Ankieta dla najlepszego kanadyjskiego filmu dekady

w ramach obchodów Święta Kina kanadyjskiego poprzedzającego wydanie Canadian Cinema Yearbook 2019 poprosiliśmy Kanadyjskich krytyków i filmowców o wybranie ulubionego kanadyjskiego filmu dekady i Wyjaśnienie nam, dlaczego. Ta lista jest doskonałym przeglądem najlepszych kanadyjskich filmów dekady.

to nie przypadek, że tak wiele z tych wyborów zawiera Filmy 2019, przełomowy rok dla kanadyjskiego kina. Zapoznaj się z niektórymi z tych filmów i nie tylko, podejmując wyzwanie Kina kanadyjskiego i przygotuj się na zanurzenie się w najlepszych filmach 2019 roku (i dekady!) zamawiając w przedsprzedaży egzemplarz naszego nadchodzącego ebooka, Rocznika Kina kanadyjskiego 2019.

: Każdy film, który miał swoją światową premierę w latach 2010-2019 i został nakręcony przez obywateli Kanady i/lub stałych mieszkańców (ale niekoniecznie osadzony w Kanadzie).

Sonya Ballantyne (@Honey_Child), filmowiec

moim ulubionym kanadyjskim filmem ostatnich dziesięciu lat jest Goon. To był trudny wybór, ponieważ było wiele dobrych wyborów, takich jak Grave Encounters (the Vicious Brothers, 2011), Rebelle (Kim Nguyen, 2012), wściekły Inuk (Alethea Arnaquq-Baril, 2016) i narodziny rodziny (Tasha Hubbard, 2017). Ale wybrałem Goona, ponieważ jest Chamski, krwawy i zabawny! Przez długi czas Filmy kanadyjskie były dla mnie zawsze synonimem ” nudne.”Goon pozwala nam stać się prostackie i wulgarne. Plus, fakt, że został nakręcony w Winnipeg i ma scenę mojej siostry krzycząc na arenie stoi podczas meczu głównego zespołu przeciwko drużynie Quebec również pomaga.

Bill Chambers (@FlmFrkCentral), montażysta, film Freak Central

moje dwa ulubione kanadyjskie filmy dekady to wskrzeszenie Hassana przez Carlo Guillermo Proto i czarny ptak Jasona Buxtona; pierwszy jest dokumentem, a drugi wydaje się boleśnie wiarygodny. Wskrzeszając Hassana podąża za Hartingsem, rodziną mieszkającą w Montrealu: ojcem Dennisem, matką Peggy i córką Lauviah. Wszyscy trzej są ślepi. Drugie dziecko, Hassan, utonęło w wieku sześciu lat (nie był ślepy). Proto matter-of-factly dokumentuje ich życie domowe i zawodowe oraz podróże pomiędzy, jak koordynują, jeśli chodzi o wykonywanie przyziemnych zadań, zasadniczo stając się jednym. Jednak utrata Hassana wyraźnie pozostawiła szczeliny w ich związku. Peggy zdradza Dennisa emocjonalnie, jeśli nie fizycznie (jeszcze), A Lauviah wydaje się izolowana w scenach ze swoim kotem. Dennis i Peggy szukają małpiej łapki, aby wszystko poskładać do kupy i wierzą, że znaleźli to w naukach Grigorija Grabovoya, rosyjskiego uzdrowiciela wiary, którego dziwaczne teorie utwierdziły Hartingów w przekonaniu, że Hassan może zostać przywrócony do życia. Zmienne są tu co najmniej unikalne, ale emocje są uniwersalne. Wskrzeszenie Hassana to inspirujący i niszczycielski film o zwierzęcym temacie kanadyjskiego kina: smutku, który okazuje się nie do pokonania ciężarem nawet dla Hartingów, którzy żyją życiem ciągłej adaptacji. Nie ma tygodnia, żebym się nie zastanawiał, jak sobie radzą.

Niesentymentalny, ale głęboko poruszający, Blackbird opowiada o nieśmiałym, nieszkodliwym gotyckim dzieciaku o imieniu Sean (Connor Jessup), który lamentuje nad kulturą sportową, wokół której krążą zarówno jego liceum, jak i rodzinne miasto. (Nawet jego ojciec jeździ Zamboni na lokalnym lodowisku.) Sean wypuszcza swoją śledzionę w fantazji Columbine, którą zamieszcza w sieci, w upale chwili i wkrótce znajduje się w młodzieżowym ośrodku detencyjnym Obok prawdziwych brutalnych przestępców. Opowiedziana z rzadką mieszanką człowieczeństwa i proceduralnej jasności, która przypomina zmarłego, wielkiego brytyjskiego filmowca Alana Clarke 'a (który uczęszczał do Szkoły Filmowej w Kanadzie), Blackbird czuje się kwintesencją Kanady w dołączaniu — i górowaniu — do szeregów szkolnych filmów kręconych bez strzelania ani jednej kuli na ekranie, a także w subtelnej krytyce naszej tendencji do zawyżania nagród sportowców i sprawności sportowej, do tego stopnia, że nawet małomiasteczkowa sala sądowa zaczyna wydawać się areną, na której ci, którzy mają władzę, muszą zaimponować. Kiedy Sean otrzymuje zakaz zbliżania się z 47 nazwiskami, to 47 osób może go okraść z wolności dla kaprysu; kto ma się kogo bać?

Anne Émond (@LaAnneEmond), filmowiec

wybrałem Les démohttps: / / seventh-row. com/2016/03/29/philippe-lesage-demony/NS, pierwszy film fabularny Philippe 'a Lesage’ a. Dla mnie jest to jeden z najbardziej błyskotliwych filmów o dzieciństwie, jakie kiedykolwiek powstały. To przerażające, Zabawne, Głębokie, niebezpieczne, łamiące serce. To życie, skondensowane.

Alex Heeney (@BWestCineaste), redaktor naczelny, siódmy rząd

film Sarah Polley jest bardziej kreatywnym klasykiem niż dokumentem: filmem o odkrywaniu i rozpakowywaniu historii jej rodziny, który sam w sobie ma na celu zwrócenie naszej uwagi na sztukę opowiadania historii w filmie. Rekonstrukcje, które czują się jak domowe filmy, można pomylić z faktem, a wywiady z wieloma osobami w rodzinie ujawniają często sprzeczne perspektywy. Polley pozwala nam zobaczyć siebie w kadrze z kamerą lub w bezpośrednim dialogu ze swoimi podmiotami, przypominając, że nie tylko wybiera pytania i reżyseruje rozmowy, ale także kuratoruje materiał filmowy i sposób jego prezentacji. Wiele osób opowiada swoje historie w tym filmie; Polley dostaje ostatnie słowo w krojowni.

jako adaptacja ze sceny na ekran, Ustnik to już cud: sposób, w jaki akcja rozgrywa się tak szczegółowo w rozpoznawalnych nawiedzeniach w Toronto, istotne Zbliżenia ujawniające wrażliwość bohaterów i retrospekcje, które wydają się tak realne, że zapominasz, że aktorki grające dorosłą Cassandrę (Amy Nostbakken i Norah Sadava) rzadko przebywały w tym samym pokoju, co ich matka (Maeve Beatty). A jednak ten film to o wiele więcej: feministyczna wypowiedź o tym, co to znaczy być nowoczesną kobietą, o poświęceniach dla kariery i rodziny, o sprzecznych uczuciach heteroseksualnej kobiety, która nie chce być kontrolowana przez patriarchat, o sposobie, w jaki kobiety szczególnie policja i wykonują dla siebie, o kalekiej naturze żalu. Ale myślę, że jego największa moc pochodzi z głównej zarozumiałości filmu: Cassandra jest grana przez dwie aktorki, fizyczną literalizację jej skonfliktowanego siebie-czasami zsynchronizowanego i aktywnie walczącego z innymi. Rozmawiałem o Mouthpiece dwa razy w Podcast siódmego rzędu i wywiady z reżyserką Patricią Rozema i jej współautorami i gwiazdami Norah Sadava i Amy Nostbakken. I będę myślał i oglądał ten film przez wiele lat.

wyróżnienia: przezabawna i błyskotliwa satyra polityczna Philippe ’ a Falardeau, być może pierwszy film w Kanadzie, mój staż w Kanadzie, rozśmieszył mnie bardziej niż prawie każdy inny film tej dekady, jednocześnie rzucając mi wyzwanie, aby myśleć zarówno o naturze demokracji, jak i o specyfice Kanady. Rhymes for Young Ghouls to zabawne, przerażające i trzewne spojrzenie na system szkół mieszkalnych, film z obrazami, które wciąż prześladują mnie po latach i pomogły mi zrozumieć to okrucieństwo w sposób, w jaki lekcje historii nigdy nie miały miejsca. A nasze ukochane Anne Émond zachwyciły mnie swoim przedstawieniem nie tylko cykli smutku, ale sposobu, w jaki dotyk utrzymuje rodzinę razem i łączy nas z naszą fizyczną egzystencją.

ustnik jest opisany w naszym nadchodzącym ebooku o kinie kanadyjskim, roczniku Kina kanadyjskiego 2019. Zamów swoją kopię w przedsprzedaży tutaj.

Chris Knight (@ChrisKnightFilm), główny krytyk filmowy, National Post

pamiętam, że byłem zdumiony, zaangażowany i ostatecznie poruszony (do łez!) przez intensywnie osobiste, ale ostatecznie uniwersalne historie Dokumentalne Sary Polley, które opowiadamy. Mówiąc prościej, jest to opowieść o poszukiwaniach przez Polley jej biologicznego ojca, po tym jak dowiedziała się, że mężczyzna, który ją wychował, nie był. Ale jest tu o wiele więcej — jak mitologia rodzinna jest kreowana i tworzona przez pokolenia, jak jedna prawda rodzi innych, a nawet jak montaż (czy to wspomnień, czy filmów) pomaga kształtować narracje naszej egzystencji. Starając się podsumować to wspaniałe doświadczenie, napisałem w mojej recenzji w tym czasie: „w oceanie prawdy zawsze stąpamy po wodzie, pływając dla naszego życia.”

ale wybór jednego” ulubionego ” kanadyjskiego filmu to trudne zadanie. Kanada produkuje wspaniałe dokumenty zarówno duże (Antropocene, Jennifer Baichwal, Edward Burtynsky, & Nicholas de Pencier, 2018), jak i małe (kobieta, która kocha żyrafy, Alison Reid, 2018), fantastyczne francusko-kanadyjskie dramaty, takie jak tu Dors Nicole (Stéphane Lafleur, 2014) Czy Café De Flore (Jean-Marc Vallée, 2011), przebojowe sci-fi, jak niedawny poziom 16 (Daniszka Esterhazy, 2019), znakomite komedie (zawsze niedoceniany Gatunek), takie jak słowo na F (Michael Dowse, 2013) i projekt Avalanche (Matt Johnson, 2016), a także potężne historie z pierwszej nacji, takie jak ostrze noża (Helen Haig-Brown & Gwaai Edenshaw, 2018), nakręcony w całości w języku Haida. Nie mówiąc już o pracy kanadyjskich reżyserów na światowej scenie; do moich ulubionych filmów z trzech ostatnich czterech lat należą prace Denisa Villeneuve-Sicario (2015), Arrival (2016) i Blade Runner 2049 (2017). Jesteśmy narodem obdarzonym bogactwami filmowymi.

wywiady z twórcami filmów za Antropocenem i ostrzem noża pojawiają się w naszym nadchodzącym ebooku, roczniku Kina kanadyjskiego 2019.

Joe Lipsett (@BStoleMyRemote), Dziennikarz Filmowy, QueerHorrorMovies.kom

jeśli jest jeden reżyser, który jest przykładem nowego kanadyjskiego Kina, To jest nim Denis Villeneuve. Scenarzysta i reżyser z Quebecu w ciągu ostatnich kilku lat wkroczył na międzynarodową scenę, ale jego filmy zawsze były symbolem napięcia między intymnymi momentami z charakterem a bombastycznymi sekwencjami akcji na dużą skalę.

Incendies jest ostatecznie wzorcowym filmem zarówno w karierze Villeneuve ’ a, jak i w Kinie kanadyjskim. Jest to ostatni” prawdziwie ” kanadyjski film, który reżyser nakręcił przed wyjazdem do Hollywood (yes, Enemy (2013) jest na małą skalę, ale nadal występuje w nim amerykańska mega Gwiazda Jake Gyllenhaal).

Incendies opowiada historię rodzeństwa bliźniaków, którzy podróżują na Bliski Wschód, aby odkryć własną historię; jest bez wątpienia prekursorem bardziej popularnej taryfy Villeneuve ’ a, ponieważ zawiera sceny tortur, porywającego napięcia i wybuchów. W jego sercu pozostaje jednak film o poszukiwaniu tożsamości-kwintesencja kanadyjskiego pojęcia wpisanego w strukturę puzzle-box filmu, jego status koprodukcji z Francją i wielojęzyczne podejście do dialogu (angielski, francuski i arabski). To błogi film polityczny, w równym stopniu szokujący, graficzny i czuły. Incendies udowadnia, że Polytechnique (2009) nie był przypadkiem; film ostatecznie zostanie pierwszą kanadyjską nominacją w kategorii Najlepszy film zagraniczny do Oscarów od prawie pół dekady.

Pat Mullen (@CinemaBlogrpher), współredaktor Online, POV Magazine

nie ma lepszego przykładu potrzeby opowiadania własnych historii niż dokument Sarah Polley historie opowiadamy. Głęboko osobisty film, ożywiony pragnieniem Polley ’ a, by uchwycić narrację, gdy tajemnica rodzinna narażona jest na ryzyko, medytuje nad tym, jak jedna osoba musi opowiedzieć historię drugiej. Podczas gdy Polley zagłębia się w historię swojej rodziny, film bada wariacje prawdy, które pojawiają się, gdy wspomnienia są fragmentaryczne i załamywane w czasie.

Polley przesuwa bariery dokumentalne, uciekając z sugestią producentki Anity Lee, aby rozszerzyć historię jednej rodziny na zbiorowy akt opowiadania historii. Ta zmiennokształtna gra z percepcją i pojęciami prawdy i fikcji – oraz domniemaną autentyczną prawdą dokumentu — aby lepiej zrozumieć rodzinę, którą Polley myślała, że zna, ponieważ perspektywy zainwestowanych stron i peryferyjnych graczy składają się na historię matki Sary, Diane i jej biologicznego ojca.

na warstwach wywiadów i wesoła narracja Margaret Atwood przez Ojca Polley, Michaela, Stories we Tell tworzy kalejdoskopową grę pamięciową z archiwalnymi nagraniami i inscenizacjami płynnie połączonymi ze sobą. Zagadka polleya rzuca wyzwanie naszemu pragnieniu czystych narracji, a także domniemanej autorytetowi i faktyczności dokumentu. Jednak bardziej imponująca niż formalna zręczność filmu i jego wzajemne oddziaływanie między prawdą a fikcją jest czysta i szczera więź rodzinnej miłości, która łączy opowiadaczy, gdy Polley i jej rodzina odkrywają historię, która z łatwością mogłaby ich podzielić. Kto powiedział, że wszystkie szczęśliwe rodziny są podobne?

: Incendies, Mommy (Xavier Dolan, 2014), the Apology (Tiffany Hsiung, 2016), Les affamés (Robin Aubert, 2017), The Forbidden Room (Guy Maddin i Evan Johnson, 2015)

Brett Pardy (@AntiqueiPod), Associate Editor, Seventh Row

Metis writer Chelsea Vowell napisała „mocno wierzę, że każdy dorosły mieszkający w Kanadzie powinien obejrzeć ten film (chociaż jest więcej ostrzeżeń wyzwalających dla tego filmu, niż mogę zliczyć, więc proszę uważać)”, ponieważ był to „rzut oka na coś, czego nikt z nas nie chce zobaczyć, ale musi stawić czoła.”W czasach, gdy sztuka polityczna jest tak dydaktyczna, Rhymes for Young Ghouls wyróżnia się błyskotliwym użyciem gatunkowego języka filmowego, mieszając horror, zemstę grindhouse’ a i postapokaliptyczne obrazy, aby wyrazić prawdziwy horror kanadyjskiego kolonializmu. Tym, co odróżnia Rhymes od wielu filmów „revenge fantasy”, jest to, że pozostaje świadomy tego, jak przemoc wpływa na bohaterów oraz produkuje i odtwarza traumę, która płynie przez pokolenia.

C. J. Prince (@CJ_Prin), krytyk filmowy

to prawdopodobnie podstawowy wybór, ale skłamałbym, gdybym nie wybrał Zakazanego pokoju jako mojego ulubionego kanadyjskiego filmu dekady. Remake filmu zagubieni Guy Maddin i Evan Johnson wygina się, skręca i zniekształca, aby zamienić kino w żywy, oddychający, pulsujący organizm istniejący w czasie. Jest przezabawny, wyczerpujący i w pełni świadomy wszystkiego, co wyjątkowe w filmie sprawia, że jest tak świetny. Ale wolę wykorzystać resztę tej przestrzeni do promowania innych kanadyjskich tytułów, z których wszystkie są wspaniałe i powinny być poszukiwane: Invention (Mark Lewis, 2015), Our Loved Ones (Anne Émond, 2015), tu Dors Nicole i First Stripes (Jean-François Caissy, 2018).

esej o pierwszych paskach i wywiad z reżyserem pojawią się w naszym nadchodzącym ebooku, kanadyjskim Kinie Yeabook 2019.

Sophy Romvari (@SophyRomvari), filmowiec

bez wątpienia, aby nakręcić film, który naprawdę patrzy w głąb siebie, potrzeba pewnego poziomu odwagi i pewnego ryzyka. Kiedy zostaje zachowana właściwa równowaga dystansu formalnego i autentyczności emocjonalnej, wywołuje u widza szczególny rodzaj empatii. Osobiście uważam, że ten rodzaj pracy jest często najbardziej satysfakcjonującym doświadczeniem Filmowym. Dwa przykłady, które przychodzą mi do głowy, kiedy patrzę wstecz na ostatnie dziesięć lat kanadyjskiego Kina, To Bóg prostuje nogi Joële Walingi i Manic Kaliny Bertin.

w obu przypadkach filmy te są debiutami fabularnymi, co jest tym bardziej zdumiewające. Oba filmy patrzą na traumę w ramach własnej rodziny filmowca i opowiadają historie, które są porywające, współczujące i nieubłaganie szczere. Bóg prostuje nogi to opowieść o matce filmowca, która ze względu na swoje przekonania religijne sprzeciwia się konwencjonalnemu leczeniu nowotworowemu, ale nigdy nie ma osądu. Film jest pełen miłości, tajemnicy i wspaniałego elementu fantazji. Maniak natomiast to epickie odkrywanie rodzinnych tajemnic, surowy obraz ponadpokoleniowej choroby psychicznej, ale także niezwykle czuły i cierpliwy. Choroba psychiczna jest oczywiście często odczuwalna i może prowadzić do dalszego piętnowania, ale Manic sprawia, że zgoda i współpraca są częścią samej tkaniny wplecionej w obraz tych trudnych doświadczeń, humanizując je w sposób, który rzadko się osiąga.

czuję się upokorzona i upoważniona, aby mieć obie te kobiety jako wzór do naśladowania w moim własnym kraju.

Mary Angela Rowe (@LapsedVictorian), redaktor w siódmym rzędzie

mój staż w Kanadzie nie zdobył wystarczającej liczby punktów. Była zbyt Kanadyjska dla międzynarodowych widzów, którzy kwestionowali jej łagodną markę komedii, ale kanadyjska publiczność też do niej nie przylgnęła. Wszyscy pominęli, bo ten film to rzadki ptak: polityczna farsa, która dostarcza gryza bez pogardy, wysyłanie małych miasteczek Kanady, które nie są małostkowe, i dziwna komedia z parami, w której nikt nie utknie jako Hetero. Jest też śmiesznie zabawna i niepozornie Kanadyjska.

poseł z Quebecu Steve Guibord (Patrick Huard) jest małoletnim posłem z wiejskiej dzielnicy Quebecu, której Senna rutyna zostaje rozbita przez dwóch przybyszów. Najpierw Souverain Pascal (Irdens Exantus), poważny dwudziestolatek z Haiti z głową pełną Teorii Politycznej, przybywa do maleńkiego biura Guiborda, z walizką w ręku, na staż. Następnie Guibord kończy decydującym głosowaniem w Parlamencie w celu ustalenia, czy Kanada pójdzie na wojnę. Nagle w centrum uwagi kraju, Guibord jest rozdarty, gdy głosowanie dzieli jego wyborców i jego rodzinę. Guibord znajduje się opierając się na Souverain o przewodnictwo, gdy te dwie ryby z wody poruszają się po absurdach kanadyjskiej polityki i starają się postąpić słusznie.

Falardeau zajmuje się raczej czułymi karykaturami niż dwuwymiarowymi stereotypami, przedstawiając sympatyczne portrety przeciwstawnych poglądów, mimo że jest jasne, jak film chce, żebyśmy się czuli. Jedynym grzechem w tym filmie jest cynizm: pogarda jest zarezerwowana dla dziwnie znanego premiera (Paul Doucet), który na przemian przestawia łysy układ polityczny-pośrednik z wymuszonymi recitalami fortepianowymi. (Film ten powstał w czasach, gdy pozornie jedyną rzeczą jednoczącą Kanadyjczyków była niechęć do Stephena Harpera.) Optymizm souveraina jest zaraźliwy, ożywia zarówno zmęczonego Guiborda, jak i publiczność. Mój staż w Kanadzie to pienista, zabawna, hojna Rozkosz.

Ustnik Patricii Rozemy (2019) jest czymś bardziej intensywnym i mocniejszym — choć momentami równie zabawnym. Ustnik obejmuje trzy dni z dwudziestopięcioletnią Torontońską Kasandrą, której życie upłynęło wskutek nagłej śmierci matki. Gdy Cassandra jeździ po Toronto, zbierając zapasy na pogrzeb (i unikając pisania mowy pogrzebowej), powoli uświadamia sobie, jak wiele z jej własnego życia przeżyło w reakcji na matkę — i jak bardzo wybory jej matki były ograniczone przez otaczający je patriarchat.

to, co katapultuje ustnik z marudnej, słodko-gorzkiej komedii do prawdziwie wyjątkowej pracy w domu sztuki, to jego zarozumiałość: w tym bardziej realistycznym filmie Cassandrę gra dwóch aktorów (Amy Nostbakken i Norah Sadava), często działających obok siebie. Aktorzy naprzemiennie, równolegle, wchodzą w interakcję, ukazując kontury wewnętrznego konfliktu Kasandry. Cassandra jest osobą, a zatem wiele rzeczy na raz. Ale może radzić sobie ze swoim smutkiem tylko wtedy, gdy przychodzi przypisać tę samą wewnętrzną złożoność matce.

Rozszerzony wywiad z Rozemą, Sadavą i Nostbakkenem pojawi się w naszym nadchodzącym ebooku the 2019 Canadian Cinema Yearbook.

Courtney Small (@SmallMind), krytyk filmowy, Cinema Axis

w ciągu dekady z tak wieloma wspaniałymi kanadyjskimi filmami, łatwo jest film taki jak petardy wymknąć się spod radaru. Jednak elektryzujący debiut Jasmin Mozaffari wstrząsnął mną nerwem, którego jeszcze nie wstrząsnąłem. Oczami dwóch młodych kobiet Mozaffari konstruuje pęcherze badanie toksycznej męskości. Malując portret tego, jak ubóstwo, płeć i rasa wpływają na sposób, w jaki Promuje się i umożliwia przywileje, petardy są równie wciągające i potężne. Podczas gdy film porównuje się do dzieł Andrei Arnold, Mozaffari okazuje się być wyraźnym i wyjątkowym głosem w kinie, który ma zabłysnąć przez kolejne dziesięciolecia.

wywiad z reżyserką Mozaffari i jej główną aktorką pojawia się w naszym nadchodzącym ebooku, roczniku Kina kanadyjskiego 2019.

Justine Smith (@RedRoomRantings), krytyczka filmowa

Genèse to marzycielski i transgresywny film z epoki, który na nowo definiuje konwencjonalne Kino narracyjne.

1. Genèse (Philippe Lesage, 2018)
2. tu Dors Nicole (Stéphane Lafleur, 2014)
3. Nuit #1 (Anne Émond, 2010)
4. niebezpieczna metoda (David Cronenberg, 2011)
5. La part du diable (Luc Bourdon, 2017)

w naszym nadchodzącym ebooku, roczniku Canadian Cinema 2019, Justine przeprowadza wywiady z Lesage, profiluje gwiazdę filmu, Théodore Pellerin i przeprowadza wywiady z redaktorem (po raz pierwszy wywiad z nim ukazał się w języku angielskim). Zamów swoją kopię w przedsprzedaży tutaj.

Orla Smith (@OrlaMango), redaktor naczelny, siódmy rząd

(honorowy Kanadyjczyk, dzięki pracy w siódmym rzędzie)

wybieram parę filmów, Ustnik Patricii Rozemy (2018) i weź tego walca Sarah Polley (2011), oba są zbyt wykwintne, aby je wybrać.

Ustnik to najlepszy film jaki widziałem w tym roku. Wykonany przez prawie cały żeński zespół, zarówno za, jak i przed kamerą, udaje się być odważny i innowacyjny w ramach intymnego badania postaci. Główna bohaterka, Cassandra, grana jest jednocześnie przez dwie różne aktorki (Amy Nostbakken i Norah Sadava, które współtworzyły scenariusz). Film jest poruszającą eksploracją zewnętrznej i wewnętrznej podróży Cassandry przygotowującej się do pogrzebu matki.

podczas gdy historie Sarah Polley, które opowiadamy, są jej bardziej chwalone w tej dekadzie (i nie bez powodu są genialne), moim ulubionym musi być Take This Waltz. Film wygląda wspaniale, ze ślepo jasnymi, sunkissed kinematografii. Często jest to dość ciepły i zabawny film, ale jest też dość niszczycielski. Margot Michelle Williams jest kobietą utkniętą między dwoma mężczyznami: jednym ekscytującym i tajemniczym potencjalnym kochankiem, drugim jej kilkuletnim mężem. Zamiast podążać za banałem rom-com o tym, że mąż jest bezduszny, a kochanek-sielankową alternatywą, film jest o wiele bardziej mroczny. Mąż Margot jest absolutnie uroczy i są razem bardzo szczęśliwi. Niewygodna prawda jest taka, że jakikolwiek mężczyzna wybierze, będzie nawiedzana przez drogę, której nie wybrała. To film, który w innych rękach mógł być nudny i treściwy, ale Polley przenosi założenia w miejsca fascynujące psychologicznie i bezkompromisowe.

Rozszerzony wywiad z Rozemą, Sadavą i Nostbakkenem pojawi się w naszym nadchodzącym ebooku the 2019 Canadian Cinema Yearbook.

Alexandra West (@ScareAlex), dziennikarka Filmowa

Kanada od dawna znana jest ze swojej niesamowitej zdolności do doskonalenia się w gatunku horrorów. Od Black Christmas (Bob Clark, 1974) przez Bal maturalny (Paul Lynch, 1980), od The Fly (David Cronenberg, 1986) do Cube (Vincenzo Natali, 1997) do Pontypool (Bruce McDonald, 2008), My Kanadyjczycy jesteśmy świetni w graniu z głęboko zakorzenionymi lękami publiczności i dostarczaniu atmosferycznych dreszczy.

po znakomitym debiucie Backcountry (2014), drugi film Adama Macdonalda, Pyewacket, fachowo łączy niesamowitą paranoję młodego Cronenberga i złowrogą energię Sama Raimi, aby stworzyć wyjątkowo mroczną historię o dojrzewaniu. Gdy Leah (Nicole Muñoz) coraz bardziej kłóci się ze swoją matką (Laurie Holden), jak to robi większość nastolatków, wzywa demona Pyewacket, aby radził sobie ze swoją potworną mamą. Wkrótce zaczyna się bardzo źle, bardzo szybko.

MacDonald wypełnia swój ekran niesamowitą drewnianą pustką, prowadząc prostą, ale skomplikowaną narrację, prowokując widzów do utrzymywania kontaktu wzrokowego z ekranem, gdy niebezpieczeństwo się zbliża. Mistrzowskie sterowanie mise en scène przez MacDonalda i crew pozwala Pyewacket funkcjonować jako element napędzany postacią, który czuje się witalny, znajomy i ekscytujący, jednocześnie badając nasz strach przed tym, co dzieje się w nocy i więzami, które nas wiążą. Pyewacket sprawi, że troszczysz się o swoich bohaterów, a następnie sprawi, że będziesz miał koszmary, których szybko nie zapomnisz.

Addison Wylie (@AddisonWylie), krytyk filmowy, pisze

filmowiec Jay Cheel opowiada historię synchroniczności w sposobie budowania wehikułu czasu. Dwaj uczestnicy filmu dokumentalnego (animator Rob Niosi i fizyk teoretyczny Ron Mallett) to dwie bardzo różne osoby, ale łączy ich obsesja na punkcie wehikułu czasu H. G. Wellsa-przywiązanie do każdego z ich głównych celów życiowych. Jak zbudować wehikuł czasu jest o sile pomysłowych pojęć i jak mogą kształtować nas w tym, kim jesteśmy dzisiaj. Ten doskonały film rozszerza, a nawet zmienia nasze wyobrażenia o pasji i szaleństwie.