deceniu, în timp ce mă provoca să mă gândesc atât la natura democrației, cât și la specificul Canadian. Rhymes for young Ghouls este o privire distractivă, îngrozitoare și viscerală asupra sistemului școlar rezidențial, un film cu imagini care încă mă bântuie ani mai târziu și m-au ajutat să înțeleg această atrocitate într-un mod în care lecțiile de istorie nu au făcut-o niciodată. Și Anne our loved Ones m-a uimit cu descrierea sa nu doar a ciclurilor de durere, ci și a modului în care atingerea ține o familie împreună și ne leagă de existența noastră fizică.

piesa bucală este prezentată în viitoarea noastră carte electronică pe Canadian Cinema, Anuarul Canadian Cinema 2019. Pre-comanda copia acum aici.

Chris Knight (@ChrisKnightFilm), critic de Film șef, National Post

îmi amintesc că am fost uimit, angajat și în cele din urmă mutat (până la lacrimi!) de Sarah Polley ‘ s intens personal, dar în cele din urmă universal Documentar povești pe care le spunem. Pur și simplu, este povestea căutării lui Polley pentru tatăl ei biologic, după ce a aflat că bărbatul care a crescut-o nu a fost. Dar există mult mai multe aici — modul în care mitologia familiei este elaborată și elaborată de-a lungul generațiilor, modul în care un adevăr îi naște pe alții și chiar modul în care editarea (fie a amintirilor noastre, fie a filmelor noastre) ajută la modelarea narațiunilor existenței noastre. Încercând să rezum această experiență glorioasă, am scris în recenzia mea la acea vreme: „în Oceanul adevărului, călcăm pentru totdeauna apă, înotăm pentru viața noastră.”

dar alegerea unui film Canadian „favorit” este o misiune dificilă. Canada produce documente grozave atât mari (Antropocen, Jennifer Baichwal, Edward Burtynsky, & Nicholas de Pencier, 2018), cât și mici (femeia care iubește girafele, Alison Reid, 2018), drame Franco-canadiene fabuloase precum tu dors Nicole (St. 2019), comedii superbe (întotdeauna un gen subapreciat) precum cuvântul F (Michael Dowse, 2013) și Project Avalanche (Matt Johnson, 2016) și povești puternice ale primelor națiuni precum edge of the knife (Helen Haig-Brown & Gwaai Edenshaw, 2018), filmat în întregime în limba Haida. Pentru a nu spune nimic despre munca regizorilor canadieni pe scena mondială; filmele mele preferate din trei din ultimii patru ani au inclus lucrări de Denis Villeneuve — sicario (2015), sosire (2016) și Blade Runner 2049 (2017). Suntem o națiune binecuvântată cu bogății cinematografice.

interviurile cu realizatorii din spatele Antropocenului și Edge of the Knife apar în viitoarea noastră carte electronică, Anuarul Canadian Cinema 2019.

Joe Lipsett (@BStoleMyRemote), Jurnalist De Film, QueerHorrorMovies.com

dacă există un regizor care exemplifică noul cinematograf Canadian, acesta este Denis Villeneuve. Scenaristul-regizor din Quebec s-a impus pe scena internațională în ultimii ani, dar filmele sale au fost întotdeauna emblematice ale tensiunii dintre momentele intime, conduse de personaje și secvențele de acțiune la scară largă, bombastice.

Incendies este în cele din urmă un film de referință atât în cariera lui Villeneuve, cât și în cinematografia Canadiană. Este ultimul film Canadian „cu adevărat” pe care regizorul l-a făcut înainte de a pleca la Hollywood (Da, Enemy (2013) este la scară mică, dar încă joacă mega-starul american Jake Gyllenhaal).

Incendies spune povestea fraților gemeni care călătoresc în Orientul Mijlociu pentru a-și descoperi propria istorie; este fără îndoială un precursor al tarifului mainstream al lui Villeneuve prin faptul că prezintă scene de tortură, tensiune captivantă și explozii. Rămâne în centrul său, totuși, un film despre căutarea identității — o noțiune chintesență canadiană care este coaptă în structura puzzle-box a filmului, precum și statutul său de coproducție cu Franța și abordarea sa multilingvă a dialogului (engleză, franceză și arabă). Este un film extrem de politic care este șocant, Grafic și tandru în egală măsură. Incendies dovedește că Polytechnique (2009) nu a fost o întâmplare; filmul va continua în cele din urmă să fie prima nominalizare Canadiană la categoria Cel mai bun Film străin la Oscar în aproape jumătate de deceniu.

Pat Mullen (@CinemaBlogrpher), co-Editor online, revista POV

nu există un exemplu mai bun al necesității de a ne spune propriile povești decât documentarul lui Sarah Polley, povestiri pe care le spunem. Filmul profund personal, adus la viață de dorința lui Polley de a pune mâna pe narațiune atunci când un secret de familie risca expunerea, meditează asupra dreptului pe care o persoană trebuie să-i spună povestea altuia. Pe măsură ce Polley sapă mai adânc în istoria familiei sale, filmul interoghează variațiile adevărului care apar atunci când amintirile sunt fragmentate și refractate în timp.

Polley împinge barierele documentarului alergând cu sugestia producătorului Anita Lee de a extinde povestea unei familii la actul colectiv de povestire. Această schimbare de formă se joacă cu percepția și noțiunile de adevăr și ficțiune — și presupusul adevăr autentic al documentarului — pentru a înțelege mai bine familia pe care Polley credea că o cunoaște, deoarece perspectivele partidelor investite și ale jucătorilor periferici pun împreună povestea mamei lui Sarah, Diane, și a tatălui ei biologic.

deasupra straturilor de interviuri și narațiunea jovială Margaret Atwood-infuzată de tatăl lui Polley, Michael, Stories We Tell creează un joc de memorie caleidoscopic cu imagini de arhivă și reconstituiri perfect amestecate. Puzzle-ul lui Polley provoacă dorința noastră de narațiuni curate, precum și presupusa autoritate și factualitate a documentarului. Cu toate acestea, mai impresionantă decât dexteritatea formală a filmului și interacțiunea dintre adevăr și ficțiune este legătura pură și onestă a iubirii familiale care îi unește pe povestitori, în timp ce Polley și familia ei explorează o poveste care i-ar fi putut împărți cu ușurință. Cine spune că toate familiile fericite sunt la fel?

mențiuni de Onoare: Incendies, Mami (Xavier Dolan, 2014), scuzele (Tiffany Hsiung, 2016), les affam olux (Robin Aubert, 2017), Camera interzisă (Guy Maddin și Evan Johnson, 2015)

Brett Pardy (@AntiqueiPod), Editor asociat, al șaptelea rând

scriitorul Chelsea Vowell a scris „Cred cu tărie că fiecare adult care trăiește în Canada ar trebui să vizioneze acest film (deși există mai multe avertismente declanșatoare pentru acest film decât pot număra, așa că vă rugăm să aveți grijă)” pentru că a fost „o privire în ceva pe care niciunul dintre noi nu vrea să-l vadă, dar trebuie să-l înfrunte.”Într-o perioadă în care arta politică este atât de didactică, Rhymes for young Ghouls se remarcă prin utilizarea strălucitoare a limbajului filmului de gen, amestecând groază, răzbunare grindhouse și imagini post-apocaliptice pentru a exprima groaza foarte reală a colonialismului Canadei. Ceea ce diferențiază rimele de multe filme „răzbunare fantezie” este că rămâne conștient de modul în care violența afectează personajele și produce și reproduce trauma care curge de-a lungul generațiilor.

CJ. Prince (@cj_prin), Critic de Film

este probabil o alegere de bază, dar aș minți dacă nu aș alege camera interzisă ca filmul meu Canadian preferat al deceniului. Remake-ul lui Guy Maddin și Evan Johnson al filmelor pierdute se îndoaie, se răsucește și se distorsionează pentru a transforma cinematografia într-un organism viu, care respiră și pulsează existent în timp. Este hilar, obositor și pe deplin conștient de tot ceea ce este unic despre film care îl face atât de grozav. Dar aș prefera să folosesc restul acestui spațiu pentru a promova alte titluri canadiene, toate acestea fiind minunate și ar trebui căutate: invenție (Mark Lewis, 2015), cei dragi (Anne Inktifmond, 2015), tu dors Nicole și First Stripes (Jean-Fran Inktifois Caissy, 2018).

un eseu despre primele dungi și un interviu cu regizorul apar în viitoarea noastră carte electronică, Cinematograful Canadian 2019 Yeabook.

Sophy Romvari (@SophyRomvari), cineast

fără îndoială, este nevoie de un anumit nivel de curaj și de o anumită cantitate de risc pentru a face un film cu adevărat interior. Atunci când echilibrul corect al distanței formale și al autenticității emoționale este lovit, acesta evocă un tip special de empatie în privitor. Personal, consider că acest tip de muncă este adesea cea mai plină de satisfacții experiențe cinematografice. Două exemple care îmi vin în minte când mă uit înapoi la ultimii zece ani ai cinematografiei canadiene sunt God Straightens Legs de Jo Oqulle Walinga și Manic de Kalina Bertin.

în ambele cazuri, aceste filme sunt caracteristici de debut, ceea ce este cu atât mai uluitor. Ambele filme privesc trauma în cadrul propriei familii a cineastului și spun povești captivante, pline de compasiune și inexorabil de oneste. God Straightens Legs este o poveste despre mama cineastului, care se opune tratamentului convențional al Cancerului din cauza convingerilor sale religioase, dar nu există niciodată o uncie de judecată. Filmul este plin de dragoste, mister și un element minunat de fantezie. Manic, pe de altă parte, este o descoperire epică a secretelor de familie și o Descriere brută a bolilor mintale transgeneraționale, dar este, de asemenea, extrem de tandră și răbdătoare. Boala mintală este, desigur, adesea senzaționalizată și poate duce la o stigmatizare suplimentară, dar Manic face ca consimțământul și colaborarea să facă parte din însăși țesătura țesută în descrierea acestor experiențe dificile, umanizându-le într-un mod care este rareori realizat.

mă simt umilită și împuternicită să le am pe amândouă ca modele de urmat în propria mea țară.

Mary Angela Rowe (@LapsedVictorian), redactor-șef, al șaptelea rând

stagiul meu în Canada nu a primit suficient credit. A fost prea Canadian pentru telespectatorii internaționali, care au pus la îndoială marca sa blândă de comedie, dar nici publicul Canadian nu s-a înghesuit. Toată lumea a ratat, pentru că acest film este o pasăre rară: o farsă politică care oferă o mușcătură fără dispreț, o trimitere a unui oraș mic din Canada, care nu este mic și o comedie ciudată în care nimeni nu se blochează fiind omul drept. Este, de asemenea, hilar amuzant, și unabashedly Canadian.

deputatul din Quebec Steve Guibord (Patrick Huard) este un deputat mic pentru un district rural din Quebec a cărui rutină adormită este spulberată de doi sosiți. În primul rând, Souverain Pascal (Irdens Exantus), un serios douăzeci și ceva din Haiti, cu un cap plin de teorie politică, ajunge la biroul mic al lui Guibord, valiza în mână, pentru un stagiu. Apoi, Guibord se termină cu votul decisiv în Parlament pentru a determina dacă Canada va merge la război. Împins brusc în lumina reflectoarelor naționale, Guibord este rupt în timp ce votul își împarte alegătorii și gospodăria. Guibord se trezește sprijinindu-se pe Souverain pentru îndrumare, în timp ce acești doi pești din apă navighează în absurditățile politicii canadiene și încearcă să facă ceea ce trebuie.

Falardeau se ocupă mai degrabă de caricaturi afectuoase decât de stereotipuri bidimensionale, prezentând portrete simpatice ale punctelor de vedere opuse, chiar dacă este clar cum vrea filmul să ne simțim. Singurul păcat din acest film este cinismul: disprețul este rezervat prim-ministrului ciudat de familiar (Paul Doucet), care alternează intermedierea politică cheală cu recitaluri de pian forțate. (Acest film a fost realizat într-un moment în care aparent singurul lucru care unea canadienii nu-i plăcea Stephen Harper.) Optimismul lui Souverain este infecțios, revigorând atât Guibordul obosit, cât și publicul. Stagiul meu în Canada este un deliciu spumos, amuzant, Generos.

piesa bucală a Patriciei Rozema (2019) este ceva mai intens și mai puternic — deși în momente, la fel de amuzant. Piesa bucală acoperă trei zile cu douăzeci de ani Torontonian Cassandra, a cărui viață este răsturnată de moartea subită a mamei sale. În timp ce Cassandra merge cu bicicleta în Toronto pentru a obține provizii pentru înmormântare (și evitând să scrie elogiul), își dă seama încet cât de mult din propria viață a fost trăită ca reacție la mama ei — și cât de mult alegerile mamei sale au fost constrânse de patriarhatul care le înconjura.

ceea ce catapultează piesa bucală dintr-o comedie mordantă, dulce-amăruie, într-o lucrare cu adevărat excepțională a casei de artă este vanitatea sa: în acest film altfel realist, Cassandra este interpretată de doi actori (Amy Nostbakken și Norah Sadava), acționând adesea cot la cot. Actorii alternează, se paralelizează și interacționează, arătându-ne contururile conflictului intern al Cassandrei. Cassandra este o persoană și, prin urmare, o mulțime de lucruri simultan. Dar ea nu poate face față durerii ei decât atunci când vine să atribuie aceeași complexitate internă mamei sale.

un interviu extins cu Rozema, Sadava și Nostbakken apare în viitoarea noastră carte electronică the Canadian Cinema Yearbook 2019.

Courtney Small (@SmallMind), Critic de Film, Cinema Axis

într-un deceniu cu atât de multe filme canadiene minunate, este ușor pentru un film ca petardele să alunece sub radar. Cu toate acestea, debutul electrizant al lui Jasmin Mozaffari a lovit un nerv cu mine pe care încă nu l-am scuturat. Prin ochii a două tinere, Mozaffari construiește o examinare bulversantă a masculinității toxice. Pictând un portret al modului în care sărăcia, genul și rasa sunt toate factori în modurile în care privilegiul este încurajat și permis, pocnitori este la fel de captivant și puternic. În timp ce filmul a atras comparații cu lucrările lui Andrea Arnold, Mozaffari se dovedește a fi o voce distinctă și unică în cinematografie, care va străluci pentru deceniile următoare.

un interviu cu regizorul Mozaffari și actrița ei principală apare în viitoarea noastră carte electronică, Anuarul cinematografic Canadian 2019.

Justine Smith (@RedRoomRantings), Critic de Film

gen Inktsse este un film de vârstă visător și transgresiv care caută să redefinească cinematografia narativă convențională.

1. Gen. (Philippe Lesage, 2018)
2. Tu dors Nicole (St. Lafleur, 2014)
3. Nuit #1 (Anne, 2010)
4. o metodă periculoasă (David Cronenberg, 2011)
5. La part du diable (Luc Bourdon, 2017)

în viitoarea noastră carte electronică, Anuarul cinematografic Canadian din 2019, Justine interviews Lesage, profilează vedeta filmului, TH Xvodore Pellerin și intervievează editorul (prima dată când a apărut un interviu cu el în engleză). Precomandați copia dvs. aici.

Orla Smith (@OrlaMango), editor executiv ,al șaptelea rând

(Canadian Onorific, în virtutea muncii la al șaptelea rând)

aleg o pereche de filme, piesa bucală a lui Patricia Rozema (2018) și Sarah Polley ia acest Vals (2011), ambele prea rafinate pentru a alege între.

Mouthpiece este cel mai bun film pe care l-am văzut anul acesta. Realizat de o echipă aproape Feminină, atât în spatele, cât și în fața camerei, reușește să fie îndrăzneț și inovator în limitele unui studiu intim al caracterului. Personajul principal, Cassandra, este interpretat simultan de două actrițe diferite (Amy Nostbakken și Norah Sadava, care au co-scris scenariul). Filmul este o explorare emoționantă a călătoriei Externe și interne a Cassandrei în timp ce se pregătește pentru înmormântarea mamei sale.

în timp ce povestirile lui Sarah Polley pe care le spunem este caracteristica ei mai lăudată în acest deceniu (și pentru un motiv bun, este genial), preferatul meu al ei trebuie să fie Ia acest Vals. Filmul arată superb, cu o cinematografie orbitor de strălucitoare, sunkissed. Este adesea un film destul de cald și amuzant, dar este, de asemenea, destul de devastator. Margot a lui Michelle Williams este o femeie blocată între doi bărbați: unul un potențial iubit interesant și misterios, celălalt soțul ei de câțiva ani. În loc să urmeze clișeul rom-com de a avea soțul să fie dur și iubitul o alternativă idilică, filmul călcă mult mai întunecată apă morală. Soțul Margot este absolut minunat, și sunt foarte fericiți împreună. Adevărul incomod este că, indiferent de bărbatul pe care îl alege, va fi bântuită de calea care nu a fost luată. Este un film care, în alte mâini, ar fi putut fi plictisitor și zaharină, dar Polley ia premisa la locuri care sunt psihologic fascinant și fără compromisuri.

un interviu extins cu Rozema, Sadava și Nostbakken apare în viitoarea noastră carte electronică the Canadian Cinema Yearbook 2019.

Alexandra West (@ScareAlex), jurnalist de Film

Canada a fost mult timp cunoscut pentru capacitatea sa stranie de a excela în genul horror. De la Black Christmas (Bob Clark, 1974) la Prom Night (Paul Lynch, 1980), de la The Fly (David Cronenberg, 1986) la Cube (Vincenzo Natali, 1997) la Pontypool (Bruce McDonald, 2008), Noi canadienii suntem minunați să ne jucăm cu temerile adânci ale publicului și să oferim frisoane atmosferice.

în urma excelentului său debut Backcountry (2014), al doilea film al lui Adam MacDonald, Pyewacket, combină în mod expert paranoia stranie a unui tânăr Cronenberg și energia sinistră a lui Sam Raimi pentru a crea o poveste unică de vârstă întunecată. Pe măsură ce Leah (Nicole Mu) crește din ce în ce mai mult în contradicție cu mama ei (Laurie Holden), așa cum fac majoritatea adolescenților, ea îl cheamă pe demonul Pyewacket să se ocupe de mama ei monstruoasă. În curând începe să meargă foarte greșit foarte repede.

MacDonald își umple ecranul cu un gol Lemnos straniu în timp ce conduce o narațiune simplă, dar complicată, îndrăznind publicul să mențină contactul vizual cu ecranul pe măsură ce pericolul se apropie. Controlul magistral al lui MacDonald și al echipajului asupra mise en SC, permite Pyewacket să funcționeze ca o piesă bazată pe personaje, care se simte vitală, familiară și interesantă, examinând în același timp frica noastră de ceea ce se ciocnește în noapte și legăturile care ne leagă. Pyewacket te va face să-ți pese de personajele sale, apoi îți va oferi coșmaruri pe care nu le vei uita în curând.

Addison Wylie (@AddisonWylie), Critic de Film, Wylie scrie

cineastul Jay Cheel spune o poveste de sincronicitate în Cum să construiești o mașină a timpului. Cei doi subiecți ai documentarului (animatorul Rob Niosi și fizicianul teoretic Ron Mallett) sunt doi oameni foarte diferiți, dar împărtășesc o legătură prin obsesia lor cu H. G. Wells’ Mașina timpului — legându-se direct de fiecare dintre obiectivele lor principale în viață. Cum de a construi o mașină a timpului este despre puterea conceptelor imaginative și modul în care acestea ne pot forma în cine suntem astăzi. Acest film perfect extinde și chiar schimbă ideile noastre de pasiune și nebunie.