Sondage sur le Meilleur Film canadien de la Décennie

Dans le cadre de notre célébration du cinéma canadien avant la sortie de l’Annuaire du cinéma canadien 2019, nous avons demandé aux critiques et aux cinéastes canadiens de choisir leur film canadien préféré de la décennie et de nous expliquer pourquoi. Cette liste est un excellent aperçu de certains des meilleurs films canadiens de la décennie.

Ce n’est pas un hasard si tant de ces choix mettent en vedette des films de 2019, une année marquante pour le cinéma canadien. Rattrapez certains de ces films et plus encore en relevant le Défi du cinéma canadien et préparez-vous à plonger dans les meilleurs films de 2019 (et de la décennie!) en précommandant votre exemplaire de notre prochain livre électronique, L’Annuaire du cinéma canadien 2019.

Admissibilité: Tout film qui a fait sa première mondiale entre 2010 et 2019 et qui a été réalisé par des citoyens canadiens et / ou des résidents permanents (mais pas nécessairement situé au Canada).

Sonya Ballantyne (@Honey_Child), Cinéaste

Mon film canadien préféré des dix dernières années est Goon. Ce fut un choix difficile car il y avait beaucoup de bons choix tels que Grave Encounters (The Vicious Brothers, 2011), Rebelle (Kim Nguyen, 2012), Angry Inuk (Alethea Arnaquq-Baril, 2016) et Birth of a Family (Tasha Hubbard, 2017). Mais j’ai choisi Goon parce que c’est grossier, c’est sanglant, et c’est tellement drôle! Pendant longtemps, les films canadiens, pour moi, ont toujours été synonymes de « ennuyeux. »Goon nous laisse devenir grossiers et vulgaires. De plus, le fait qu’il ait été filmé à Winnipeg et qu’il y ait une scène où ma sœur crie dans les gradins de l’aréna pendant le match de l’équipe principale contre une équipe du Québec aide aussi.

Bill Chambers (@FlmFrkCentral), Monteur, Film Freak Central

Mes deux films canadiens préférés de la décennie sont Hassan Ressuscité de Carlo Guillermo Proto et Blackbird de Jason Buxton; le premier est un documentaire, et le second semble terriblement plausible. Ressusciter Hassan suit les Hartings, une famille montréalaise de buskers du métro : le père Dennis, la mère Peggy et la fille Lauviah. Tous les trois sont aveugles. Il y avait un deuxième enfant, Hassan, qui s’est noyé à l’âge de six ans (il n’était pas aveugle). Proto documente de manière factuelle leur vie domestique et professionnelle et les voyages entre les deux, la façon dont ils se coordonnent lorsqu’il s’agit d’accomplir des tâches banales, devenant essentiellement un. Mais la perte d’Hassan a clairement laissé des fissures dans leur relation, Peggy trompant Dennis émotionnellement, sinon physiquement (encore), et Lauviah semblant isolée dans des scènes avec son chat. Dennis et Peggy sont à la recherche d’une Patte de singe pour tout reconstituer et croient l’avoir trouvée dans les enseignements de Grigory Grabovoy, un guérisseur de foi russe dont les théories farfelues ont convaincu que Hassan peut être ramené d’entre les morts. Les variables ici sont pour le moins uniques, mais les émotions sont universelles. Ressusciter Hassan est un film inspiré et dévastateur sur un sujet familier du cinéma canadien : le chagrin, qui s’avère un fardeau insurmontable même pour les Hartings, qui vivent une vie d’adaptation constante. Il ne se passe pas une semaine sans que je ne me demande pas comment ils vont.

Peu sentimental mais profondément touchant, Blackbird parle d’un gamin gothique timide et inoffensif nommé Sean (Connor Jessup) qui déplore la culture sportive autour de laquelle son lycée et sa ville natale tournent. (Même son père conduit la Zamboni à la patinoire locale.) Sean se vide la rate dans un fantasme de Columbine qu’il poste sur le web, dans le feu de l’action, et se retrouve bientôt dans un centre de détention pour jeunes aux côtés de véritables délinquants violents. Raconté avec un mélange rare d’humanité et de clarté procédurale qui rappelle le regretté et grand cinéaste britannique Alan Clarke (qui a fréquenté une école de cinéma au Canada), Blackbird se sent typiquement canadien en rejoignant — et en dominant — les rangs des films scolaires sans tirer une seule balle à l’écran, ainsi que dans sa critique subtile de notre tendance à surpasser les athlètes et les prouesses athlétiques, au point que même une salle d’audience de petite ville commence à ressembler à une arène où ceux qui ont du pouvoir doivent impressionner. Quand Sean reçoit une ordonnance restrictive avec 47 noms dessus, ce sont 47 personnes qui pourraient lui voler sa liberté sur un coup de tête; qui est censé avoir peur de qui, encore une fois?

Anne Émond (@LaAnneEmond), Cinéaste

J’ai choisi Les démohttps://seventh-row.com/2016/03/29/ philippe-lesage – démons/ns, le premier film de fiction de Philippe Lesage. Pour moi, c’est l’un des films les plus brillants sur l’enfance jamais réalisés. C’est effrayant, c’est drôle, c’est profond, c’est dangereux, c’est déchirant. C’est la vie, condensée.

Alex Heeney (@BWestCineaste), Rédacteur en chef, Seventh Row

Le film de Sarah Polley est plus une non-fiction créative que un documentaire: un film sur la découverte et le déballage de l’histoire de sa famille qui est lui-même conçu pour attirer notre attention sur l’art de la narration sur film. Les reconstitutions qui ressemblent à des vidéos personnelles peuvent être confondues avec des faits, et les entretiens avec plusieurs personnes de la famille révèlent des points de vue souvent contradictoires. Polley nous permet de nous voir dans le cadre avec une caméra ou en dialogue direct avec ses sujets, pour rappeler qu’elle choisit non seulement les questions et dirige les conversations, mais aussi le commissariat des images et la façon dont elles sont présentées. Beaucoup de gens racontent leurs histoires dans ce film; Polley a le dernier mot dans la salle de découpe.

En tant qu’adaptation de la scène à l’écran, Mouthpiece est déjà une merveille: la façon dont l’action se déroule si spécifiquement dans des repaires torontois reconnaissables, les gros plans essentiels révélant la vulnérabilité des personnages et les flashbacks qui semblent si réels que vous oubliez que les actrices qui incarnent Cassandra (Amy Nostbakken et Norah Sadava) étaient rarement dans la même pièce que leur mère (Maeve Beatty). Et pourtant, ce film est tellement plus: une déclaration féministe sur ce que signifie être une femme moderne, les sacrifices consentis pour sa carrière et sa famille, les sentiments contradictoires d’être une femme hétérosexuelle qui ne veut pas être contrôlée par le patriarcat, la façon dont les femmes, en particulier, font la police et performent pour elles-mêmes, et la nature paralysante du chagrin. Mais je pense que sa plus grande puissance vient de la vanité principale du film: Cassandra est jouée par deux actrices, une littéralisation physique de son moi conflictuel — synchronisé parfois, et activement combative pour d’autres. J’ai parlé de Mouthpiece deux fois sur le podcast Seventh Row et interviewé la réalisatrice Patricia Rozema et ses co-scénaristes et stars Norah Sadava et Amy Nostbakken. Et je vais réfléchir et revoir ce film pour les années à venir.

Mentions honorables : L’hilarante et brillante satire politique de Philippe Falardeau, peut-être la première au cinéma au Canada, Mon Stage au Canada, m’a fait rire plus que presque n’importe quel autre film de cette décennie tout en me mettant au défi de réfléchir à la fois à la nature de la démocratie et aux spécificités canadiennes. Rhymes for Young Ghouls est un regard divertissant, horrifiant et viscéral sur le système des pensionnats, un film avec des images qui me hantent encore des années plus tard, et m’a aidé à comprendre cette atrocité comme les leçons d’histoire ne l’ont jamais fait. Et Nos proches d’Anne Émond m’a séduit par sa représentation non seulement des cycles de deuil, mais aussi par la façon dont le toucher maintient une famille unie et nous lie à notre existence physique.

Mouthpiece est présenté dans notre prochain livre électronique sur le cinéma canadien, L’Annuaire du cinéma canadien 2019. Précommandez votre copie maintenant ici.

Chris Knight (@ChrisKnightFilm), Critique de cinéma en chef, National Post

Je me souviens avoir été étonné, engagé et finalement ému (aux larmes!) par Les Histoires documentaires intensément personnelles mais finalement universelles que Nous racontons de Sarah Polley. En termes simples, c’est l’histoire de la recherche par Polley de son père biologique, après avoir appris que l’homme qui l’a élevée ne l’était pas. Mais il y a tellement plus ici — comment la mythologie familiale est rédigée et élaborée au fil des générations, comment une vérité engendre d’autres, et même comment le montage (que ce soit de nos souvenirs ou de nos films) contribue à façonner les récits de notre existence. Essayant de résumer cette expérience glorieuse, j’ai écrit dans ma critique de l’époque: « Dans l’océan de la vérité, nous marchons pour toujours sur l’eau, nageons pour nos vies. »

Mais choisir un film canadien  » préféré  » est une tâche difficile. Le Canada produit de grands documentaires à la fois grands (Anthropocène, Jennifer Baichwal, Edward Burtynsky, & Nicholas de Pencier, 2018) et petits (La Femme qui aime les Girafes, Alison Reid, 2018), de fabuleux drames canadiens-français comme Tu Dors Nicole (Stéphane Lafleur, 2014) ou Café de Flore (Jean-Marc Vallée, 2011), de la science-fiction percutante comme le récent Level 16 (Danishka Esterhazy, 2019), de superbes des comédies (toujours un genre sous-apprécié) comme The F Word (Michael Dowse, 2013) et Project Avalanche (Matt Johnson, 2016), et des histoires puissantes des Premières Nations comme Edge of the Knife (Helen Haig-Brown & Gwaai Edenshaw, 2018), entièrement tourné en langue haïda. Sans parler du travail des réalisateurs canadiens sur la scène mondiale; mes films préférés de trois des quatre dernières années ont inclus le travail de Denis Villeneuve—Sicario (2015), Arrival (2016) et Blade Runner 2049 (2017). Nous sommes une nation dotée de richesses cinématographiques.

Des entrevues avec les cinéastes derrière Anthropocène et Edge of the Knife figurent dans notre prochain livre électronique, L’Annuaire du cinéma canadien 2019.

Joe Lipsett (@BStoleMyRemote), Journaliste de cinéma, QueerHorrorMovies.com

S’il y a un réalisateur qui illustre le nouveau cinéma canadien, c’est bien Denis Villeneuve. Le scénariste-réalisateur québécois a percé sur la scène internationale au cours des dernières années, mais ses films ont toujours été emblématiques de la tension entre des moments intimes, axés sur les personnages et des séquences d’action à grande échelle et explosives.

Incendies est finalement un film de référence tant dans la carrière de Villeneuve que dans le cinéma canadien. C’est le dernier film « vraiment » canadien que le réalisateur a réalisé avant de partir à Hollywood (oui, Enemy (2013) est à petite échelle, mais il met toujours en vedette la méga star américaine Jake Gyllenhaal).

Incendies raconte l’histoire de frères et sœurs jumeaux qui voyagent au Moyen-Orient pour découvrir leur propre histoire; il est sans vergogne un précurseur du tarif plus grand public de Villeneuve en ce qu’il présente des scènes de torture, de tension et d’explosions. Il reste cependant au cœur du film un film sur la recherche d’identité — une notion typiquement canadienne qui est intégrée dans la structure du puzzle du film, ainsi que son statut de coproduction avec la France et son approche multilingue du dialogue (anglais, français et arabe). C’est un film politique boursouflé, à la fois choquant, graphique et tendre. Incendies prouve que Polytechnique (2009) n’était pas un hasard; le film sera finalement la première nomination canadienne dans la catégorie du Meilleur film étranger aux Oscars en près d’une demi-décennie.

Pat Mullen (@CinemaBlogrpher), Coéditeur en ligne, POV Magazine

Il n’y a pas de meilleur exemple de la nécessité de raconter nos propres histoires que le documentaire de Sarah Polley, Stories We Tell. Le film profondément personnel, animé par le désir de Polley de s’emparer du récit quand un secret de famille risquait d’être révélé, médite sur le droit qu’une personne doit raconter l’histoire d’une autre. Alors que Polley approfondit son histoire familiale, le film interroge les variations de la vérité qui surgissent lorsque les souvenirs sont fragmentés et réfractés au fil du temps.

Polley repousse les barrières du documentaire en suivant la suggestion de la productrice Anita Lee d’étendre l’histoire d’une famille à l’acte collectif de narration. Ce changement de forme joue avec la perception et les notions de vérité et de fiction — et la vérité présumée authentique du documentaire – pour mieux comprendre la famille que Polley pensait connaître alors que les points de vue des parties investies et des acteurs périphériques reconstituent l’histoire de la mère de Sarah, Diane, et de son père biologique.

Au-dessus des couches d’interviews et de la narration joviale imprégnée de Margaret Atwood par le père de Polley, Michael, Stories We Tell crée un jeu de mémoire kaléidoscopique avec des images d’archives et des reconstitutions parfaitement mélangées. Le puzzle de Polley remet en question notre désir de récits épurés, ainsi que l’autorité et la factualité présumées du documentaire. Plus impressionnant que la dextérité formelle du film et son interaction entre la vérité et la fiction, cependant, est le lien pur et honnête d’amour familial qui unit les conteurs alors que Polley et sa famille explorent un conte qui aurait facilement pu les diviser. Qui a dit que toutes les familles heureuses se ressemblent?

Mentions honorables: Incendies, Mommy (Xavier Dolan, 2014), Les Excuses (Tiffany Hsiung, 2016), Les affamés (Robin Aubert, 2017), La Chambre Interdite (Guy Maddin et Evan Johnson, 2015)

Brett Pardy (@AntiqueiPod), Rédacteur en chef adjoint, Septième rangée

L’écrivaine métisse Chelsea Vowell a écrit « Je crois fermement que chaque adulte vivant au Canada devrait regarder ce film (bien qu’il y ait plus d’avertissements déclencheurs pour ce film que je ne peux en compter, alors faites attention) » parce que c’était un « aperçu de quelque chose qu’aucun d’entre nous ne veut vraiment voir mais doit affronter. » À une époque où l’art politique est si didactique, Rhymes for Young Ghouls se distingue par son utilisation brillante du langage cinématographique de genre, mêlant horreur, vengeance de grindhouse et imagerie post-apocalyptique pour exprimer l’horreur bien réelle du colonialisme canadien. Ce qui distingue Rhymes de nombreux films de « vengeance fantastique », c’est qu’il reste conscient de la façon dont la violence affecte les personnages et produit et reproduit des traumatismes qui traversent les générations.

C. J. Prince (@CJ_Prin), Critique de cinéma

C’est probablement un choix de base, mais je mentirais si je ne choisissais pas The Forbidden Room comme mon film canadien préféré de la décennie. Le remake des films perdus de Guy Maddin et Evan Johnson se plie, se tord et se déforme pour transformer le cinéma en un organisme vivant, respirant et pulsant existant à travers le temps. C’est hilarant, épuisant et pleinement conscient de tout ce qui est unique dans le film qui le rend si génial. Mais je préfère utiliser le reste de cet espace pour promouvoir d’autres titres canadiens, qui sont tous formidables et devraient être recherchés: Invention (Mark Lewis, 2015), Nos proches (Anne Émond, 2015), Tu Dors Nicole et First Stripes (Jean-François Caissy, 2018).

Un essai sur First Stripes et une entrevue avec le réalisateur figurent dans notre prochain livre électronique, The Canadian Cinema Yeabook 2019.

Sophy Romvari (@SophyRomvari), Cinéaste

Indéniablement, il faut un certain courage et un certain risque pour faire un film véritablement tourné vers l’intérieur. Lorsque le juste équilibre entre distance formelle et authenticité émotionnelle est trouvé, cela évoque une sorte d’empathie particulière chez le spectateur. Personnellement, je trouve que ce type de travail est souvent l’expérience cinématographique la plus enrichissante. Deux exemples qui me viennent à l’esprit lorsque je regarde les dix dernières années du cinéma canadien sont le Dieu Redresse les jambes de Joële Walinga et Manic de Kalina Bertin.

Dans les deux cas, ces films sont des premiers longs métrages, ce qui est d’autant plus étonnant. Les deux films abordent le traumatisme dans le cadre de la propre famille du cinéaste et racontent des histoires captivantes, compatissantes et d’une honnêteté implacable. Dieu redresse les jambes est l’histoire de la mère du cinéaste, qui résiste aux traitements conventionnels contre le cancer en raison de ses croyances religieuses, mais il n’y a jamais une once de jugement. Le film est rempli d’amour, de mystère et d’un merveilleux élément de fantaisie. Manic, d’autre part, est une découverte épique de secrets de famille et une représentation brute de la maladie mentale transgénérationnelle, mais est également extrêmement tendre et patiente. La maladie mentale est, bien sûr, souvent sensationnalisée et peut conduire à une stigmatisation supplémentaire, mais Manic fait du consentement et de la collaboration une partie du tissu même tissé dans sa représentation de ces expériences difficiles, les humanisant d’une manière rarement atteinte.

Je me sens humiliée et habilitée à avoir ces deux femmes comme modèles à suivre dans mon propre pays.

Mary Angela Rowe (@LapsedVictorian), Rédactrice en chef, Septième rangée

Mon stage au Canada n’a pas reçu assez de crédit. C’était trop canadien pour les téléspectateurs internationaux, qui remettaient en question sa douce marque de comédie, mais le public canadien n’y a pas non plus afflué. Tout le monde est passé à côté, car ce film est un oiseau rare: une farce politique qui offre du mordant sans mépris, un envoi de petite ville du Canada qui n’est pas petit d’esprit, et une comédie de copains de couple étrange où personne ne reste coincé en tant qu’homme hétéro. C’est aussi hilarant, drôle et sans vergogne canadien.

Le député québécois Steve Guibord (Patrick Huard) est un petit député d’une circonscription rurale du Québec dont la routine endormie est brisée par deux arrivées. D’abord, Souverain Pascal (Irdens Exantus), un jeune haïtien d’une vingtaine d’années, la tête pleine de théorie politique, arrive au minuscule bureau de Guibord, valise à la main, pour un stage. Ensuite, Guibord se retrouve avec le vote décisif au Parlement pour déterminer si le Canada ira en guerre. Propulsé brusquement sur le devant de la scène nationale, Guibord est déchiré alors que le vote divise ses électeurs et son foyer. Guibord se retrouve à s’appuyer sur Souverain pour obtenir des conseils alors que ces deux poissons hors de l’eau naviguent dans les absurdités de la politique canadienne et tentent de faire ce qu’il faut.

Falardeau utilise des caricatures affectueuses plutôt que des stéréotypes bidimensionnels, présentant des représentations sympathiques de points de vue opposés, même s’il est clair ce que le film veut que nous ressentions. Le seul péché de ce film est le cynisme : le mépris est réservé au Premier ministre étrangement familier (Paul Doucet), qui alterne négociation politique chauve et récitals de piano forcés. (Ce film a été réalisé à une époque où apparemment la seule chose qui unissait les Canadiens était de ne pas aimer Stephen Harper.) L’optimisme de Souverain est contagieux, revigorant à la fois le Guibord blasé et le public. Mon stage au Canada est un délice mousseux, drôle et généreux.

L’embouchure de Patricia Rozema (2019) est quelque chose d’un peu plus intense et de plus puissant — mais par moments, tout aussi drôle. Mouthpiece couvre trois jours avec une vingtaine de quelque chose de torontois, Cassandra, dont la vie est bouleversée par la mort subite de sa mère. Alors que Cassandra se déplace à vélo à Toronto pour s’approvisionner pour les funérailles (et évite d’écrire l’éloge funèbre), elle réalise lentement à quel point sa propre vie a été vécue en réaction à sa mère — et à quel point les choix de sa mère ont été limités par le patriarcat qui les entoure.

Ce qui catapulte le porte-parole d’une comédie mordante et douce-amère à une œuvre d’art vraiment exceptionnelle, c’est sa vanité: dans ce film autrement réaliste, Cassandra est jouée par deux acteurs (Amy Nostbakken et Norah Sadava), jouant souvent côte à côte. Les acteurs alternent, se parallèles et interagissent, nous montrant les contours du conflit interne de Cassandra. Cassandra est une personne, et donc beaucoup de choses à la fois. Mais elle ne peut faire face à son chagrin que lorsqu’elle en vient à attribuer la même complexité interne à sa mère.

Une longue entrevue avec Rozema, Sadava et Nostbakken apparaît dans notre prochain livre électronique L’Annuaire du cinéma canadien 2019.

Courtney Small (@SmallMind), Critique de cinéma, Cinema Axis

En une décennie avec tant de films canadiens merveilleux, il est facile pour un film comme Pétards de passer sous le radar. Cependant, les débuts électrisants de Jasmin Mozaffari ont frappé un nerf avec moi que je n’ai pas encore secoué. À travers les yeux de deux jeunes femmes, Mozaffari construit un examen foudroyant de la masculinité toxique. Dressant un portrait de la façon dont la pauvreté, le sexe et la race entrent en compte dans la façon dont les privilèges sont encouragés et activés, Firecrackers est tout aussi captivant et puissant. Alors que le film a attiré des comparaisons avec les œuvres d’Andrea Arnold, Mozaffari s’avère être une voix distincte et unique dans le cinéma qui devrait briller pour les décennies à venir.

Une entrevue avec la réalisatrice Mozaffari et son actrice principale apparaît dans notre prochain livre électronique, L’Annuaire du cinéma canadien 2019.

Justine Smith (@RedRoomRantings), Critique de cinéma

Genèse est un film de passage à l’âge adulte rêveur et transgressif qui cherche à redéfinir le cinéma narratif conventionnel.

1. Genèse (Philippe Lesage, 2018)
2. Tu Dors Nicole (Stéphane Lafleur, 2014)
3. Nuit #1 (Anne Émond, 2010)
4. Une méthode dangereuse (David Cronenberg, 2011)
5. La part du diable (Luc Bourdon, 2017)

Dans notre prochain livre électronique, L’Annuaire du cinéma canadien 2019, Justine interviewe Lesage, dresse le profil de la vedette du film, Théodore Pellerin, et interviewe le monteur (c’est la première fois qu’une entrevue avec lui paraît en anglais). Précommandez votre exemplaire ici.

Orla Smith (@OrlaMango), Rédactrice en chef, Septième Rangée

(Canadienne honoraire, en vertu de son travail à la Septième rangée)

Je choisis deux films, Bec de Patricia Rozema (2018) et Take This Waltz de Sarah Polley (2011), tous deux trop exquis pour être choisis.

Mouthpiece est le meilleur film que j’ai vu cette année. Réalisée par une équipe presque exclusivement féminine, derrière et devant la caméra, elle parvient à être audacieuse et innovante dans les limites d’une étude intime des personnages. Le personnage principal, Cassandra, est joué simultanément par deux actrices différentes (Amy Nostbakken et Norah Sadava, qui ont toutes deux coécrit le scénario). Le film est une exploration émouvante du voyage extérieur et intérieur de Cassandra alors qu’elle se prépare pour les funérailles de sa mère.

Alors que Stories We Tell de Sarah Polley est son long métrage le plus salué cette décennie (et pour cause, il est brillant), mon préféré à elle doit être Take This Waltz. Le film est magnifique, avec une cinématographie aveuglante et ensoleillée. C’est souvent un film assez chaleureux et drôle, mais c’est aussi assez dévastateur. Margot de Michelle Williams est une femme coincée entre deux hommes: l’un un amant potentiel passionnant et mystérieux, l’autre son mari de plusieurs années. Plutôt que de suivre le cliché rom-com d’avoir le mari insensible et l’amant une alternative idyllique, le film marche sur l’eau morale beaucoup plus trouble. Le mari de Margot est absolument charmant, et ils sont très heureux ensemble. La vérité inconfortable est que quel que soit l’homme qu’elle choisira, elle sera hantée par le chemin non emprunté. C’est un film qui, en d’autres mains, aurait pu être ennuyeux et saccharin, mais Polley emmène la prémisse dans des lieux psychologiquement fascinants et sans compromis.

Une longue entrevue avec Rozema, Sadava et Nostbakken apparaît dans notre prochain livre électronique L’Annuaire du cinéma canadien 2019.

Alexandra West (@ScareAlex), Journaliste de cinéma

Le Canada est connu depuis longtemps pour sa capacité étrange à exceller dans le genre de l’horreur. De Black Christmas (Bob Clark, 1974) à Prom Night (Paul Lynch, 1980), de The Fly (David Cronenberg, 1986) à Cube (Vincenzo Natali, 1997) en passant par Pontypool (Bruce McDonald, 2008), nous, Canadiens, sommes excellents pour jouer avec les peurs profondes du public et donner des frissons atmosphériques.

Après son excellent premier Backcountry (2014), le deuxième film d’Adam MacDonald, Pyewacket, combine habilement la paranoïa étrange d’un jeune Cronenberg et l’énergie sinistre de Sam Raimi pour créer une histoire de passage à l’âge adulte particulièrement sombre. Alors que Leah (Nicole Muñoz) devient de plus en plus en désaccord avec sa mère (Laurie Holden), comme la plupart des adolescents, elle invoque le démon Pyewacket pour s’occuper de sa mère monstrueuse. Ça commence très vite à aller très mal très vite.

MacDonald remplit son écran d’un étrange vide boisé tout en conduisant un récit simple mais complexe, osant le public à maintenir un contact visuel avec l’écran à mesure que le péril se rapproche. La maîtrise magistrale de la mise en scène par MacDonald et crew permet à Pyewacket de fonctionner comme une pièce animée par des personnages qui se sent vitale, familière et excitante tout en examinant notre peur de ce qui se passe dans la nuit et les liens qui nous unissent. Pyewacket vous fera prendre soin de ses personnages, puis vous donnera des cauchemars que vous n’oublierez pas de sitôt.

Addison Wylie (@AddisonWylie), Critique de cinéma, Wylie Écrit

Le cinéaste Jay Cheel raconte une histoire de synchronicité dans Comment construire une Machine à Voyager dans le Temps. Les deux sujets du documentaire (l’animateur Rob Niosi et le physicien théoricien Ron Mallett) sont deux personnes très différentes, mais ils partagent un lien par leur obsession pour La Machine à voyager dans le temps de H.G. Wells — se liant directement à chacun de leurs objectifs principaux dans la vie. Comment construire une machine à voyager dans le temps parle de la puissance des concepts imaginatifs et de la façon dont ils peuvent nous transformer en qui nous sommes aujourd’hui. Ce film parfait élargit, et même change, nos idées de passion et de folie.