Caitlin Doyle Er en poet hvis siste utmerkelser inkluderer Amy Award I Poesi gjennom Poeter & Writers Magazine, En Tennessee Williams Stipend i poesi Gjennom Sewanee Writers Conference, 2012 ALSCW Fellowship (Association Of Literary Scholars, Critics, And Writers) Til Vermont Studio Center Og En Litterær grant I Poesi Gjennom Elizabeth George Foundation. Hennes poesi har dukket opp eller er kommende i flere publikasjoner, inkludert The Atlantic, The Threepenny Review, Boston Review, Black Warrior Review, Measure, Best New Poets 2009 og The Warwick Review. Hun har også en profesjonell bakgrunn i film og manus, har skrevet og regissert kortfilmer vist på ulike festivaler. Ms. Doyle er for tiden i arbeid mot ferdigstillelse av hennes første bok-lengde poesi manuskript.
din poesi, kanskje i motsetning til utbredelsen av frie vers i moderne poesi, har blitt anerkjent for sin dyktige bruk av formelle elementer som rim og meter. Foruten den musikalske kvaliteten avledet fra rim og meter, er det andre grunner til at du finner deg selv trukket til formalisme? Hva vil du si til påstander om at en av disse tilnærmingene, fritt vers eller formell poesi, er estetisk overlegen den andre?
Ja, det er grunner utover musikalitet som trekker meg mot de tradisjonelle tekniske elementene i poesi. Tross alt har rim og meter ikke et iboende større krav på kraften til å produsere sonorøst språk enn noen av de andre verktøyene som er tilgjengelige for en dikter. Poeter som skriver både «formell poesi «og» frie vers » har så mange måter utover metrisk mønster og sammenkobling av rimord for å få et dikt til å synge. Eksempler er alliterasjon, assonance, rytmisk samspill mellom syntaks og linjelengde, og resonansblanding av varierte diksjonsregistre. Jeg legger setningene «formell poesi «og» frie vers » i anførselstegn fordi, selv om de tjener som terminologi for å gjøre et generelt skille mellom to typer estetiske tilnærminger, deler jeg mange dikters tro på at vilkårene mangler tilstrekkelig nyanse. Det beste «frie vers» har formelle begrensninger og veiledende prinsipper, akkurat som den mest gripende «formelle poesi» inneholder frihet og innovasjon.
å hevde at en estetisk tilnærming i poesi er iboende overlegen til en annen, er som å hevde at ett instrument i et orkester produserer bedre musikk enn alle de andre instrumentene. Å argumentere for at en fiolin objektivt sett skaper en større lyd enn en viola eller en cello, er å utelate et viktig hensyn: den subjektive virkeligheten av hvem som spiller instrumentet og hvordan han eller hun gjør det. I likhet med alle strukturelle trekk ved skriftlig språk, for eksempel syntaks eller meter, er et instrument et livløs verktøy, og har ingen egenverdi før noen engasjerer seg med det. Hva bestemmer kvaliteten på musikken er ikke instrumentet, men måten at det er tatt i bruk i hendene på en bestemt person.
Det er et sitat Av poeten Donald Hall som slår meg som å gi et opplysende rammeverk for denne diskusjonen: «formen for frie vers er like bindende og befriende som formen av en rondeau.»En rondeau er en mottatt poetisk form med strenge strukturelle krav som dikterer delingen av stanser, antall stavelser per linje og arrangementet av rim, blant annet. Det jeg beundrer om Dette sitatet Er At Hall ikke bare sier «form av frie vers er like bindende som form av en rondeau.»Med andre ord gjør han ikke bare poenget at frie vers har formelle prinsipper. Han ventures også at frie vers er «så befriende som formen av en rondeau», som kan virke som en overraskende uttalelse når man vurderer at en form så streng som rondeau ikke vises på overflaten for å kvalifisere som » befriende.»Med denne påstanden anerkjenner han følelsen av ubegrenset lisens som kan komme fra å skrive innenfor tett etablerte grenser, friheten som kan bli funnet når man tillater form å lede et dikt innhold i uventede retninger. I hovedsak fremhever Halls sitat måten at all god poesi, enten fri vers eller poesi som bruker tradisjonelle formelle elementer, er avhengig av spenningen mellom begrensning og frigjøring.
ditt frie vers er like dyktig som ditt formelle arbeid. Jeg tenker spesielt på ditt svært minneverdige «Self-Portrait With Monkeys» (The Threepenny Review) og ditt lekende og spøkende dikt «If Siegfried And Roy Had Never Met» (Black Warrior Review). Synes du at prosessen din og dine tematiske tendenser er forskjellige i forhold til om du skriver frie vers eller formell poesi? Som en annen del av dette spørsmålet, kan du snakke om hvordan du kom til å utvikle din tiltrekning til formelle vers i sammenheng med dagens frie vers-dominerende moderne poesi verden?
enten jeg komponerer et fritt versdikt eller et stykke som inneholder tradisjonelle formelle elementer, er prosessen min veldig lik. Mitt mål er å finne en balanse mellom kunstnerisk kontroll og åpenhet for det ukjente, veilede språket mot mine ønskede effekter samtidig som stykket kan ta på seg sin egen handlefrihet. Jeg elsker måten struktur og innhold kan trekke mot hverandre med en spenning som ender opp med å ta begge i uventede retninger, en opplevelse som er sentral i arbeidsmetodene mine. Jeg føler meg mest vellykket som poet når mitt endelige produkt er noe jeg ikke kunne ha forutsett, men likevel inneholder en følelse av kjernen følelsesmessig drivkraft som først satte pennen i bevegelse.
når det gjelder tematiske tendenser i både mitt frie vers og mitt arbeid som besitter formelle egenskaper, blir jeg ofte drevet av emnet rundt de rom som er igjen i menneskelivet av en sår, mangel, tap eller en følelse av ufullstendighet. Å skrive om slike rom i min egen erfaring og i andres liv, ofte livene til kjente offentlige figurer, galvaniserer pennen min. Jeg er interessert i å utforske rollen som både lyriske og fortellende impulser i å nå mot å fylle disse mellomrom.
for å svare på den andre delen av spørsmålet ditt, har jeg aldri følt at det var et øyeblikk hvor jeg bevisst valgte å ha interesse for de tradisjonelle formelle egenskapene til poesi. Som forfatter er du formet av det du leser, og som menneske velger du for det meste å lese hva som tiltrekker deg, en utvalgsprosess som ikke alltid er forklarlig eller definerbar. Jeg har funnet ut at en forfatters estetiske tilbøyeligheter ofte er like uforklarlige som enhver annen tilbøyelighet i individets liv, og springer så mye fra naturlig disposisjon som fra andre motiverende faktorer. Hvorfor velger noen den røde sykkelen i butikken i stedet for den gule? Hvorfor lytter noen til en bestemt radiokanal i stedet for forskjellige alternativer?
jeg har blitt trukket til de tradisjonelle formelle elementene i poesi siden tidlig barndom, etter å ha startet mitt leseliv med rimrike poeter som Christina Rossetti, A. E. Housman, Edwin Arlington Robinson og Edgar Allan Poe. Jeg følte meg hypnotisert av måten disse forfatterne brukte tradisjonelle formelle elementer for å kombinere regelmessighet og overraskelse, for å skape et dynamisk samspill av repetisjon og variasjon, sette opp øret mitt for forventninger som noen ganger møttes med oppfyllelse og andre ganger møtt med uforutsigbare subversjoner. Selvfølgelig, da kunne jeg ikke ha formulert slike effekter med absolutt klarhet, men jeg følte deres store makt.
din kreative bakgrunn inkluderer arbeid i film, med dine kortfilmer har blitt vist i en rekke festivaler. Jeg er interessert i det faktum at du har lært poesi klasser som inkorporerer aspekter av film i læreplanen; sist, som Den Nye Forfatteren Bosatt Ved Penn State University, lærte du et kurs som innlemmet screenwriting og poesi. Kan du snakke om opplevelsen av å undervise de to sjangrene sammen? Er det et bestemt stykke kino som du finner nyttig når det gjelder å lære elevene om rollen som bilder i poesi?
jeg nøt muligheten til å designe og undervise i et kurs fokusert spesielt på poesi og manusskriving Ved Penn State fordi jeg alltid har følt at de to sjangrene belyser hverandre på en levende måte. Siden elevene har en tendens til å ha mye mer erfaring med å se på filmer enn med å lese dikt, har jeg oppdaget at bruk av film som døråpning til poesi gjør det mulig for elevene å gå inn i strenge av finjustert språk på en måte som føles spennende for dem. Film gir en spesielt sterk ressurs når det gjelder å lære elevene om sentralitet av bilder i poesi, og fremhever måten poeter ofte bruker bilder som sin primære metode for å formidle mening og fremkalle svar i lesernes sinn og hjerter. Ezra Pound ‘s oppfatning av bildet som» det som presenterer et intellektuelt og emosjonelt kompleks i et tilfelle av tid » blir virkelig levende for studenter når de ser et segment av film som skaper sine narrative, emosjonelle og tonale effekter primært gjennom akkumulering og sammenstilling av nøye utvalgte bilder.
når det gjelder å identifisere et stykke kino som er spesielt nyttig som et objektiv for å diskutere bildets rolle i poesi, finner jeg en kort tre-bildes stille sekvens I Fritz Langs 1931-film M å være svært effektiv. Frem til segmentet, lang tilbringer filmens første scener bygge spenning rundt det faktum at et lite barn navn Elsie ikke har kommet hjem på vanlig tid etter skolen. Barnets mor blir stadig mer nervøs når timene går. Vi ser På Som Elsie, som har gått nedover gaten spretter en ball, møter en fremmed mann som utfyller hennes ball og kjøper henne en ballong. Deretter begynner den stille sekvensen, med følgende tre bilder i rekkefølge: et skudd av en tom middagsplate på Bordet satt Av Elsie mor, et skudd Av Elsie ball rulle ut av buskene og bremse til et stopp, og et skudd Av Elsie ballong, som har fløt ut av hendene, blir fanget i en kraftledning.
jeg legger vekt på for poesistudenter måten Lang ikke velger å direkte vise den fremmede som bortfører barnet, men i stedet fremkaller det faktum gjennom en rekke illevarslende og ladede bilder som gjør bortførelsen enda mer berørt for seerne. Vi konstaterer gjennom bare noen få haunting bilder både fortellende virkeligheten av hva som har skjedd og den emosjonelle tenor av hendelsen. Jeg har funnet ut at elevene bedre forstår hvordan bildene fungerer i poesi etter å ha sett dette utdraget Fra M.
Selv om jeg pleier å se den stadig vanlige» show-don ‘t-tell» Kreative Skrivedikt som altfor begrensende fordi mange av de beste diktene forteller så vel som viser, tror jeg den grunnleggende ideen om å «vise» i stedet for å «fortelle» er en viktig for begynnende poeter å assimilere. For det formål gir film et fantastisk kjøretøy for å hjelpe en student til å forstå hvordan man kan vedta ideer, følelser og erfaringer i stedet for å forklare dem.
det er mange debatter om hvordan man skal undervise prosodi, som er studiet av versifisering (spesielt av metrisk struktur). Faktisk er det vanlig i dag for de fleste studenter i engelsk Og Kreativ Skriving å gå gjennom hele skolegangen uten å lære prosodi. Kan du snakke litt om din egen utdanning i prosodi og gi noen tanker om hvordan du tror det kan være mest effektivt undervist?
Ingen av mine mest minneverdige lærere i engelsk eller Kreativ Skriving lærte prosodi med en håndbok full av regler og metriske vilkår. De beste lærerne jeg hadde sjelden sagt ordene «trochee», dactyl»,» catalexis «eller» amphribach.»Snarere understreket de kraften til rim, meter og mottatte former ved den direkte handlingen å utsette oss for superlative dikt som engasjerer tradisjonelle formelle elementer. Jeg konstatert mye mer om dyktige bruk av rim og meter ved å måtte lese, huske, Og resitere Thomas Hardy dikt For Derek Walcott klasse i gradsstudier enn om jeg hadde tatt et kurs som fokuserte på versification terminologi og scansion øvelser.
selvfølgelig foreslår jeg ikke at unge poeter ikke skal lære å skanne dikt og hvordan man gjenkjenner og bruker de riktige metriske vilkårene. De bør absolutt ta det på seg å gjøre det, enten ved å oppsøke en klasse eller mentor som kan tilby den slags teknisk opplæring eller ved å lære materialet på en selvlært måte ved hjelp av noen gode prosodi guider (Alfred Corns «The Poem’ S Heartbeat » er en spesielt nyttig tekst i den forbindelse). Men jeg tror at når det gjelder å assimilere prinsippene om prosodi, er det til slutt mer nyttig for elevene å fokusere på faktiske dikt enn på andre former for instruksjon. Tilnærmingen til mine beste litteratur-og skrivelærere i videregående skole, høyskole og utover syntes å bekrefte hva mine egne tidlige leseopplevelser hadde antydet: den mest effektive og morsomme måten å få en utdanning i poesiens håndverkskomponenter er å absorbere dem direkte gjennom nedsenking i verk av kraftige poeter.
Med andre ord, hvis du ønsker å utvikle evnen til å engasjere poesiens tradisjonelle formelle arv med dyktighet, tror jeg at det beste alternativet er å lære fra innsiden og ut, gjennom å ta vare på ordene til de med ekte formell mestring-la rytmene i deres språk komme inn i ditt sinn, hjerte og kropp – i stedet for å prøve å lære fra utsiden i via instruksjonsmaterialer. Det viktigste er ikke At Du kan lese Yeats ‘Blant Skolebarn og si» han skriver ottava rima strofer, kombinere strenge iambic pentameter med forekomster av betydelig metrisk variasjon, og ansette en blanding av enjambment og end-stoppet linjer.»Det som betyr noe er at du kan føle effekten av hans tekniske beslutninger som resonerer i kjernen din. Det som betyr noe er at du på en visceral måte kan registrere hvordan diktets formelle trekk belyser spenningen mellom enhet og splittelse i menneskelivet – og at du kan absorbere fra ham en følelse av hvordan du kan bruke tradisjonelle formelle egenskaper av poetisk språk for å forme lesernes sensoriske opplevelse av et dikt.
i American Creative Writers on Class, synes diktet Ditt «Paris», som fantastisk vurderer Paris Hiltons Europeiske kodifiserte fornavn pared med commodification av etternavnet hennes, at vi alle tar en nærmere titt på spørsmålet om arv og privilegium. I referanse til klasse og poesi, hva interesserer deg eller forstyrrer deg i verden av skriving og undervisning poesi?
når det gjelder klassespørsmål i poesiens verden, er det som mest opptar min oppmerksomhet i disse dager den økonomiske situasjonen rundt professor ii. Et stort antall nye poeter betaler regningene ved å holde tilleggsstillinger, vanligvis undervisning i engelsk Komposisjonsklasser eller Kreative Skrivekurs. Oftere enn ikke, disse typer stillinger innebære en over pakket tidsplan, bunnløs lønn, null helsemessige fordeler, og fravær av en stemme i universitets saker. Det er ikke uvanlig at tilleggsprogrammer lærer mer enn en heltidsbelastning, sprer seg ut på flere campuser, og fortsatt knapt tjener en levende lønn. Tatt i betraktning at tillegg på alle felt utgjør flertallet av universitetsfakultetet i dette landet, er mangelen på institusjonell respekt som tilbys dem, økonomisk og ellers, en opprørende virkelighet. For å bli konkurransedyktig for tenure-track muligheter, må nye poeter som jobber som medhjelpere samle bemerkelsesverdige magasinpublikasjoner og produsere bøker, men deres undervisnings-og graderingsbelastning er ofte så stor at de ikke finner tid og energi for kreativ produksjon.
Det plager meg å tenke på hvor mange begavede forfattere i de fremvoksende stadiene finner seg kontinuerlig stunted av dette systemet. Deres status som medlemmer av en over arbeidet og dårlig kompensert akademisk underklasse resulterer i en utarming av høyere utdanning og også potensielt av landets litteratur. Jeg mener ikke å overdramatisere situasjonen. Adjungerende professorat er bare en av mange vanskelige økonomiske forhold som påvirker unge mennesker som velger å vie sitt liv til å skrive, og det gjelder bare de pursing en akademisk karriere spor. Selvfølgelig har det vært vanskelig for de fleste forfattere gjennom historien å balansere kreativt arbeid med å betale regningene, og når det gjelder jakten på kunstnerisk uttrykk, har mange mennesker levd i langt mer begrensende forhold enn de som står overfor dagens typiske fremvoksende forfatter-adjungerende professor. Men likevel, gitt det store antallet briljante unge forfattere som for tiden holder tilleggsstillinger, enten i håp om langsiktige tenure-track prospekter eller bare på grunn av et øyeblikkelig behov for å dekke levekostnader, er det vanskelig å ikke føle at omstendighetene til adjungerende professorat utgjør et viktig bekymringspunkt i poesiverdenen.
Tenker På T. S. Eliots berømte quip, «Angst er kreativitetens tjenestepike», hvilke aspekter ved å skrive din første diktbok gjør at du føler deg mest engstelig?
mitt svar på dette spørsmålet er relatert til din forespørsel om klasseproblemer i poesiverdenen. Det som gjør meg mest engstelig når jeg former min første bok, er det faktum at, så langt som jobbmuligheter i det litterære riket, er det en betydelig mengde incitament for en fremvoksende dikter å sette ut en full lengde samling så raskt som han eller hun kan klare det. Å ha en publisert bok er spesielt viktig når det gjelder å finne et universitet undervisning stilling som tilbyr økonomisk trygghet og sjansen for tenure-track avansement. Som et resultat, unge poeter noen ganger ender opp rushing ut sine første bøker for å oppnå en følelse av faglig stabilitet, senere angret betydelige mengder av arbeidet de inkluderte i sine debutsamlinger. Det kan være veldig selvbegrensende å utsette kunstnerisk modning til en kunstig kronologi.
jeg er bekymret for hvordan den nåværende strukturen i det profesjonelle markedet i poesiverdenen kan hemme den gradvise og arbeidskrevende utviklingen av en poets spesielle sett med gaver. Hva ville ha skjedd hvis Robert Frost Eller Wallace Stevens, som publiserte sine første bøker på trettini og førtitre suksessivt, ikke hadde tillatt sitt arbeid å utvikle seg i sitt eget tempo?
Det er viktig for meg at jeg motstår de ofte svært overbevisende faglige og økonomiske fristelsene for å publisere sin første bok raskt. Jeg føler det er viktig at jeg produserer samlingen i henhold til min egen interne tidslinje, og respekterer det faktum at jeg ikke er en spesielt rask forfatter. Diktene tar form sakte for meg. Det som betyr noe for meg er ikke at boken kommer ut et år fra nå i motsetning til tre år nedover linjen. Det avgjørende er at jeg føler meg trygg på at manuskriptet har nådd sitt fulle resultat før jeg søker publisering for det. Selvfølgelig, det kan være like skadelig å holde ut på å publisere en samling på grunn av å trykke ens arbeid opp mot urealistiske forventninger, venter til hvert dikt møter noen standard av uoppnåelig perfeksjon. Det er ikke noe slikt som en helt feilfri poesibok. Så for meg er målet å finne balansen mellom å bringe manuskriptet til så fullstendig en realisering som mulig, samtidig som man vet når man skal si «det er på tide å slippe og slippe dette ut i verden.»
